9/11/18

Somos Campeones - Por Carlos Correa

Marco Montes -Javier Gutiérrez- no lo pasa bien. Es despedido de su puesto de entrenador asistente de un equipo profesional de básquetbol por pelearse en plena cancha con su amigo, el entrenador principal del club. Arrogante y malas pulgas, Marco completa su “mala fortuna” al ser fiscalizado por la policía luego de chocar una patrulla, conduciendo en estado de ebriedad. ¿Castigo? Por supuesto. Dos años de prisión o noventa días de trabajo comunitario, sentencia una ruda e implacable jueza. Obviamente, Marco elige lo segundo pero ni siquiera sospecha de qué se trata: deberá entrenar un equipo de personas con discapacidad intelectual.

En esta cinta del realizador Javier Fesser, quien también colabora con el guion junto a David Marqués, la historia de referencia no es lo principal. El relato es una fábula que tiene un trasfondo profundo y que contiene lecciones de vida que, si bien no son novedosas, están muy bien retratadas y con ello adquieren una nueva frescura.

Marco comienza a descubrir algo que jamás había visualizado. Esto de la discapacidad intelectual o capacidades diferentes para él no es más que una anormalidad manifiesta, un tema alejado, extraño, tal vez hasta curioso y por supuesto absolutamente secundario. Y claro, en un mundo en que lo distinto nos provoca temor, derribar prejuicios y cambiar nuestra manera de pensar no es fácil. Se necesita, no pocas veces, una experiencia vital que nos obligue a hacerlo y esta es justamente la historia del protagonista.

Con actuaciones reales y honestas -los actores no profesionales fueron escogidos especialmente para la película- el director logra transmitir amabilidad y ternura y dar relevancia al tema de la inclusión. Con varios diálogos que nos dejan pensando, las historias individuales de los integrantes del equipo “Los Amigos” son un universo en sí mismas. Los prejuicios también los vemos reflejados en traumas pasados que provocan miedo incontrolable en el presente. Vemos el abuso laboral al que es sometido Benito, la fobia al agua y su enternecedor amor a los animales de Juanma, y la profunda desconfianza que muestra Román, el referente del equipo, producto de mentiras y abandonos sufridos en el pasado. Julio -Juan Margallo-, el encargado del centro donde se desarrolla la mayor parte del metraje, es un personaje encomiable, con una voluntad, cariño, vocación de servicio y dedicación que conmueve profundamente. También está presente Sonia -Athenea Mata-, la mujer de Marco, con sus sueños de tener hijos, su trabajo y una separación que ella no ha buscado.

Si bien la lectura se aborda desde la visión de Marco, me gustaría poner el foco al otro lado. La incidencia en la vida de cada uno de los integrantes del equipo está descrita por la cinta en tono mayor. La oportunidad que tienen de tener a Marco junto a ellos es única. Tal vez no lo entiendan y ni siquiera lo dimensionen, sin embargo su felicidad es real y absoluta. No se ve en ellos nada de amargura o de frustración en el proceso. Disfrutan cada minuto y cada instante. ¡Qué importante es estar ahí cuando se necesita! Acompañar, apoyar, corregir, guiar y liderar sin tirar la toalla o abandonar al primer desencuentro y así salir del espacio confortable para ingresar a un mundo diverso, distinto y especialmente cariñoso. Es lo que refleja esta obra de Javier Fesser que España ha elegido para que sea su representante para el Óscar a la película de habla no inglesa. Reconocer a quienes tienen capacidades diferentes como personas, respetando su identidad y dignidad como lo más sagrado que existe, con integridad, coraje y valor, sabiendo que hay mucho que aprender de ellos. Allí están, generosamente dispuestos, y sin esperar nada a cambio, solo nuestra acogida y comprensión.

Ficha técnica

Título original: Campeones
Año: 2018
Duración: 124 minutos
País: España
Productora: Morena Films / Movistar+ / Películas Pendleton
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Discapacidad. Baloncesto. Deporte
Guion: David Marqués, Javier Fesser
Música: Rafael Arnau
Fotografía: Chechu Graf
Reparto: Javier Gutiérrez, Juan Margallo, Luisa Gavasa, Jesús Vidal, Daniel Freire, Athenea Mata, Roberto Chinchilla, Alberto Nieto Ferrández, Gloria Ramos, Itziar Castro
Dirección: Javier Fesser

8/11/18

Somos Campeones - Por Juan Pablo Donoso

Amena, graciosa y conmovedora.

Por un lado está la casi siempre exitosa temática de las competencias deportivas. Esta vez será el basquetbol.

Y por otro, el delicado asunto de sumergirse en el mundo de los jóvenes con Síndrome de Down y otras deficiencias mentales.

La feliz combinación de estos elementos dio como resultado esta encantadora película.

Un entrenador profesional, Marco ( Javier Gutiérrez), por hallarse en una crisis matrimonial, se ha tornado agresivo y bebedor. Lo expulsan del equipo en que trabaja y comete una grave falta en el tránsito. Junto con privarlo de su licencia de conducir, la Jueza le da como pena alternativa enseñarles a jugar basquetbol a un grupo de jóvenes con disfuncionalidad mental. El Centro Especial Deportivo lo rige un sabio anciano llamado Julio (Juan Peragallo) quien, con mucha paciencia, tranquiliza a Marco y lo induce a iniciar los entrenamientos.

Al comienzo parecía una tarea imposible y exasperante. Pero poco a poco los mismos jóvenes lo irán conquistando hasta llevarlos a un campeonato nacional de discapacitados.

La personalidad y dolencia de cada muchacho está claramente diferenciada, y los hace queribles: Manuel, Paquito, Jesús, Sergio, Fabián, Juanma, Benito, Marín y la única jugadora del equipo de apellido Collantes que resulta ser, además de diestra, capaz de agregar autoridad femenina en el grupo.

El humor y la ternura se combinan con equilibrio y respeto. La cinta da permiso para reír con las salidas inocentes de los jóvenes sin por ello sentirnos culpables de faltar a la caridad: ellos también se toman a sí mismos con humor.

El desafío artístico fue dirigir a estas personas en una ficción con argumento y textos definidos. Ni siquiera actores profesionales habría dado ese tipo de verdad y emoción.

Ágil y difícil edición, donde también demostró su talento el director Fesser, junto a Roberto Bolado.

El conflicto amoroso del protagónico resulta algo simplista y, tal vez, para complacer a la audiencia menos exigente.

Ya habíamos comentado estas temáticas en películas discriminatorias como LA BATALLA DE LOS SEXOS (2017), en lo deportivo, y LOS NIÑOS (2016) de nuestra compatriota Maite Alberti relativa a los jóvenes con Síndrome de Down. Y en ambos casos el resultado fue enriquecedor para el público

Una de las momentos dramáticos más deslumbrantes fue demostrar la maravillosa capacidad de esas criaturas para alegrarse – sin egoísmo alguno – con el triunfo ajeno. Testimonio de bondad pura, espontánea y natural.

Aconsejamos, de todo corazón, verla a quienes deseen emocionarse y salir optimistas del cine.

BELLA PELÍCULA ESPAÑOLA QUE NOS SENSIBILIZA Y RECONCILIA CON ESOS ÁNGELES QUE SON NUESTROS HERMANOS DISCAPACITADOS. UN BAÑO DE AMOR Y ALEGRÍA.

Ficha técnica

Tragicomedia, deportes 
Andes Films España, México – 2,04 hrs. 
Fotografía: Chechu Graf
Edición: Roberto Bolado, Javier Fesser 
Música: Rafael Arnau 
Diseño Prod.: Javier Fernández 
Guion: David Marqués, Javier Fesser Actores: Javier Gutiérrez, Athenea Mata, Juan Margallo Director: Javier Fesser

Operación Overlord - Por Juan Pablo Donoso

Una súper “melange” de todos los clichés taquilleros del cine comercial.

Es bélica, 2ª Guerra Mundial, abundan los zombies, los buenos son yanquis aunque a ratos tan despiadados como los enemigos nazis, muchos efectos especiales, una atractiva heroína francesa de la Resistencia, un niño juguetón, espectaculares sonidos ambientales, y suspenso permanente.

Una caricatura del género, a la manera de las antiguas películas de matinée, pero más cruel y con todos los adelantos técnicos del cine contemporáneo.

Lo mejor es la secuencia inicial en el avión que lleva a una pequeña patrulla de soldados a un pueblito de Francia. Deben destruir la torre de la iglesia en poder los nazis. Sólo si la derriban, los alemanes ignorarán el desembarco sorpresivo de las tropas aliadas en Normandía.

En la patrulla van todos los prototipos heroicos: el duro sargento, el soldado judío, el gringuito desatinado mascando chicle, el fotógrafo de guerra y el jovencito bueno: ahora es un negro descendiente de haitianos, que habla francés y vence los más insólitos escollos para sobrevivir. Además, es el único con sensibilidad ante la defensa de los “derechos humanos”… aunque estén masacrando a sus camaradas (¡!).

La médula de la trama ocurre en el subterráneo de la iglesia. Allí un médico alemán experimenta con los cadáveres de los habitantes de la aldea. Les inyecta un líquido experimental y resucitan… pero transformados en horribles monstruos asesinos, a prueba de balas y golpes letales.

Los aficionados al gore, a las antiguas películas de guerra y a los zombies, gozarán aún más viéndola en IMAX y con sonido envolvente.

ACCIÓN, VIOLENCIA Y TERROR CONSTANTES PARA QUIENES NECESITEN DESCARGAR ADRENALINA ACUMULADA.

Ficha técnica

Título Original: Overlord Accion, terror, ciencia ficción 
Andes Films EE.UU. – 1,49 hrs. 
Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner 
Edición: Matt Evans 
Música: Jed Kurzel 
Diseño Prod.: Jon Henson 
Guion: Billy Ray, Mark L. Smith 
Actores: Wyatt Russell, Pilou Asbæk, John Magaro 
Director: Julius Avery

Trauma - Por Juan Pablo Donoso

Si se trata de competir entre quién hace la película más brutal, sádica, aberrante y perversa, sin duda TRAUMA va a entre las campeonas.

Hay violaciones, incestos, mutilaciones, degollamientos, pedofilia, infanticidios, etc.

Para hallar una motivación relativamente lógica a las atrocidades del gore, aquí justifican al monstruoso asesino como víctima de las torturas del gobierno militar en Chile. Cuando adolescente lo forzaron a violar a su madre.

Cuatro muchachas lesbianas deciden pasar un orgiástico fin de semana en la solitaria casa de campo de una de ellas. En la noche serán asaltadas por un asesino desquiciado que junto a su hijo, también trastornado, las violan, golpean y mantienen retenidas. Cuando ellas intentan escapar la fuga se convertirá en una persecución bestial en que serán masacradas una por una de las maneras más sangrientas posibles.

Es innegable el oficio cinematográfico de los realizadores: fotografía, iluminación, sonido, edición y música incidental. Todo, incluido el diseño de producción y maquillajes, revela prolijidad y eficacia. Más, como argumento, sólo hay facilismo efectista.

Dos de las actrices principales, disfrazadas de Halloween durante la Avant-premiere, nos advirtieron de la crudeza del filme que veríamos. Pero nos consolaron diciendo que ellas se habían divertido mucho durante la filmación. Era el primer consejo para evitar “traumatizarse” con la bestialidad del relato y, segundo consuelo, que viéramos la película completa porque al final habría una luz de redención y esperanza. (¡Gracias!).

Vista con objetividad nos parece un cuidadoso ejercicio de gore a la chilena. Los realizadores demuestran que dominan este género, y que van más allá del gore tradicional.

La industria cinematográfica chilena cada vez consigue mejores capitales para filmar con alto nivel técnico. Pero, a la vez, insiste en temas morbosos, deprimentes y nihilistas como si fueran la única “visión de mundo” que pueden expresar nuestros jóvenes creadores.

La reiteración de estos retratos en el extranjero, cada vez más premiados y aplaudidos, difunden una triste imagen y sensación de lo que es nuestro país actual y sus habitantes: TRASTORNOS DEL SUEÑO, JESÚS, MUJER FANTÁSTICA, EL CLUB, etc. Afortunadamente surgen también otras voces muy logradas luciendo valores humanos más estimulantes (Ej. Y DE PRONTO EL AMANECER).

TRIUNFALMENTE ENAJENADA, PERVERSA Y DESAGRADABLE. QUIEN SE LA TOME EN SERIO QUEDARÁ TAMBIÉN “TRAUMATIZADO”.

Ficha técnica

Crimen, tortura, sadismo, perversión 
Cineteca Nacional La Moneda Chile – 1,46 hrs. 
Fotografía: Sebastián Ballek 
Edición: Cristián Toledo y Lucio A. Rojas 
Música: Ignacio Redard 
Diseño Prod.: Pamela Rojas Actores: Catalina Martin, Macarena Carrere, Ximena del Solar 
Guionista y Director: Lucio A. Rojas

La Puerta Abierta - Por Juan Pablo Donoso

Concebida en “estado de gracia” por su guionista y directora – Marina Seresesky – junto a sus actores y todo el equipo de producción.

Cinco premios internacionales.

Sólo desde LAS NOCHES DE CABIRIA de Fellini (1957), un tema prostibulario, tan abyecto y deprimente, fue capaz de generar tanta emoción y pureza espiritual.

El talento de Marina Seresesky (1969), argentina radicada en España, barajó talento, intuición, coraje y sensibilidad. Un filme deslenguado, procaz y sórdido, hace reír, llorar, entretiene y reconforta con su dulzura narrativa.

Por ningún motivo confundirla con una “comedia negra”. Aquí los resortes narrativos son distintos.

En una “corrala madrileña” – especie de cité donde sus inquilinos arriendan míseros departamentos – habitan prostitutas callejeras y travestis. Una ramera rusa fallece por sobredosis dejando huérfana a una niñita de 7 años llamada Liuba. La pequeña, por influencia materna, teme a la policía; se esconde en la casa de Rosa (Carmen Machi), una meretriz vecina y madura que vive con a su madre anciana (Terele Pavez), algo senil, quien también ejerció el oficio público hasta quedar paralítica.

De muy malas ganas aceptan esconder a la niña por 3 días antes de entregarla a las autoridades para ponerla en un orfanato. La pequeña Liuba, poco a poco, irá resblandeciendo el corazón de Rosa, de la abuela y de un travesti vecino, llamado Lupita (Axier Exteandia), quien demuestra, desde el comienzo, más instinto maternal que ambas mujeres.

La convivencia de estas miserables criaturas, y sus cuitas con las demás habitantes del edificio, se irá complicando por la permanencia de la niña oculta y las pesquisas de la policía.

Todos los personajes – principales y secundarios - están muy bien definidos, sin caer en clichés ni efectismos.

Los diálogos son una lección de escritura. Las protagonistas, todas actrices españolas consagradas, fueron nominadas al Premio Goya por este trabajo. Tanto la pequeña Lucía Balas, como Axier Etxeandía (Lupita) irradian dignidad y a la vez desamparo.

Recomendamos ver este filme donde sea asequible. Matiza la tragedia con la obscenidad cotidiana manteniendo la delicadeza del fondo. Lo feroz y lo delirante, sazonados con lo cómico, cohabitan sin desafinar.

Todo exuda verdad, dolor, y tragicomedia.

PRODIGIO ARTÍSTICO DE UN TEMA MORBOSO QUE LOGRA TERNURA, ESPERANZA Y MISERICORDIA.

Ficha técnica

Tragicomedia 
Cine-Arte Galería Patricia Ready España – 1,22 hrs. 
Fotografía: Roberto Fernández 
Edición:Raúl de Torres 
Música: Mariano Marín 
Diseño Prod.: Javier Crespo 
Actores: Carmen Machi, Terele Pavez, Asier Etxeandia 
Guionista y Directora: Marina Seresesky

7/11/18

Operación Overlord - Por Carlos Correa

La película transcurre en plena Segunda Guerra Mundial, la víspera del “Día D”. El éxito de la “Operación Overlord”, nombre en clave para la Batalla de Normandía, depende de una misión especial y arriesgada que consiste en derribar una torre de comunicaciones alemana construida sobre la Iglesia de un pequeño pueblo francés. Dispuestos a cumplir su objetivo, un grupo de soldados logra descender en paracaídas sobre un bosque cercano de difícil acceso custodiado fuertemente por tropas germanas. Quienes aun sobreviven -a esta altura, y con muy pocos minutos de rodaje, la masacre es bastante alta- llegan al poblado gracias a la guía de una joven francesa a quien encuentran en el camino recogiendo objetos de valor entre los restos de los soldados fallecidos.

Esta superproducción concebida por J.J Abrams y escrita por Billy Ray tiene excelente fotografía -Laurie Rose, Fabian Wagner- buena música -Jed Kurzel- y un elenco sintonizado de actores donde destaca la química de los dos principales protagonistas, el soldado Boyce -Jovan Adepo- y la joven Cloe -Mathilde Ollivier-. Se suman a ellos el Capitán Ford -Wyatt Russell-, un experto en explosivos, el despreciable oficial nazi, Dr. Wafner -Pilou Asbæk- y el hermano menor de Cloe, Paul -Gianny Taufer-, junto a lo que queda de la misión.

Si se desconoce de qué se trata la historia -lo recomiendo, no averigüen mucho-, la cinta va entregando luces que los hechos narrados son improbables los que luego se ratifican son imposibles. El filme comienza como una sólida cinta bélica, con todos sus elementos cruciales, combates, ataques aéreos y terrestres, bombas, destrucción, sangre a borbotones y muchísima acción. El problema radica en que al momento del giro -no es spoiler, pues más detalles muestra el trailer-, es decir, desde el cruce de géneros, cuando cambiamos el switch a cinta de terror -o tal vez mixta- no logra traslapar bien el relato, se escapa de las manos la escritura del guion y la combinación queda aun más incómoda y forzada.

Con una manufactura sólida -Paramount Pictures y Bad Robot se preocupan por los detalles, como por ejemplo en la secuencia aérea inicial que es de alto impacto- y un sonido potente de gran envergadura especialmente en una sala IMAX, “Overlord”, en mi opinión, se queda a medio camino al no desarrollar adecuadamente una idea original que se vislumbra interesante. Tantos elementos bien logrados en el primer tercio se desvanecen cuando empezamos a confundirnos con experimentos nazi, sueros que reviven a los soldados muertos, historias y personajes que tienen muchos recovecos que apenas se logran explicar y que, además de ser predecibles, no entregan mayor valor agregado al metraje. El terror explícito que provoca la guerra -cruda, violenta e inhumana- ya es bastante, por lo que hacer el cruce bélico-terror no solo es arriesgado sino que se transforma en una apuesta de muy difícil solución.

Ficha técnica

Título original: Overlord
Año: 2018
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Bad Robot / Paramount Pictures. Distribuida por Paramount Pictures
Género: Acción. Terror. Intriga. Ciencia ficción. Thriller. Bélico | II Guerra Mundial. Nazismo
Guion: Billy Ray, Mark L. Smith (Historia: Billy Ray)
Música: Jed Kurzel
Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner
Reparto: Wyatt Russell, John Magaro, Bokeem Woodbine, Iain De Caestecker, Jacob Anderson, Jovan Adepo, Marc Rissmann, Dominic Applewhite, Michael Epp, Mathilde Ollivier, Pilou Asbæk, Hélène Cardona, Jorge Leon Martinez, Éva Magyar, Shawn Dixon, Ben Tavassoli, Andy Wareham
Dirección: Julius Avery

31/10/18

Bohemian Rhapsody - Por Carlos Correa

Me emocioné. Ojos húmedos y un nudo en la garganta al salir. ¿La película, la brillante actuación de Rami Malek que revive a Freddie Mercury o la inigualable música de “Queen”? Veamos.

La película viene con una dosis de polémica insoslayable. El director Bryan Singer fue despedido tras dos meses del rodaje y reemplazado por Dexter Fletcher quien finalizó las grabaciones. ¿Razones? Un sinnúmero de rumores, ausencia prolongada del set filmación, mala relación con los actores, entre otros. El resultado final son recreaciones, escenarios y locaciones muy bien construidas junto con actuaciones de la banda, y conciertos en vivo -especialmente su intervención en el recital “Live Aid”- que son excelentes, de primer nivel. Sin embargo, es posible percibir cierta ausencia de conducción justamente en el relato que va enlazando la historia, en esas uniones finas y delicadas que deben ser el soporte de un hilo conductor que permita que el filme no sea solo una suma de memorables eventos.

Esta travesía musical vibrante y emocionante es un viaje de sensaciones. La genialidad de Mercury se contrapone con la soledad, el abandono y la incomprensión que el músico vive en muchos momentos. “Queen” funciona como su familia lo que muestra la búsqueda de unidad y de estabilidad. Sin embargo, como es normal, surgen las crisis y los conflictos. Las lealtades son tensionadas por el utilitarismo de las relaciones. ¿Qué es lo que importa de verdad? Existe una amistad vital entre estos amigos desde sus orígenes, en “Smile” -el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor más el bajista John Deacon muy bien caracterizados por Gwilym Lee, Ben Hardy y Joseph Mazzello respectivamente-, pero los desencuentros y la ambición personal desembocan en una inesperada pero necesaria distancia. Este punto de quiebre, Mercury lo sintetiza perfecto al momento del reencuentro de la banda en la víspera del multitudinario concierto de recaudación de fondos en Londres. “Ellos -los músicos que lo acompañaron en sus dos trabajos como solista- hicieron exactamente lo que les dije... pero así no resulta”. La ausencia de contrapunto, de opiniones distintas, de visiones diferentes, impide un desarrollo musical sólido.

¡Rami Malek está increíble! Para quienes lo seguimos en la serie “Mr. Robot” su talento no es novedad, sin embargo la sorpresa que nos regala ahora es una versatilidad notable y un trabajo redondo, tanto emocional, como físico y vocal, ya que si bien la banda sonora es original, su voz en los diálogos e interacciones no puede ser discordante y Malek logra esto de forma impecable. Físicamente, el actor se va transformando con el correr del metraje. Desde ser Farrokh Bulsara, de origen Parsi-Indio, hasta adoptar su nombre artístico de Freddie Mercury, su entrañable amor por Mary Austin interpretada por Lucy Boynton, y el descubrimiento progresivo de su bisexualidad, no deja duda alguna que su entrañable caracterización logra revivir al extraordinario vocalista.

La música de “Queen” es la esencia de la cinta. Bajo el impulso vigoroso de Freddie, la banda se arriesga a cruzar límites, a combinar géneros y a desarrollar una arriesgada ampliación estética. Las armonías reflejan gran osadía y convicción, un impulso trascendente y a la vez incontrolable. La película, tal vez en sus puntos más interesantes, nos entrega atisbos del posible proceso creativo de algunos de sus temas más famosos que van surgiendo de pequeñas células, pequeños motivos, ideas fijas, casualidades, discusiones y tantos otros particulares desafíos. La experimentación con las grabaciones -recordemos que eran en cinta, con pistas limitadas y posibilidades mínimas-, el uso de los canales y efectos estéreo junto a un sinnúmero de singularidades nos permiten apreciar algunas de las razones que los encumbran a su gran éxito y es por ello que tal vez exista un antes y un después marcado por su estilo único. La película desarrolla, como si se tratara de un gran concierto, una analogía con uno de sus mayores cumbres -la extraordinaria "Bohemian Rhapsody", que además titula el filme- donde podemos apreciar similitudes formales en la narración de la historia.

La pregunta inicial sigue aún sin respuesta. ¿La película, la actuación o la música? La dejo abierta para que cada lectora, cada lector pueda responderla una vez que asista a esta experiencia y realice su propia lectura. Al menos para mí, luego de algunos días de haberla vivido, sigue presente, rondando en mi cabeza y no me he podido despegar del Soundtrack que trae varias sorpresas interesantes para descubrir. La invitación queda, desde ya, extendida.

Ficha técnica

Título original: Bohemian Rhapsody
Año: 2018
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; GK Films / New Regency Pictures / Queen Films Ltd. / Tribeca Productions / Regency Enterprises
Género: Drama | Biográfico. Música
Guion: Anthony McCarten (Historia: Anthony McCarten, Peter Morgan)
Productor ejecutivo: Dexter Fletcher
Música: John Ottman
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Reparto: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Aidan Gillen, Tom Hollander, Mike Myers, Allen Leech, Aaron McCusker, Jess Radomska, Max Bennett, Michelle Duncan, Ace Bhatti, Charlotte Sharland, Ian Jareth Williamson, Dickie Beau, Jesús Gallo, Jessie Vinning
Dirección: Bryan Singer

Bohemian Rhapsody - Por Juan Pablo Donoso

Opción lograda y emocionante para un tema delicado.

Explica el carisma del conjunto QUEEN, especialmente de Freddie Mercury, su vocalista, encarnado por Rami Malek.

Tal vez algunos hubieran preferido presenciar facetas menos convencionales y más sórdidas de Mercury, pero la opción de este filme fue resaltar sus virtudes sin por ello falsear sus bemoles.

Admirable edición del relato: elíptico y a la vez íntimo. Su momento culminante es la recreación del concierto Live Aid en el estadio de Wembley. Aquella, donde Mercury ya enfrentaba una enfermedad terminal, fue una de las presentaciones más grandiosas en la historia de la música rock.

Al escuchar ahora esas canciones de los años 80 apreciamos aún mejor el talento y aporte de ese conjunto al rock contemporáneo. Conmueve hasta las lágrimas.

Nos reactiva el conocimientos de aquel legendario conjunto donde cada uno de sus integrantes – bien caracterizados por los actores – marca su impronta personal para secundar al vocalista Mercury. Una banda que siempre fue más como una familia, y que continúa inspirando a marginados, soñadores y melómanos.

Rami Malek expresa con energía la lucha de una psiquis torturada que sólo a través de la música, y la búsqueda de nuevas formas, halló canales enajenados de liberación.

Sólo un individuo como Mercury, con tales contradicciones de carácter, y atormentada personalidad, unidos obviamente a su talento, podrían explicar el carisma con que enloqueció a sus millones de seguidores, en vivo y en las grabaciones. Su pasión le impedía detenerse como persona y como creador e intérprete.

En él se debatían los dolores irreconciliables de afecto por Mary Austin, con un vértigo desbocado de homosexualidad que incubaba el germen de la autodestrucción. Debió ser un alma solitaria y muy atribulada.

Rami Malek, californiano descendiente de egipcios copto ortodoxos, ya es un astro consagrado. Podría ser candidato al Oscar, además de distinciones anteriores como la serie de TV Mr.Robot (2015-19) con que ganó premio Emmy y Globo de Oro – Papillon (Degas)(2017) – Need for Speed (2014),y secuelas de Noche en el Museo.

Los otros integrantes de la banda, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, bien caracterizados, nos llevan a olvidar que son actores por la honestidad de su entrega y vigor.

Durante el rodaje hubo un momento de crisis entre el protagonista y el director Bryan Singer, quien renunció y fue reemplazado por el talentoso Dexter Fletcher (Volando Alto, 2015). Pero nada de esto incidió en el feliz resultado de la obra.

Para mejor disfrutarla nos permitimos hacer dos sugerencias: permanecer en la sala durante los créditos finales porque allí se muestra a los verdaderos integrantes de QUEEN, y tratar de ver la película en IMAX para sentir la grandiosidad de los eventos y la proximidad de sus personajes.

UN DELEITE MUSICAL, BIOGRÁFICO Y ACTORAL.

Ficha técnica


Drama, biografía, música FOX 
Inglaterra, EE.UU. – 2,14 hrs 
Fotografía: Newton Thomas Sigel 
Edición y Música: John Ottman 
Diseño Prod.: Aaron Haye 
Guionistas: Anthony McCarten, Anthony McCarten y Peter Morgan 
Actores: Rami Malek, Lucy Boynton, Joseph Mazzello 
Directores: Bryan Singer y Dexter Fletcher

El Cascanueces y los Cuatro Reinos - Por Carlos Correa

Walt Disney Pictures presenta una renovada versión del clásico de E. T. A. Hoffmann, “El Cascanueces”. Esta vez, la historia se centra en Clara -Mackenzie Foy- y el descubrimiento de un maravilloso mundo mágico al que se transporta luego de recibir un valioso obsequio que le ha heredado su madre recientemente fallecida. Drosselmeyer -Morgan Freeman- le entrega a Clara una clave para introducirse en los “Cuatro Reinos” y encontrar la llave que le permita abrir el regalo. Acompañamos entonces a Clara en su viaje a la Tierra de los Copos de Nieve, a la Tierra de las Flores y a la Tierra de los Dulces, donde Phillip -Jayden Fowora-Knight-, un joven soldado, Sugar Plum -Keira Knightley-, la Reina de los dulces, Madre Ginger -Helen Mirren-, la misteriosa villana del cuarto Reino y una pandilla de ratones, son los personajes que animan esta sencilla y refrescante fábula que llena la pantalla de imaginación y color.

La cinta tiene un precioso diseño, fina iluminación, mucho color y actuaciones convincentes. El metraje es predecible, sin embargo el relato junto a los elementos que aporta el desarrollo argumental la hace fluir adecuadamente y sin mayores sobresaltos. La dirección de Lasse Hallström y Joe Johnston es delicada, amable y respetuosa con los tiempos, especialmente con el ritmo que siempre está marcado por el desarrollo musical.

Es por ello que, en mi opinión, lo más destacado de esta película es su banda sonora. A cargo del compositor James Newton Howard, la música cobra nueva vida basándose en las características y magistrales melodías compuestas por P. I. Tchaikovsky para el famoso Ballet de 1892. Newton Howard logra mezclar extractos y motivos temáticos con nueva música incidental, dotando a la partitura de una asombrosa actualidad incorporando orquesta, voces, piano y solistas. Se suma a esta excelente creación, las interpretaciones de lujo de la Orquesta Filarmónica de los Ángeles, dirigida por el versátil Gustavo Dudamel -que además tiene un cameo que es un precioso guiño a “Fantasía”-, y Lang Lang en el piano, quienes encabezan un reparto musical de excelencia que vale la pena escuchar con particular atención.

“Cascanueces y los Cuatro Reinos” es entretenida. Simple y fácil de seguir, agrega un concepto interesante y vigente. Se trata del transcurrir del tiempo, algo que muchos directores ya han puesto de relieve. El tiempo mágico es mucho más rápido que el tiempo real, algo similar a lo que percibimos con nuestros sueños, cuando logramos en segundos construir historias de horas o tal vez de días. Acá este concepto está presente y si bien no se desarrolla con mayor profundidad, podríamos asociarlo a la vigencia de la música del “Cascanueces” que, cada vez que la volvemos a escuchar, nos transporta en el tiempo y revive en nosotros recuerdos infantiles y juveniles que atesoramos profundamente dentro de nuestro corazón.

Ficha técnica 

Título original: The Nutcracker and the Four Realms
Año: 2018
País: Estados Unidos
Productora: Walt Disney Pictures / The Mark Gordon Company
Género: Aventuras. Fantástico | Cine familiar
Guion: Ashleigh Powell (Historia: E.T.A. Hoffman)
Música: James Newton Howard
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Mackenzie Foy, Keira Knightley, Helen Mirren, Morgan Freeman, Eugenio Derbez, Matthew Macfadyen, Miranda Hart, Ellie Bamber, Misty Copeland, Omid Djalili, Meera Syal, Nick Mohammed, Charles Streeter, Gemma Wilks, Andrei Cotofan
Dirección: Lasse Hallström, Joe Johnston

Museo - Por Juan Pablo Donoso

O se la mira como una película más de robo perfecto e impune, o nos internamos en un estudio más serio de sus motivaciones.

Nos plantean el caso verídico de unos jóvenes mexicanos, de buena situación económica, llamados Juan Núñez (Gael García Bernal) y su amigo Benjamín Wilson (Leonardo Ortizgris) quienes en la Nochebuena de 1965 saquearon tesoros patrimoniales pre-hispánicos del Museo Nacional de Antropología.

Como relato de suspenso nos mantiene en vilo admirando la habilidad de los ladrones, y temiendo que puedan ser sorprendidos. Pero este tema se ha tratado en numerosos filmes anteriores incluyendo clásicos como RIFIFÍ ENTRE LOS HOMBRES (1955) y TOPKAPI (1964, ambas de Jules Dasin), e incluso la serie de MISIÓN IMPOSIBLE entre muchos otros de mayor o mediana calidad.

Juan Núñez es un joven impulsivo, inmaduro, consentido y desadaptado en su grupo familiar. Gael García Bernal transmite creíble su complejo de inferioridad. Su compinche Ortizgris aporta una contraparte tragicómica.

Bella composición fotográfica, escenarios, locaciones y fondo musical. Se luce más la realización que la estructura de su argumento. ¿Premio Oso de Plata Berlín mejor guion? (¡!)

¿Pretenden denunciar el tedio existencial de jóvenes burgueses consentidos que necesitan activar su adrenalina? En ese plano es muy inferior, y más superficial, que COMPULSIÓN de 1959: caso criminal de Leopold y Loeb donde dos jóvenes querían demostrar su capacidad de ponerse por encima del Bien y el Mal (influenciados por Nietzsche).

Aquí sobran personajes, en especial de la familia.

Extraña participación de nuestro compatriota Alfredo Castro como el médico y padre de Juan. Mantiene desde el comienzo una actitud monocorde, atormentado sin motivo, y que sólo reacciona ética y forzadamente al final. Se ve incómodo por carecer de mayor trasfondo. Faltó mayor composición dramática, o desarrollo de su personaje. En cambio, resulta eficaz la breve intervención del veterano actor inglés Simon Russell Beale (La Muerte de Stalin, 2017).

¿Será el título MUSEO la metáfora de una sociedad burguesa, con jóvenes adinerados - sin raíces históricas - cuyo mayor ideal es perpetrar una hazaña de renombre para descargar adrenalina y demostrar su inteligencia?

Habría que escarbar en el propósito intelectual de los guionistas para justificar lo que le falta al relato cinematográfico en sí mismo.

AMENO TRABAJO DE SUSPENSO, BASADO EN LA REALIDAD, QUE DEBIÓ CALAR MÁS HONDO EN LAS MOTIVACIONES DE SUS PROTAGONISTAS. DE DULCE Y AGRAZ.

Ficha técnica


Tragicomedia policial México – 2,08 hrs. 
Fotografía: Damián García 
Edición: Yibran Asuad 
Música: Tomás Barreiro 
Diseño Prod.: Sandra Cabriada 
Guionistas: Manuel Alcalá y Alonso Ruizpalacios 
Actores: Gael García Bernal, Leonardo Ortizgris, Simon Russell Beale, Alfredo Castro, Lynn Gilmartin 
Director: Alonso Ruizpalacios

La Sirena - Por Juan Pablo Donoso

El año pasado vimos LA NOVIA del director ruso Svyatoslav Podgaevskiy. Un filme de terror que nos decepcionó. Teníamos curiosidad por ver cómo abordan ellos las temáticas de espanto. Y nos encontramos con una obra llena de concesiones, en fondo y forma, para el mercado internacional.

Ahora nos llega LA SIRENA, El Lago de los Muertos, donde explora un tratamiento más propio, con símbolos más claros y mejor ámbito audiovisual.

Aunque todavía cede a ratos a los trillados recursos de “screamers” y caras monstruosas, pone su acento en un relato más sugerente, menos obvio, y donde sus personajes pueden navegar por zonas más turbias y subconscientes.

La historia es simple, pero se narra desde una plataforma de misterio y magia constante.

En el siglo 19 una mujer joven – Liza Grigorieva - se ahogó en un lago y su espíritu sigue habitando las profundidades. Intenta atraer nuevas víctimas que pudieran devolverle el amor que perdió y nunca ha podido recuperar. Años atrás le arrebató la esposa al dueño de un predio vecino dejando huérfanos a sus hijos. Ahora esos hermanos, ya adultos, vuelven a la cabaña abandonada para repararla y ponerla en venta. Pero la Sirena del lago tratará de seducirlos, arrebatarles el alma, hasta lograr su propósito de ser amada por fin.

Para contar esta simple historia, los realizadores escogen “el agua” como símbolo alienante y unificador. Pasaremos por piscinas olímpicas, tinas de baño, subterráneos inundados y, obviamente, el lago mismo, para que la siniestra náyade ataque y hechice a sus víctimas. Y la lluvia será compañera casi constante de este infierno acuático donde fluyen corrientes difuminadas.

Hay coherencia estilística de colores azules y amarillos, de tonalidades musicales fluidas, y un permanente desconcierto racional de sus personajes que - de manera muy rusa – sufren por amor y a la vez de melancolía.

Esta película anuncia una mayor madurez en la forma eslava de contar historias de terror.

LEYENDA RUSA DE HORROR, CON SÍMBOLOS MÁS PODEROSOS, Y DONDE LO DIFUSO YA COMIENZA A BORDEAR LO POÉTICO. UN AVANCE DE ESTOS REALIZADORES.

Ficha técnica

Título Original: Rusalka: Ozero myortvykh 
Terror, romance 
BFDistribution Rusia – 1,30 hrs. 
Fotografía: Anton Zenkovich 
Edición: Anton Komrakov 
Dirección de Arte: Alexandra Fatina 
Guion: Natalya Dubovaya, Ivan Kapitonov, Svyatoslav Podgaevskiy 
Actores: Efim Petrunin, Igor Khripunov, Viktoriya Agalakova 
Director: Svyatoslav Podgaevskiy

25/10/18

Papillon la gran fuga - Carlos Correa

Paris, 1931. Henri Charrière -Charlie Hunnam-, luego de la entrega de un botín de joyas, separa un valioso regalo para su novia. La mañana siguiente es detenido y acusado de un crimen que señala no haber cometido. La condena es dura, cadena perpetua en una colonia-prisión de la Guayana Francesa. “Papillon” no se resigna, está en su ADN el escapar, por ello ofrece cuidar la vida de otro convicto, Louis Dega -Rami Malek-, un timorato falsificador de papeles, a cambio del dinero necesario para cumplir la deseada fuga.

El relato del director Michael Noer, basado en el libro autobiográfico del propio Henri Charrière y en la cinta original de 1973 -protagonizada por Steve McQueen y Dustin Hoffman-, posee un ritmo pausado donde la tensión es construida en base a la desesperación vital del protagonista y su inclaudicable deseo de libertad, cueste lo que cueste. El destierro, el olvido y la negación en el tratamiento de los criminales de la época, coloca sobre la mesa la brutalidad, el abuso, la agresión, el atropello a los derechos humanos, la falta de humanidad y las condiciones indignas que deben soportar todos estos presos en aquella lejana latitud.

Para el protagonista, su estrella guía es huir del lugar. Aquello le permite tener un fin último, un objetivo que cumplir, para el que aplica constancia y persistencia en gran parte liderada por el impetuoso y natural instinto de supervivencia. Lo que en un comienzo es solo una relación utilitaria con Louis, se va transformando en amistad y lealtad, configurada y forjada con enorme sacrificio y decisión. Las reglas de la prisión están claras, un intento de escape frustrado son dos años de confinación en la Isla del Diablo, en una celda ínfima. Un segundo intento, cinco años de reclusión, y si producto de ello -en cualquier opción- muere algún guardia, el destino final es la gillotina. Es por eso que la resistencia personal y fortaleza metal son vitales para que el protagonista pueda reconocer sus debilidades y potenciar sus fortalezas para aspirar de alguna manera a su sueño de salvación.

“Papillon, la gran fuga” le entrega valor y vigencia a una historia real con una producción extremadamente delicada y cuidada, con hermosa fotografía, locaciones muy bien construidas junto a actuaciones que, sin deslumbrar, provocan y transmiten emoción. Las comparaciones son y serán siempre odiosas. Esta es una nueva versión, otra visión de la historia del ya mítico hombre del tatuaje “mariposa” en el pecho que no se rinde ni se entrega a su destino sino que es capaz de mantener viva la esperanza de huir de un castigo para él injusto, brutalmente inhumano y denigrante.

Ficha técnica

Título original: Papillon
Año: 2017
Duración: 133 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Montenegro-Malta-Serbia-República Checa; Czech Anglo Productions / FishCorb Films / Red Granite Pictures. Distribuida por Bleecker Street
Género: Thriller. Drama | Drama carcelario. Remake
Guion: Aaron Guzikowski (Libro: Henri Charrière)
Música: David Buckley
Fotografía: Hagen Bogdanski
Reparto: Charlie Hunnam, Rami Malek, Tommy Flanagan, Roland Møller, Eve Hewson, Ian Beattie, Michael Socha, Yorick Van Wageningen, Nina Senicar, Joel Basman, Antonio de la Cruz, Nikola Kent, Máté Haumann, Slavko Sobin, Cali Nelle, Jason Ryan, Roy McCrerey, Andre Flynn, Reshad Strik, Renne Gjoni, Goran Navojec, Olja Hrustic, Dan Cade, Zak Rowlands
Dirección: Michael Noer

24/10/18

El Amor Menos Pensado - Por Juan Pablo Donoso

Encantador PERIPLO que trata de la madurez en el amor matrimonial.

Demuestra el lema de Pierre Theillard de Chardin que dice: “SE LLEGA A AMAR”, para evitar confundirse con la fascinación fugaz del ENAMORAMIENTO.

El tema es el tedio que trae la rutina conyugal.

Marcos y Ana, después de 25 años de casados, reconocen amarse pero ya sin pasión ni entusiasmo. Cuando el hijo de ambos se va a estudiar a Europa, los invade la sensación del “nido vacío”. Con mutua honestidad confiesan la necesidad de separarse para recuperar la emoción en sus vidas.

Y con la referencia de amigos y amigas que parecen disfrutar de la sexualidad con sus amantes, se lanzan a incursionar en los juegos de seducción con nuevas parejas.

Mientras están aún sanos y atractivos necesitan recuperar la frescura estimulante del SEXO/AVENTURA versus la cómoda ESTABILIDAD del bienestar económico y social.

Y, paso a paso, los acompañamos en la galería de sus múltiples encuentros que, siendo halagadores al comienzo, a poco andar van perdiendo el saborcillo festivo para tornarse más vacíos e inconsistentes de lo soñado.

Engañadora droga de que “ya nada nos ata” para crear sensación de LIBERTAD. Y terminar preguntándose “¿Ahora qué hago con mi libertad?”.

Aunque un poco larga, se justifica por la minuciosidad con que sigue el proceso de descubrir lo que verdaderamente importa.

Antes de llegar a la solución definitiva, y luego de varios desencantos, nos alegra constatar que los ancianos, padre de él y madre de ella, también disfrutan intensamente de la vida y del amor, pero ahora con la mirada lúcida de quien llegó a la cumbre y volvió serenamente iluminado.

Los diálogos, aunque a veces algo obvios, son verosímiles y graciosos. Las actuaciones, coloquiales y simpáticas. Se ven cómodos en sus roles. Es grato reencontrarnos con Norman Brisky (La Fiaca) como el anciano padre, y Claudia Lapacó como la madre octogenaria rejuvenecida cual muchachita enamorada nuevamente. Interesante inclusión de buenos actores argentinos secundarios, como el “faunesco” Juan Ninujín en su lúdica presencia como vendedor de perfumes afrodisíacos. Excelentes escenografías y Diseño de Producción.

El primer tercio parece una obra teatral llevada al cine, por el tratamiento de los diálogos, pero luego se abre el abanico de locaciones y personajes.

En medio de la aparente frivolidad, la búsqueda de un Sentido a la Vida nos dice en este filme que los años de matrimonio se sustentan en las bases de ORDEN y RECUERDOS compartidos. Y que por exceso de comodidad y bienestar económico se pierde la visión de TRASCENDENCIA espiritual que, tarde o temprano, sólo puede recurrir al AMOR para consolarse.

LOGRADO PERIPLO TRAGICÓMICO PARA ALCANZAR LA MADUREZ MATRIMONIAL.

Ficha técnica


Comedia, romance Argentina – 2,16 hrs. 
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro 
Edición: Pablo Barbieri Carrera 
Diseño Prod.: Augusto Greco 
Guion: Daniel Cúparo y Juan Vera 
Actores: Ricardo Darín, Mercedes Morán, Claudia Fontán, Claudia Lapacó, Juan Minujin 
Director: Juan Vera

Contra el Demonio - Por Juan Pablo Donoso

Empecemos por alabar el intento de un filme chileno de posesión demoníaca con alto nivel técnico y de producción.

Tras el asesinato del hijo mayor, una familia se traslada a vivir a un tranquilo balneario de la costa. Son padre (arquitecto), madre, hija adolescente y hermanita menor. Aunque la casa es hermosa, tiene una atmósfera incómoda, en especial para la hija más grande. Pronto comenzarán a experimentar fenómenos paranormales en aumento. Culminarán solicitando al cura del pueblo que aplique un exorcismo sobre la muchacha poseída por el demonio.

Hay demasiados incidentes intermedios para llegar al final.

Por recargar tanto el argumento quedaron cabos sueltos, secuencias y personajes sobrantes. Evocan en un mismo saco resabios de EL EXORCISTA, BOSQUE DE KARADIMA, POLTERGEIST, y otras…

Es un género muy difícil pues requiere, más que la anécdota, de un EQUILIBRIO integral entre forma y fondo, en que lo real se hace verosímil y lo fantástico también, sin separarse lo uno de lo otro.

Falta unicidad de estilo. Por querer combinar un naturalismo muy chileno, simultáneamente con las posesiones demoníacas, quedan ambos lenguajes espurios.

Los actores son gratos y ponen lo mejor de sus talentos. Muchos vienen de la TV y son coloquiales en los diálogos. Pero como se trata de una película esotérica y demoníaca nunca logran equilibrar ambos tratamientos – el naturalista y el mágico - como sí resultó de maravillas en EL BEBÉ DE ROSEMARY, en EL RESPLANDOR de Kubrick y en NAZARÍN de Buñuel, por sólo dar fugaces ejemplos.

La historia es clara, aunque hay explicaciones innecesarias; el propósito es “atmosférico”, “misterioso”; queremos empatizar con la angustia de sus personajes más que comprender “desde afuera” lo terrible que les está sucediendo.

Se limitan más a “exponerlo”, y por eso los efectos de posesión se sienten sobrepuestos en contraste con el estilo naturalista de las escenas de convivencia familiar (sombras, manos ardiendo con brasas, rostros quemados, vómitos de sangre negra, voces roncas duplicadas, ojos sin esclerótica, etc.)

Demasiados elementos episódicos distraen del meollo sobrenatural: el hermano Javier, la libreta negra, el cura sospechoso desde el comienzo, la médium espiritista y, peor aún, su ayudante y, para colmo, el romance extramatrimonial del papá sólo para volver a informarnos de lo que ya sabemos.

La banda musical es espléndida, (varios compositores y conjuntos), aporta el misterio que debieron contagiarnos con más “sutileza” el guion, los diálogos y el estilo UNITARIO en general.

Un aplauso para el Diseño de Producción y para el maquillaje. Todo lo referente a realización técnica es de alta calidad profesional.

Por suerte más que a “screamers” recurrieron a efectos musicales, basados primordialmente en sonido de cuerdas.

Los elementos de esta película darían para una apasionante mini-serie televisiva. Tendría el reposo necesario para “ecualizar” el fenómeno y enriquecer los antecedentes personales. (Ej. Sombras Tenebrosas – 1971).

HISTORIA CLARA, BUENA PRODUCCIÓN Y ACTUACIONES, PERO FALTÓ LA COHERENCIA DE ESTILO QUE REQUIERE ESTE GÉNERO DE TERROR.

Ficha técnica

Terror 
Cinecolor –Swing-Mastodonte Chile 
Efectos Especiales: Juan Olivares 
Actores: María José Prieto, Julio Milostich, Solange Lackington
Fernanda Finsterbusch, Agustín Moya, Juliana Seggers, Silvia Novak 
Productor,Guionista y Director: José Miguel Zúñiga

El amor menos pensado - Por Carlos Correa

Esta es la primera cinta dirigida por el argentino Juan Vera, productor de varios filmes exitosos como “El hijo de la novia” y “Zama” entre otros, y nos muestra al debutante director en un terreno que no le es desconocido. Su trabajo anterior con el director Juan José Campanella se trasluce en un guion -firmado también por Vera- que gira en torno a Marcos -Ricardo Darin- y Ana -Mercedes Morán- una pareja que lleva 25 años de matrimonio y que entra en crisis cuando su hijo Luciano viaja a España a continuar sus estudios superiores.

Con un tratamiento teatral tanto en sus cuadros como en sus diálogos, Vera presenta la convivencia y la vida cotidiana de una pareja que se enfrenta a la pérdida de sentido, a la búsqueda del siguiente objetivo común y a la falta de una relación vital, escenario que los conduce a una natural y progresiva ausencia de profundidad. ¿Pérdidas reales o temores? El detonante parece ser el nido vacío, sin embargo mucho de rutina, cansancio y tedio influye indudablemente en la relación de esta pareja.

Cuando se está ante una pérdida -amistosamente y sin muchos detalles ellos separan sus caminos- comienza naturalmente su propia búsqueda, es decir salir al encuentro de nuevas experiencias, nuevas sensaciones, algo diferente a lo acostumbrado, aquello qué tal vez despierte esas mariposas adormecidas por los años. Todo representa una novedad. Ella está claramente más decidida y es osada. Él, tal vez más obligado, actúa inicialmente de forma más temerosa. Aparece entonces otro elemento central en el relato que es la negación.

La fascinación inicial muy pronto se transforma en decepción. Ante el desfile de parejas -Facebook y Tinder mediante- surgen las carencias afectivas. Con las nuevas relaciones -con más o menos afinidad- existe una obvia ausencia de espacios compartidos y recuerdos, a pesar de los evidentes esfuerzos de ambos justamente por olvidar a sus respectivos “ex”. El tiempo transcurre rápido para Ana y Marcos, y casi sin darnos cuenta en un corto trecho pasamos de la pérdida del fuego a la búsqueda del fuego; y también, por cierto, a jugar con fuego. Cada vez que se atisba un intento de profundizar, se frustra. Dos pasos adelante y uno para atrás. Casi siempre se transforma en un inevitable volver a empezar.

La construcción del relato es pausada y ese ritmo encuentra justificación en el segundo tercio de la cinta. A pesar de su cuidada conducción, Vera no logra impedir que el desarrollo decaiga en el último tercio porque los 136 minutos de la cinta se hacen extensos pues un metraje de esa duración no es sencillo de sostener. Un final predecible desde el enunciado de su propio título impone otro desafío importante al guión. Es, desde el inicio, un pie forzado del que el director no se puede desprender.

Con buenas actuaciones que trasmiten la esencia de la historia y caracterizaciones de personajes secundarios que destacan por sus experiencias de vida y luces de otras historias que inciden en el actuar de los protagonistas, “El amor menos pensado” acierta al final con una secuencia que es vigente y actual y que se refiere a la comunicación. ¿Hablar y dialogar cara a cara o por mensajes de texto? Podría haber allí una clave importante desde lo emocional y que cada vez toma mayor importancia pues donde el corazón pareciera estar a solo un click de distancia, no resulta tan cierto si no hay lazos, vivencias y cercanías que no se construyen solas ni mágicamente sino que son justamente la elaboración natural de las experiencias de la vida, con sus altos y bajos, con sus ciclos, sueños, frustraciones y fascinaciones.

Ficha técnica

Título original: El amor menos pensado
Año: 2018
Duración: 136 minutos
País: Argentina
Productora: Patagonik / Kenya Films / INCAA
Género: Romance. Comedia. Drama | Comedia romántica
Guion: Juan Vera
Música: Iván Wyszogrod
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Reparto: Ricardo Darín, Mercedes Morán, Claudia Fontán, Andrea Pietra, Luis Rubio, Jean Pierre Noher, Claudia Lapacó, Chico Novarro, Andrés Gil, Norman Briski, Juan Minujín, Gabriel Corrado, Andrea Politti
Dirección: Juan Vera

17/10/18

Amor sobre Ruedas - Por Juan Pablo Donoso

Típica comedia francesa de boulevard, elegante, turística, con enredos de romances, y simpáticos personajes secundarios.

El tema es la mentira que nos atrapa, nos hunde cada vez más, y nos impide salir de ella.

Jocelyn es un empresario soltero, exitoso, y aficionado a jugarle bromas a los desconocidos.

Un día, revisando recuerdos de su recién fallecida madre, se sienta por casualidad en una silla de ruedas. La sensual vecina del departamento del frente lo cree paralítico y lo trata como tal. Él la mantiene en el error pensando que será una pronta conquista. Ella, Julie, lo invita a un almuerzo en su casa de campo para que conozca a su familia. Ahí conoce a Florence, hermana inválida de verdad de Julie. Gradualmente se hará más difícil confesar que todo es una broma y, atraído por Florence, seguirá fingiendo ser minusválido.

Se suceden las dificultades para mantener la mentira, en la que irremediablemente se sigue sumergiendo. Su mejor amigo y confidente, médico proctólogo homosexual, y su secretaria, por solidaridad serán cómplices de su encubrimiento.

¿Cuándo y cómo se destapará la olla? Eso mantiene nuestro interés en esta embarazosa situación.

La película fue escrita, dirigida y protagonizada por Franck Dubosc. Si bien es un galán maduro y agraciado, a ratos sobreactúa sin necesidad y, por supuesto, se encarga de aparecer en casi todas las escenas. Alexandra Lamy, como la inválida Florence, entrega su personaje con aplomo y con el encanto de una mujer destinada a la soltería. Y destacamos la participación de Marie (Elsa Zylberstein), la secretaria del empresario que, con gran talento histriónico, saca adelante su difícil rol de intermediaria. Es también una grata sorpresa disfrutar de las breves escenas de Claude Brassseur (hijo del legendario Pierre Brasseur), como el anciano padre de Jocelyn.

Una comedia refinada, con trozos musicales muy conocidos, actores agradables, paisajes de Praga, bastante lúdica aunque más de sonrisas que de carcajadas.

Desgraciadamente la resolución del conflicto se precipita al final restándole verosimilitud, sólo para concedernos un forzado “final feliz”.

COMEDIA GLAMOROSA QUE DENUNCIA LOS BOCHORNOS DE QUEDAR ATRAPADO EN UNA MENTIRA.

Ficha técnica


Título Original: Tout le Monde Debout 
BFDistribution Comedia Francia, Bélgica – 1, 44 hrs. 
Fotografía: Ludovic Colbeau-Justin 
Edición: Samuel Danési 
Selección musical: Sylvain Goldberg, Emilien Levistre, Xiaoxi Levistre 
Diseño:Jérémy Duchier Actores: Franck Dubosc, Alexandra Lamy, Elsa Zylberstein 
Guionista y Director: Franck Bubosc

Justicia Implacable - Por Juan Pablo Donoso

Si bien repite la muy probada fórmula de venganza, este filme entretiene y luce una buena actuación de Jennifer Garner, antes generalmente secundaria (Escrito en el Agua y Los Invasores (1992), Milagro en el Cielo - TV 2016).

El marido y la hijita de Riley North son asesinados en un parque de diversiones. Aunque ella reconoce judicialmente a los criminales, el abogado y el juez sobornados por narcotraficantes, los dejan en libertad. La mujer, impotente por tanta corrupción, viaja al extranjero a entrenarse en el uso de armas y artes marciales.

Luego de 5 años retorna a su ciudad y decide ajusticiar personalmente a todos los integrantes de esa banda. Los liquidará uno por uno trepando hasta las máximas cabezas criminales.

Se mantendrá en riguroso anonimato siendo buscada por los maleantes para exterminarla, y por la policía para encarcelarla. Es una prófuga solitaria, sin miedo a la muerte, y sólo movida por su obsesión de “justicia implacable”.

La escalada de matanzas, y el lazo que se cierra sobre ella, nos depara algunos giros y sorpresas – menos sorpresivas – que ya conocíamos en tantos filmes previos a este.

Imposible ignorar la saga de Vengador Anónimo (1,2,3,4,5) con Charles Bronson, las muchas de Jean-Claude Van Damme y Steven Seagal con similares pretextos para vindicar masacres de inocentes, y sin ir más lejos tenemos la nueva versión de Duro de Matar (2018) con Bruce Willis.

Y si se trata de poner la brutal revancha en manos femeninas basta recordar Kill Bill (1 y 2) de Tarantino y, previamente, la cadena de Nikitas.

Al parecer, y por motivos de metraje, aquí evitan las secuencias de entrenamiento de esta gentil dueña de casa transformada en fiera destructora. Se limitan a señalar su condición de víctima impotente al comienzo, y su retorno como recalcitrante justiciera posterior. Como tiene un final abierto, y dependiendo de su éxito de taquilla, es posible que pronto tengamos la 2ª parte, con su adiestramiento incluido.

El director francés Pierre Morel supo darle precisión a la trama, hacernos odiar a los malos, alegrarnos cuando los castigan, solidarizar con Riley North, y desear hasta el final que los policías fueran ineficientes y, ojalá, incorruptos… (¡!)

JUSTIFICADA ACCIÓN Y VIOLENCIA EN MANOS DE UNA BUENA ACTRIZ, AÚN POCO CONOCIDA, QUE ASCIENDE AL ESTRELLATO.

Ficha técnica

Título Original: Peppermint 
Diamond Films Chile Acción, suspenso EE.UU., Hong Kong – 1,41 hrs. 
Fotografía: David Lanzenberg 
Edición: Frédéric Thoraval 
Música: Simon Franglen 
Diseño Prod.: Ramsey Avery Guionista: Chad St.John 
Actores: Jennifer Garner, John Gallagher Jr., John Ortiz 
Director: Pierre Morel

Halloween, enfrenta tu Destino - Por Juan Pablo Donoso

Es un mérito que esta 6ª secuela resultara superior a muchas anteriores. Suelen ir decayendo con las réplicas que sólo obedecen a fines comerciales.

La primera Halloween de 1978 fue un éxito enorme. Tuvo como director, guionista y músico a John Carpenter, famoso realizador de películas de terror, misterio y ciencia ficción (La Niebla, Christine, Escape de Nueva York, entre varias).

En aquella primera, luego de asesinar a su hermana durante un Halloween, el psicópata Michael Myers escapa del manicomio y regresa a su pueblo natal de Haddonfield a seguir matando personas. Y así sucesivamente en las secuelas siguientes.

Esta vez, el director David Gordon Green y el guionista Danny MvBride, le mostraron un nuevo guion al “patriarca” de la saga (Carpenter) para conocer su opinión. Y contaron con su venia total.

Este episodio de 2018 sólo aparentemente sería el último, ya que deja la posibilidad de un dudoso final abierto.

El personaje de Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) protagonista de los eventos anteriores, ahora muy envejecida, y siempre temiendo el retorno del asesino, volverá a enfrentarse con el monstruo de la máscara luego que éste haya degollado a otra decena de inocentes habitantes del pueblo.

Existe entre ella y Michael Myers una deuda de sangre pendiente. Ahora, bajo férrea vigilancia de los guardias, y acompañado de su psiquiatra de cabecera, se estrella el bus que trasladaba a los reclusos. Myers vuelve a escapar y aprovechando que nuevamente celebran la fiesta nocturna de Halloween arremete con toda su bestialidad.

Durante la película nos informan de las tragedias anteriores para que conozcamos – y comprendamos - las motivaciones de los personajes principales.

Bien filmada y editada. Diálogos precisos. Excelente caracterización de Jamie Lee Curtis y secundarios. Un Diseño de Producción esmerado. Logra el suspenso y gore necesarios agregando esta vez unos toques de humor que se agradecen. En esto contribuyó la ironía del co-guionista Danny McBride. Hasta la música – también de Carpenter junto a otros – se integra al relato con eficiencia.

UN BANQUETE PARA LOS AMANTES DEL GORE Y DE LA ANTIGUA SAGA DE HALLOWEEN. MEJOR QUE ALGUNAS ANTERIORES.

Ficha técnica

Título Original: Halloween, Face Your Fate 
Terror, crimen y suspenso Andes Films EE.UU. – 1,46 hrs. 
Fotografía: Michael Simmonds 
Edición: Timothy Alverson 
Música:Cody Carpenter, John Carpenter, Daniel A. Davies 
Diseño Prod.: Richard A. Wright 
Guionistas: David Gordon Green, Danny McBride, Jeff Fradley 
Actores: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak 
Director: David Gordon Green

Trastornos del Sueño - Por Juan Pablo Donoso

Drama negro de vidas mínimas: sin ideales, ilusiones ni esperanzas. Y como está bien realizado es más negro todavía.

Joel es cuidador nocturno de un edificio, relativamente joven, todavía soltero que vive con su madre viuda y su abuela con Alzheimer. Se acuesta con Mari la esposa de su primo Omar. Cuando en vísperas de Navidad lo despiden de su trabajo acepta asistir a un curso para guardias de seguridad al que lo recomienda su mismo primo.

El ambiente de clase media baja es depresivo en casa de su madre quejumbrosa y su abuela. Más aún cuando Mari empieza a sentir cargos de conciencia y decide terminar su relación erótica con Joel. Esto lo deja aún más desolado. Seguir viviendo con la abuela es insoportable. Ni siquiera otra hija, casada y con hijos, acepta recibirla porque nunca la quiso.

Cuando Joel ya es guardia de seguridad de un supermercado sorprenden a un muchacho robando y deben aplicar el debido castigo. Este ratero pudo ser el mismo Joel en otra circunstancia.

El bonachón primo Omar dice: ““Si me entero que pronto moriré de cáncer sigo adelante no más. ¿Para qué luchar por seguir viviendo?”.

La visión de mundo de sus realizadores es que la vida es una mierda, vacía, e igual un día aquí que otro allá. Sólo queda esperar la vejez, la muerte, o a los crueles enanitos verdes que saldrían de alguna pared para llevarnos con ellos…

Nihilismo puro. Carencia casi total de valores. Sobrevivimos por inercia. Para estos personajes la vida es una gran Nada en la que respiramos y copulamos cuándo y dónde se pueda.

Sus méritos formales son muchos. Bien logrado cromatismo de claroscuros para contagiar la atmósfera penumbrosa y decadente. Abundantes planos muy cerrados de rostros que denuncian vacío interior, de ideas y sentimientos. Largos silencios. Actores poco conocidos que al hablar y moverse cumplen con admirable naturalismo. Lenguaje muy chileno y coloquial, incluyendo las groserías. A ratos es casi documental. Parecieran improvisar sobre sus propias vivencias al extremo de llegar a momentos de sexo explícito.

Ignoramos a qué “sueño” se refieren con el título.

¿Será esta la cuna de comportamientos tan irracionales como la de aquellos jóvenes que para expresarse sólo optan por el vandalismo, golpear policías y profesores, e incendiar colegios sin motivo aparente?

BUENA CINEMATOGRAFÍA PARA DENUNCIAR UN MUNDO INÚTIL, AMORAL Y SIN HORIZONTES.

Ficha técnica

Drama naturalista Storyboard Media
Chile – 1,26 hrs. 
Calificación: Mayores de 18 años
Fotografía y edición: Sofía Paloma Gómez 
Música: Raúl Calderón 
Diseño Prod.: Sebastián Escalona 
Actores:David Hernández, Carla Gaete, Angélica del Pilar Flores Herrera, Carmen Rosa Herrera, Simón Aravena, Claudia Flores 
Guion y dirección: Sofía Paloma Gómez y Camilo Becerra

Amor sobre ruedas - Por Carlos Correa

Esta refrescante comedia romántica francesa “Amor sobre ruedas” resulta ser una gratísima sorpresa. Escrita y dirigida por Franck Dubosc, narra la historia de Jocelyn -interpretado por el mismo Dubosc-, un exitoso hombre de negocios, picaflor empedernido y un verdadero profesional de las mentiras seductoras, que ve como su vida cambia radicalmente cuando se hace pasar por minusválido para conquistar a su nuevo reto amoroso. La película es entretenida, el guion está muy bien construido y gracias a sus chispeantes diálogos por momentos es realmente hilarante. Los enredos son tan naturales como inverosímiles y toda la acción transcurre tan suelta de cuerpo como su aparentemente despreocupado protagonista.

Este género de romance en tono de comedia permite también vislumbrar vastos elementos de un drama, porque la vida de Jocelyn claramente no es lo que él se esfuerza por representar. Una madurez que aún no ha llegado, un sin sentido del camino vital y una soledad agobiante sin lazos emocionales concretos lo están carcomiendo por dentro. Allí es cuando aparece Florence -Alexandra Lamy-, la hermana mayor de su desafío, quien sí es discapacitada. Esta incómoda sorpresa no hace más que confundir a Jocelyn, quien lentamente descubre en él, gracias a esta atractiva mujer llena de pasión y de vida, sentimientos nuevos, emociones perdidas y nuevas sensaciones que comienzan a ser incontrolables e irresistibles.

La sintonía fina y la química entre ambos protagonistas es mágica. Todo lo que les sucede se ve totalmente natural. No hay palabras de más, la simpatía entre ambos está a flor de piel y el conflicto central -la descarada mentira y el no saber cómo salir de ella- se mantiene imperturbable. Mención aparte para la protagonista que con su extrema vitalidad nos da lecciones de vida. Ella es violinista, juega tenis y además hace de solista en una gira de su orquesta. Pocas veces vemos una genuina preocupación por intentar dotar de realismo las escenas musicales, sin embargo el director se la juega por una orquesta real, tocando en vivo y Alexandra Lamy hace un muy buen trabajo, violín en mano, para ser lo más fiel posible a su papel. A todo lo anterior ojo con dos roles secundarios excelentes: Marie -Elsa Zylberstein- la joven asistente de Jocelyn junto a Max -Gérard Darmon- su mejor amigo, confidente y también su médico de cabecera.

Como corolario, en el tramo final Franck Dubosc también nos involucra a los espectadores en el relato. Llega un momento en que nos preguntamos cómo va a cerrar el relato, qué va a pasar con los personajes o de qué manera se resuelve tanto enredo. Comenzamos a buscar posibles finales y las opciones se multiplican. Parece que presenciamos una laguna narrativa, pero no es así. Dubosc nos ha engañado una vez más y la coda es tan simple y sencilla que la hace naturalmente inesperada. “Tout le monde debout” -Todos de pie- es un acierto que vale la pena ver.

Ficha técnica

Título original: Tout le monde debout
Año: 2018
Duración: 107 minutos
País: Francia
Productora: Gaumont International Television / Umedia
Género: Comedia. Romance | Comedia romántica. Discapacidad
Guion: Franck Dubosc
Música: Sylvain Goldberg, Emilien Levistre, Xiaoxi Levistre
Fotografía: Ludovic Colbeau-Justin
Reparto: Franck Dubosc, Alexandra Lamy, Elsa Zylberstein, Gérard Darmon, Caroline Anglade, Laurent Bateau, Claude Brasseur, François-Xavier Demaison
Dirección: Franck Dubosc

Trastornos del sueño - Por Carlos Correa

Joel -David Hernández- tiene una vida sin horizonte. Trabaja como cuidador nocturno en un edificio, mantiene una conflictiva e irregular relación amorosa con Mari, su prima, para tomar distancia de su casa donde vive su madre y su abuela con Alzheimer. Este precario escenario se desintegra cuando es despedido de su trabajo y los conflictos se acentúan. El sexo con Mari ya no es suficiente para mantenerlos juntos, la búsqueda de un nuevo trabajo se hace infructuosa y el ambiente en su casa, donde ha regresado, es cada vez más insoportable.

Este largometraje de los directores chilenos Sofía Paloma Gómez -"Quiero morirme dentro de un tiburón”- y Camilo Becerra -"Perro muerto”- presenta la narración cruda de una realidad que pocas veces queremos ver. Es una realidad dolorosa, carente de sentido, profundamente ausente y difícil de asumir. Es interesante el manejo de la cámara y la iluminación de ambientes donde se atisba el talento y la dedicación de los directores. Donde la cinta queda al debe es en la construcción del guion y en la base argumental que lo sostiene. Su permanente deambular no permite definir un enfoque claro, tampoco logra elaborar correctamente a los personajes y todo cae dentro de una forma que parece más descriptiva e improvisada, que producto de un desarrollo más profundo. Y no es que el centro de la historia carezca de importancia. Al contrario, es intenso, son embargo no es cabalmente retratado por los autores a pesar de los esfuerzos que se asoman en algunos puntos del relato. El metraje es plano y el carácter solo es entregado por las discusiones, violentas en su mayoría, con un paralelo sexual difícil de comprender.

“Trastornos del sueño” es una película que no llena su espacio. Le falla a la historia y le falla a sus protagonistas. Presenta las temáticas pero no las profundiza y es más, por momentos las difumina y las hace caer en una intrascendente narración que sucumbe al interior de laberintos que inconducentes y que no logran sustentarse. Es destacable la intención de los realizadores, su búsqueda del camino propio y su sello identitario, sin embargo se hace necesaria una elaboración más sólida tanto desde lo interpretativo como en la estructura de una historia que merece ser filmada con mayor fuerza y vigor.

Ficha técnica

Título original: Trastornos del sueño
Año: 2018
Duración: 86 minutos
País: Chile
Productora: La Jauria
Género: Drama
Guion: Sofía Paloma Gómez, Camilo Becerra
Música: Raúl Calderón
Fotografía: Sofía Paloma Gómez
Reparto: David Hernández, Carla Gaete, Angélica del Pilar Flores, Carmen Rosa Herrera, Simón Aravena, Claudia Flores
Dirección: Sofía Paloma Gómez, Camilo Becerra

11/10/18

Nace una Estrella - Por Juan Pablo Donoso

Esta es la 4ª versión de Nace una Estrella. Y vuelve a deslumbrar.

Al parecer, es un relato bendito de los duendes porque siempre es un éxito por su música, su romanticismo y sus actuaciones.

Ha sido el infalible “caballito de batalla” para lucimiento de sus protagonistas femeninas. – 1937: Janet Gaynor, junto a Fredric March (la única con humor y sin canciones); 1954: Judy Garland, junto a James Mason; 1976: Barbra Streisand, con Kris Kristofferson; y ahora, en 2018 para Lady Gaga con Bradley Cooper.

En ninguna escatimaron presupuesto. Y en todas fue bien aprovechado.

Es la eterna historia de la muchachita talentosa, pero desconocida, que por casualidad conoce a un famoso astro, se enamoran y, bajo su amparo se transforma en una gran estrella, mientras su pareja masculina sucumbe bajo los efectos del alcohol y la droga.

Las circunstancias y canciones corresponden a la época en que se filmó cada película. Las protagonistas son divas consagradas mundialmente. Y sus contrapartes, son también actores reconocidos, carismáticos y taquilleros.

Esta nueva versión nos permite descubrir que Lady Gaga, ya famosa como cantante y compositora de rock, es una excelente actriz. Y que Bradley Cooper (El Lado Bueno de las Cosas – 2012), junto con entregarnos una sólida interpretación del vulnerable esposo, es también el director de esta superproducción.

Los ingredientes obligados que se reiteran en cada nuevo relato son la presencia de una protagonista femenina más bien feíta pero de gran talento, excelente selección musical, un galán débil digno de ternura y compasión, y un mundo fastuoso de dinero y farándula bajo el cual yace un drama íntimo de amor y sacrificio conyugal.

Un espectáculo que derrocha música, talento, dolor y romance que – salvo por su relativa longitud – tocará nuevamente el corazón de la mayoría de los espectadores.

LEGENDARIA FÁBULA ROMÁNTICA QUE REVELA A LADY GAGA COMO ACTRIZ Y A BRADLEY COOPER COMO DIRECTOR PRIMERIZO. LOGRADA EN SU GÉNERO.

Ficha técnica

Título Original: A Star is Born 
Drama, música, romance Warner Bros.Chile EE.UU. – 2,15 hrs. 
Fotografía: Matthew Libatique
Edición: Jay Cassidy 
Música: Lady Gaga, Bradley Cooper y Lucas Nelson 
Diseño Prod.: Karen Murphy 
Guionistas: Eric Roth,Bradley Cooper, Will Fetters, William A. Wellman(historia original) y Robert Carson 
Actores: Lady Gaga, Bradley Cooper, Sam Elliott 
Director: Bradley Cooper

Las Estrellas de Cine No Mueren en Liverpool - Por Juan Pablo Donoso

Esta hermosa película debe ser evaluada desde dos ángulos: su tema y su realización.

Es el caso verídico de los últimos años de la galardonada actriz estadounidense Gloria Grahame.

Ya cincuentona, los papeles en cine la iban relegando a roles secundarios. Aprovechaba su talento primordialmente en obras teatrales.

Mientras actuaba en LLUVIA de Somerset Maugham en Lancaster, Inglaterra, inició un romance con un joven actor inglés – Peter Turner - que recién iniciaba su carrera. Ella, con cuatro divorcios a cuesta, y cuatro hijos ya grandes de cada ex marido, halló en el joven Turner un amante que la satisfizo en el amor y en el sexo. Hasta lo llevó con ella a Nueva York y California.

El muchacho, honestamente enamorado, postergó su carrera por acompañarla. Pero en EE.UU. a Gloria le recrudeció un cáncer que ya creía superado. Adversa a un nuevo tratamiento médico, y ocultando el diagnóstico, aceptó convivir con la familia del joven en Liverpool, donde la acogieron con inmenso cariño.

Cuando la enfermedad se hizo crítica y fue imperioso hospitalizarla, vino uno de sus hijos la llevó de vuelta a Nueva York, donde falleció a los 57 años de edad, dejando desolado a su fiel compañero.

Así fue el amor y los últimos años biográficos de una gran estrella de Hollywood.

La trama carece casi por completo de conflictos antagónicos. Hay amor, tolerancia, y sólo una tenue objeción por parte de la familia de Gloria al verla feliz con un hombre que podría ser su hijo.

Lo que enriquece este filme es el talento de sus actores, y el eximio tratamiento de edición con que nos narran la experiencia.

El presente es su estadía en casa de aquella acogedora familia de clase media en Liverpool en 1981. Y con magistral sutileza, de manera casi imperceptible, nos trasladan a los momentos y lugares anteriores, cuando nació y fructificó este romance tan profundo y a la vez desigual en edades.

Huelgan alabanzas al talento de Annette Bening como Gloria, ya tan demostrado en filmes anteriores. Otro tanto realizan Dame Julie Walters, como la madre de Peter, y Kenneth Granham como el anciano padre. Son figuras veneradas del cine y el teatro en Inglaterra. Pero es preciso resaltar el trabajo del joven Jamie Bell, quien lleva la conducción empática del drama. Ya Bell nos deslumbró con su rol de niño bailarín prodigio en BILLY ELLIOT en el año 2000. Y con este personaje demuestra que, como adulto, sigue siendo un gran actor.

Muchos espectadores desearán volver a ver películas en que Gloria fue una estrella y, quienes nunca la vieron, querrán conocer algunos de sus antiguos filmes, en especial de la década de los 50.

UNA VERÍDICA HISTORIA DE AMOR CUYO MÉRITO RADICA EN LA MAESTRÍA DE SUS RACCONTOS Y EN LA CALIDEZ DE SUS ACTORES. REVIVIENDO A GLORIA GRAHAME.

Ficha técnica

Título Original: Film Stars Don´t Die in Liverpool 
Biografía, drama, romance 
Cine-Arte Galería Patricia Ready Inglaterra – 1,45 hrs. – 
Fotografía: Urszula Pontikos 
Edición: Nick Emerson Música: J. Ralph 
Diseño Prod.: Eve Stewart 
Guionistas: Matt Greenhalgh y Peter Turner (basada en sus mdemorias) 
Actores: Annette Bening, Jamie Bell, Kenneth Cranham 
Director: Paul McGuigan

10/10/18

Nace una estrella - Por Carlos Correa

Jackson Maine -Bradley Cooper-, exitoso cantante country, solo encuentra refugio en el alcohol. Luego de un multitudinario concierto su deseo de embriagarse lo lleva a un bar donde descubre a Ally -Lady Gaga-, una cantante que interpreta una delicada y particular versión de “La vie en Rose”, llenando con clase el pequeño escenario que tiene para desarrollar su pasión artística pues en el día trabaja como mesera en un céntrico restaurante.

Esta película, tercer remake del clásico musical de 1937, con dos versiones -1954 y 1976- la última con Barbra Streisand, es el debut en la dirección de Bradley Cooper. ¡Y qué debut! Cooper, quien con su versátil nivel de actuación ya no nos sorprende, protagoniza y dirige este proyecto cinematográfico que está llamado a ser una de las revelaciones del 2018. La cámara del director es sensible, reposada y en otros momentos ansiosa y febril, acertando en todos los aspectos. Los primeros planos que entrega son conmovedores, los suaves efectos de contraluz en los conciertos, la forma de fundir las imágenes al retratar la historia y los magníficos planos generales hablan de una cualidad hasta ahora desconocida del protagonista de “El Francotirador” y donde podemos, sin duda, apreciar su cercanía con el gran Clint Eastwood. “Nace una estrella” marca también el primer rol protagónico de la popular cantante Lady Gaga y es un verdadero descubrimiento, quizás tanto como el de su personaje en la película. Gaga logra encarnar, con mucha sencillez, un papel cálido y creíble, representando a una joven y apasionada artista, insegura y tímida, que se encuentra con una oportunidad única para desarrollar su talento.

Cooper, quien también colabora en la escritura del guion, calcula muy bien el desarrollo del metraje. La combinación de las escenas musicales con las románticas, las tomas más personales y reflexivas en contraposición con el trasfondo del gran espectáculo, proporcionan un ritmo preciso que avanza vigorosamente y nos mantiene permanentemente atentos. Además, logra conjugar una química notable en la pareja protagónica. Es amable y suave, nada se ve forzado. El romance que surge fluye de forma espontánea y natural en un excelente trabajo de ambos solistas, flexibles y dúctiles en la composición de los diálogos y sobre todo en la necesaria e imprescindible comunicación no verbal.

Un párrafo especial para la banda sonora que está conformada en su mayoría por canciones originales escritas por Lady Gaga y el mismo Bradley Cooper. Desde el comienzo, con una brillante interpretación de la clásica “La vida en Rosa”, Lady Gaga deja de ser la famosa estrella del pop, se compromete con Ally, y desarrolla para ella un estilo único y particular. Incluso hay un cambio de color en su voz, más natural y transparente, algo cruda por momentos, para así representar los primeros pasos de una nerviosa cantante tremendamente talentosa. Con el correr de la cinta, Ally va madurando y adquiriendo un rol mucho más osado. Su voz también varía y adquiere matices y colores propios de quien ya conoce su instrumento y es capaz de configurarlo para cada circunstancia interpretativa. Por su parte, Bradley Cooper canta sus canciones con una calidez sorprendente y un color de voz muy interesante. Tanto en sus propios solos como en los temas compartidos a dúo con Lady Gaga, Cooper no se queda atrás -el material vocal de ambos es claramente distinto y dispar- consiguiendo un buen equilibrio.

El ocaso de una estrella y el nacimiento de otra es una historia clásica. Puede ser repetitiva o bien constituir algo nuevo y esto último es justamente lo que consigue esta tercera versión de la icónica cinta de 1937. Sabemos que depende mucho de la forma de relatar, de contar la historia y por cierto de la forma como se construyen los personajes, los entornos y las situaciones, lo que realmente hace la diferencia entre una y otra. Tomando esos aspectos, esta nueva puesta en escena se destaca precisamente porque no se aprecian planicies narrativas ni ripios en un guion bien elaborado y bien filmado, donde lo predecible deja de serlo al solo enunciarlo y el enfoque es profundamente artístico y sobre todo humano.

“A Star Is Born” nos muestra el lado oscuro del éxito y también la miseria de una progresiva decadencia. Y no solo eso, nos hace reflexionar profundamente sobre la soledad del éxito, los sueños y esperanzas de juventud, la añoranza, el amor, el valor de la vida y la búsqueda permanente de un equilibrio maduro. De manera íntima y delicada, esta la película nos toca y sumerge a través de la música en nuestro propio camino personal, para reconocer aquella estrella que todos los días nace dentro de nosotros.

Ficha técnica

Título original: A Star Is Born
Año: 2018
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Malpaso Productions / Gerber Pictures / 22, Indiana Pictures / Live Nation Productions / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Thunder Road Pictures. Distribuida por Warner Bros.
Género: Drama. Musical. Romance | Remake
Guion: Will Fetters, Bradley Cooper, Eric Roth, Dorothy Parker, Alan Campbell, Robert Carson (Historia: William A. Wellman)
Música: Canciones: Lady Gaga, Bradley Cooper
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott, Andrew Dice Clay, Bonnie Somerville, Dave Chappelle, Michael Harney, William Belli, Rafi Gavron, Rebecca Field, Anthony Ramos, D.J. Pierce,  Steven Ciceron, Andrew Michaels, Jacob Taylor, Geronimo Vela, Frank Anello, Germano Blanco
Dirección: Bradley Cooper

8/10/18

El Insulto - Por Carlos Correa

Un incidente casi doméstico da origen a una escalada de violencia que es capaz de aumentar las heridas relaciones en Medio Oriente. Toni Hanna-Adel Karam- vive en un departamento de un sector que está siendo reparado por una cuadrilla de trabajadores. El agua del riego de las plantas y de la limpieza de su balcón, que sale por un desagüe mal colocado, moja al capataz de la obra, el refugiado palestino Yasser Abdallah Salameh -Kamel El Basha-. La discusión termina con un destemplado insulto de Yasser a Toni y lo que sigue son las consecuencias de este acto. El agredido verbalmente insiste en que el agresor se disculpe y el aludido no da su brazo a torcer. Comienza un diálogo de sordos y finalmente Toni decide llevar este incidente a la justicia, hasta las últimas consecuencias. Se transforma con ello en una bola de nieve, totalmente fuera de control.

Esta cinta del director Ziad Doueiri, participante del Festival de Venecia 2017 y nominada al Oscar como mejor película extranjera, nos proporciona un acercamiento a los conflictos que viven cotidianamente los habitantes de Medio Oriente. Hay vivencias y prejuicios que tienen larga data. La historia tiene un peso mayor en la vida de cada uno de ellos. Su origen y el contexto de su vida, es un todo que no puede separarse de sus actos, de sus reacciones, es decir, de su forma de ser y de enfrentar al mundo. El orgullo no se entiende sin el sufrimiento y la sagrada verdad que cada uno lleva consigo. Por su puesto no hay monopolio del dolor, ni una verdad única, tal vez solo se necesita respeto, pero aquello es muy difícil de llevar a la práctica.

El director entrega el énfasis de la película a los dos protagonistas y a sus entornos, a sus familias, a sus creencias, a aquello que admiran y lo que de alguna manera u otra guía su actuar cotidiano. Sin tomar partido, nos conduce por caminos que parecen no tener salida, donde el reconocimiento, el entendimiento, la comprensión y la aceptación están lejos de ser soluciones factibles. Hay infinitos detalles, finos gestos en las actuaciones y primeros planos conmovedores, en una cámara inquieta que quiere registrarlo todo para entregarnos una visión amplia.

El Insulto es una película repleta de sentimientos. Una acción provoca una reacción. ¿Desproporcionada? Tal vez. ¿Exacerbada? Es posible. ¿Legitima? Absolutamente. La negación es parte importante y medular en la forma como escala el conflicto. Las posturas son tan opuestas y radicales que cada uno niega al otro como persona, sin considerar su vida ni su historia. En esta negación nada cabe y todo se anula. La crítica es clara, la forma de superarla es aun más difusa.

Tal vez los mejores momentos de la cinta son aquellos que nos muestran el juicio ante el tribunal, porque se empieza a configurar una clave en términos racionales, no emocionales. Allí es donde protagonistas y espectadores podemos comenzar a comprender un poco más del origen de ambos antagonistas, los hechos que les han marcado profundamente -Tony por la masacre de Damour y Yasser por el Septiembre Negro- y cómo al tener esta oportunidad -por cierto obligada, difícil y confrontacional- de ir conociendo la realidad del otro va cambiando el rumbo de la historia -lentamente, paso a paso, con enorme sacrificio- hacia una luz de reencuentro y sanación.

Ficha técnica

Título original: L’insulte
Año: 2017
Duración: 110 minutos
País: Líbano
Productora: Coproducción Líbano-Francia-Bélgica; Ezekiel Films / Scope Pictures / Tessalit Productions / Rouge International / Cohen Media Group [USA] / Ciné+ / Douri Films / Centre National du Cinéma / L'Aide aux Cinémas du Monde / Le Studio Canal+
Género: Drama
Guion: Ziad Doueiri, Joelle Touma
Música: Éric Neveux
Fotografía: Tommaso Fiorilli
Reparto: Adel Karam, Kamel El Basha, Christine Choueiri, Camille Salameh, Rita Hayek, Talal Jurdi, Diamand Bou Abboud, Rifaat Torbey, Carlos Chahine, Julia Kassar
Dirección: Ziad Doueiri