20/9/18

Locamente Millonarios - Por Juan Pablo Donoso

Panegírico al consumismo materialista. Ahora en el Jet Set oriental.

Le pronosticamos inmenso éxito de taquilla. ¿La razón? Multitudes de espectadores, en todo el mundo, gracias al cine o TV, sueñan con ser tan millonarios y sibaritas como estos personajes ficticios.

Como película unitaria tiene todos los ingredientes de una extensa teleserie internacional. Las secuencias, y sus muchos personajes, dan tema para alargarlos y constituir con ellos innumerables capítulos.

Una muchacha asiática, de humilde origen en Nueva York, ha llegado a ser una eminencia universitaria en Economía. Junto a su prometido, también oriental, viaja a Singapur a conocer a sus futuros suegros y parientes. Más, al llegar allá, descubrirá que su novio es el codiciado heredero de una multimillonaria dinastía. Y sufrirá las humillaciones de una Cenicienta contemporánea.

Con este filme comenzó el estrellato de Henry Golding para convertirse en el galán de moda. De origen malasio, y criado en Inglaterra, se inició como modelo masculino; y por medio de encuestas logró inusitada popularidad entre el público femenino. Su porte, facciones orientales, aterciopelada voz y acento británico lo catapultaron rápidamente como el nuevo símbolo de sex-appeal. De hecho, pronto lo veremos nuevamente en Chile protagonizando otra historia de torcidos amores llamada UN PEQUEÑO FAVOR.

Hay tomas espectaculares de Singapur y de otras grandes urbes de Asia. Destacamos las actuaciones de consagradas actrices como Michelle Yeoh (la suegra Eleanor), Gemma Chan (la cuñada) y Liza Lu (la abuela Ah Ma, de larga trayectoria como heroína oriental en filmes de EE.UU.). La joven protagonista - Constance Wu – si bien de origen asiático nació y se educó en EE.UU. donde ha participado en varios filmes previos. Tanto el director Jon M. Chu, alumno premiado en su Academia de Cine, como los productores, se lanzaron con esta película “rosa”, derrochando glamour y sabiendo que, narrada convencionalmente, recuperarían mucho más dinero que el invertido en su realización (US$ 30.000.000).

UNA CENICIENTA ASIÁTICA AMBIENTADA A TODO LUJO EN UNA PELÍCULA “ROSA” CONTEMPORÁNEA. ÉXITO DE TAQUILLA FRIAMENTE CALCULADO.

Ficha técnica


Título Original: Crazy Rich Asians 
Tragicomedia romántica y fastuosa Warner Bros. EE.UU. – 2 hrs. 
Fotografía: Vanja Cernjul 
Edición: Myron I. Kerstein 
Música: Brian Tyler 
Diseño Prod. : Nelson Coates 
Guion: Peter Chiarelli, Adele Lim, Kevin Kwan (novela) 
Actores: Constance Wu, Henry Golding, Michelle Yeoh 
Director: Jon M. Chu

Hotel de Criminales - Por Juan Pablo Donoso

Una idea potencialmente interesante, poco aprovechada.

Trataron de meter demasiados elementos en un solo relato.

Parece la secuela de gestas anteriores. Constantemente aluden a pasados eventos de sus múltiples personajes. Tal vez vienen de algún comic que desconocemos. Se limitan a esbozarlos más que a motivar sus acciones.

Todo sucede en el llamado Hotel Artemis, un hospital clandestino destinado a sanar sólo a delincuentes prófugos.

Lo regenta una rigurosa Nurse, enfermera paramédica, protagonizada por Jodie Foster (desde pequeña una excelente actriz, pero aquí lamentamos verla tan envejecida y arrugada). Sólo atiende enfermos forajidos y peligrosos.

¿Por qué sólo a ellos? Porque en 2028 la ciudad de Los Ángeles, EE.UU. es un caos de guerra civil, fuera de control, donde mafias luchan a muerte entre sí. Aunque alcohólica, y con un triste pasado maternal, su pasión es ayudar a otros, siendo incapaz de ayudarse a sí misma. Jodie es el único personaje que proyecta más humanidad.

Aparte de las matanzas, es difícil deducir la premisa central. En su género carece de sustancia. Hay demasiados clichés, y son casi todos superficiales.

Para dar más glamour insertan una especie de sensual “gatúbela” (Sofia Boutella) que pega patadas mortales. Aunque tiene ojos biónicos, anchas espaldas, piernas tatuadas, y dice que ella sólo mata a “gente importante”, nunca logra integrarse plenamente al argumento. Se siente embutida a la fuerza.

Hay buena utilización de colores primarios, juxtaposición de avanzadas tecnologías, impresoras en 3D, escenografías retro, pasajes secretos y ascensores destartalados.

Intentan que parezca importante, futurista y espectacular, pero termina vacía y esquemática. Por ahí tiran alguna frase supuestamente reflexiva, pero que se pierde en la polvareda de excesos y confusión.

AMBICIOSA Y RECARGADA. TRATA DE DECIR MUCHO Y QUEDA A MEDIO CAMINO EN TODO. 

Ficha técnica  

Título Original: Hotel Artemis 
Diamond Films Acción, crimen, futurismo EE.UU., Inglaterra – 1,34 hrs. 
Fotografía: Chung-hoon Chung 
Edición: Gardner Gould, Paul Zucker 
Música: Cliff Martinez 
Diseño Prod.: Ramsey Avery 
Actores: Jodie Foster, Sofia Boutella, Dave Bautista 
Guionista y Director: Drew Pearce

La Casa con un Reloj en sus Paredes - Por Juan Pablo Donoso

Imposible olvidarse de Harry Potter: un niño huérfano que aprende magia, pero en casa de su tío brujo.

Las novelas de John Bellairs son apasionantes y gatillan la fantasía. Más, para este filme metieron demasiados sucesos del libro. Y quedó recargada, primando los efectos especiales por sobre el encanto y humanidad de sus personajes.

La película carece de la ternura del relato literario original. Aunque contaron con excelentes y adecuados actores – Cate Blanchett, Jack Black, Lorenza Izzo y el pequeño Owen Vaccaro – el guion quedó abultado con tantas peripecias.

Así, los personajes/actores nos impiden acceder a sus matices personales más íntimos. Se limitan a informar por textos sobre quiénes son, de sus historias pasadas, y sólo galopan por la sucesión de fenómenos mágicos.

Tanto director como guionista debieron seleccionar los acontecimientos centrales y las fantasías para dar a sus personajes el reposo que nos permitiera una mayor identificación con ellos.

Tal vez para dar un respiro introducen las secuencias del niño en el colegio y su interacción con otros compañeros. Aunque el título dice “UN reloj de pared”, en realidad son demasiados los relojes y otros elementos estrambóticos en aquel museo de hechiceros.

EXCESO DE PARAFERNALIA EN DESMEDRO DE BUENAS ACTUACIONES Y SIMPATÍA DE LOS PERSONAJES.

Ficha técnica


Título Original: The House with a Clock in its Walls 
Andes Films Fantasía, comedia familiar EE.UU. – 1,44 hrs. 
Fotografía: Rogier Stoffers 
Edición: Andrew S. Eisen,Fred Raskin 
Música: Nathan Barr 
Diseño Prod.: Jon Hutman 
Guion: Eric Kripke, John Bellairs (novela) 
Actores: Cate Blanchett, Jack Black, Lorenza Izzo, Owen Vaccaro 
Director: Eli Roth

19/9/18

Locamente millonarios - Por Carlos Correa

Basada en la novela de Kevin Kwan, “Crazy Rich Asians” presenta la historia de una joven de Nueva York, Rachel Chu -Constance Wu-, invitada por su novio Nick Young -Henry Golding- a la boda de su mejor amigo en Singapur, oportunidad propicia para que ella conozca a su familia.

Jon M. Chu logra escenificar con desplante el guion de Pete Chiarelli y Adele Lim, poniendo énfasis en el exceso de lujo y en cómo el dinero afecta todo tipo de relaciones.

La historia es simple pues Rachel no conoce detalles ni antecedentes de la historia familiar de Nick por lo que ésta, su primera y alucinante aventura asiática, pasa muy rápidamente de ser un sueño ideal a transformarse en una auténtica pesadilla. La cantidad de personajes secundarios que dan vida a esta comedia romántica aparecen como perfectas caricaturas de todo lo que rodea la opulencia y el refinado gusto de una de las familias más rica de Singapur. Rachel no solo es discriminada por el entorno social. Eleanor, la madre de Nick, simplemente la ignora.

El elenco asiático actúa con mucha soltura y solidez y la química entre sus dos protagonistas es graciosamente natural. Y por cierto, Eleanor Young -Michelle Yeoh- destaca ampliamente en su papel antagónico gracias a su gran carisma y prestancia.

“Locamente millonarios”, su título en español, es una película entretenida, colorida y luminosa. Eso si, resulta extraña la particular sensibilidad de Nick que lo hace tan distinto a su familia de origen. Es difícil cuadrar esta característica siendo él uno de los solteros más codiciados de Asia. Tampoco es fácil entender la sencillez y humildad de Rachel, sobre todo cuando se ve sobrepasada y aún más discriminada por una situación de vida que ella misma desconoce.

“Crazy Rich Asians”, tal vez no tiene el atractivo cautivante que podría tener una historia original o novedosa, sin embargo se las arregla para, con todos los elementos conocidos, elaborar 120 minutos de romanticismo y comedia que fluyen naturalmente y que cumplen con la expectativa de entretener.

Ficha técnica

Título original: Crazy Rich Asians
Año: 2018
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. / Color Force / SK Global
Género: Romance. Comedia | Bodas. Comedia romántica
Guion: Pete Chiarelli, Adele Lim (Novela: Kevin Kwan)
Música: Brian Tyler
Fotografía: Vanja Cernjul
Reparto: Constance Wu, Michelle Yeoh, Henry Golding, Gemma Chan, Awkwafina, Chris Pang, Sonoya Mizuno, Jing Lusi, Pierre Png, Fiona Xie, Kheng Hua Tan, Harry Shum Jr., Ken Jeong, Jimmy O. Yang, Nico Santos, Amy Cheng, Steph Jack, Selena Tan, Janice Koh, Karanbir Hundal
Dirección: Jon M. Chu

La esposa - Por Carlos Correa

La cinta comienza con la tensa espera de una llamada decisiva. Si el teléfono no suena, es mejor perderse en un lugar apartado. En cambio, si efectivamente el aparato timbra eso significa todo: Joe Castleman -Jonathan Pryce- es el nuevo Premio Novel de Literatura. Acompañado por su esposa Joan -Glenn Close- la alegría y el festejo de Joe comienza en cuanto termina la ansiada comunicación.

Basada en la novela de Meg Wolitzer, “The Wife” relata la historia en tiempo presente, con el viaje del matrimonio a Estocolmo y la preparación para recibir el galardón, intercalando escenas de juventud, cuando ambos se conocen siendo alumna y profesor, se enamoran y deciden continuar su vida juntos y unidos por la pasión de las letras.

Esta cinta del director Björn Runge tiene su mayor atractivo en la magnífica actuación de Glenn Close. El metraje está sostenido por su excelente caracterización, por el ritmo que le imprime a su personaje, por sus primeros planos, sus pequeñas intervenciones y mayormente aquellos silencios llenos de nostalgia y emoción. Es posiblemente de las mejores actuaciones de Close del último tiempo, muy bien acompañada por un sólido Jonathan Pryce que interpreta a sus anchas al galardonado escritor.

“La esposa” no solo presenta la particular historia de este matrimonio a punto de ser abuelos por su hija y con una complicada relación con quien heredó el amor por escribir, el hijo que les acompaña a la premiación. También recrea, en las escenas de juventud, el machismo y la discriminación hacia las escritoras, asunto tan presente en el mundo de la literatura.

Si bien la cinta no es profunda en su forma, el fondo del relato si lo es. Runge solo logra algunas pinceladas de aquello, dejando abierta la puerta para reflexionar sobre la creación artística, los procesos de elaboración, las distintas formas de abordar los desafíos y por supuesto la particularidad con la que cada quien lo asume y lo lleva a cabo. También nos muestra fielmente aquello que rodea a estas figuras de culto, aduladas por el público y donde la familia que está siempre un paso detrás debe postergarse en pro del “astro creado”.

“The Wife” debemos verla no solo por la actuación de Glenn Close. Es necesaria desde lo artístico también, no por la elaboración misma del filme sino por la historia que narra que expone un dilema no fácil de resolver y qué tal vez está mucho más presente de lo que podríamos imaginar.

Ficha técnica 

Título original: The Wife
Año: 2017
Duración: 100 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Suecia-Estados Unidos; Tempo Productions Limited / Anonymous Content / Meta Film
Género: Drama | Literatura
Guion: Jane Anderson (Novela: Meg Wolitzer)
Música: Jocelyn Pook
Fotografía: Ulf Brantas
Reparto: Glenn Close, Jonathan Pryce, Logan Lerman, Christian Slater, Harry Lloyd, Max Irons, Annie Starke, Alix Wilton Regan, Karin Franz Körlof
Dirección: Björn Runge

Nosotros en la noche - Por Carlos Correa

Esta delicada película, basada en la novela de Kent Haruf, relata la historia de dos viudos que han sido vecinos por décadas sin embargo nunca han tenido especial cercanía. Ambos viven solos desde el fallecimiento de sus respectivos cónyuges y sus hijos ya están lejos de casa. Addie Moore -Jane Fonda- da el primer paso. Visita a Louis Waters -Robert Redford- para hacerle una audaz propuesta: compartir las noches para hablar y acompañarse en el momento de mayor nostalgia que una persona sola puede tener.

La actuación de ambos es maravillosa y sutil. La cámara solo los sigue, capta con cercanía sus gestos, miradas y movimientos, lo que es suficiente para dejar traslucir infinidad de sentimientos y pensamientos que brotan desde el interior de los protagonistas. Existe una química natural, junto a años de experiencia, y una naturalidad asombrosa que parece ser verdaderamente auténtica y no una actuación.

Mediante sus diálogos vamos conociendo una parte de su historia, sus sueños y dificultades, los traumas que han vivido, junto con las buenas y malas decisiones que han tomado a lo largo del camino. La llegada del nieto de Addie pasa de ser una amenaza a esta nueva amistad a transformarse en una nueva oportunidad que ambos tienen de rejuvenecer y reaprender a vivir compartiendo la vida en su esencia fundamental. Sus hijos, en papeles muy distintos, también aportan a la configuración de este nuevo escenario de sus padres, con sus propias vidas, demandas y requerimientos. Y por supuesto, este pequeño pueblo de Colorado donde residen hace honor al dicho “pueblo chico, infierno grande”, pues sin duda todo lo que acontece es comentario obligado de todos sus habitantes.

“Nosotros en la noche” puede ser tan dulce y refinada como también un toque de alerta ante una soledad creciente que puede ser muy difícil de llevar en los adultos mayores. Con oficio, el director Ritesh Batra logra elaborar un drama consistente y que con sus actuaciones de lujo permite ver más allá de lo que se muestra en pantalla.

Ficha técnica

Título original: Our Souls at Night
Año: 2017
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Netflix
Género: Romance | Vejez. Drama romántico
Guion: Kent Haruf, Scott Neustadter
Reparto: Jane Fonda, Robert Redford, Bruce Dern, Matthias Schoenaerts, Judy Greer, Iain Armitage
Dirección: Ritesh Batra

13/9/18

El Depredador - Por Juan Pablo Donoso

Advertimos que si alguien pretende hallar inteligencia en esta catarata de combates pierde su tiempo y su dinero. Pero si sólo se deja llevar por aventuras descocadas saldrá satisfecho.

Vibrará con la llegada de unos horribles alienígenas, muy perversos, que se han perfeccionado mamando el ADN de los humanos en años anteriores, y ahora vienen a destruir, y reemplazar, nuestra raza humana.

Para mantener el dinamismo – y justificar el presupuesto – tiran a la olla todos los ingredientes de ciencia ficción posibles: efectos especiales a granel, un héroe francotirador invencible, una doctora experta en astronomía genética y ametralladoras, un niño genio capaz de manipular los códigos extraterrestres, un grupo de soldados locos dispuestos a cualquier disparate suicida, escuadrones de militares imbéciles, y feroces perros intergalácticos que traen de vuelta los palitos que les lanzan.

Chorros de sangre, chistes obscenos de hombres y mujeres, muchos descuartizados, y una sucesión vertiginosa de hazañas inverosímiles que, al final, anuncian continuar en una próxima secuela.

DEMENCIAL SÚPER-ACCIÓN EN UNA SÚPER-PRODUCCIÓN TAMBIÉN DEMENCIAL

Ficha técnica

Título Original: The Predator 
Acción, aventura, ciencia ficción Fox Canadá, EE.UU. – 1,47 hrs. 
Fotografía: Larry Fong 
Edición: Harry B. Miller III 
Música: Henry Jackman 
Diseño Prod.: Martin Whist 
Guion: Fred Dekker, Shane Black, Jim y John Thomas 
Actores: Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Jacob Tremblay 
Director: Shane Black

Mr. Klein - Por Juan Pablo Donoso

¿Cómo juega el instinto de LIBERACIÓN en la conciencia culpable de un individuo?

Un filme de nivel superior – en fondo y forma -que nunca llegó a exhibirse comercialmente en nuestro país.

Los títulos cumbres de su director Joseph Losey hablan por sí solos: El Sirviente (1963) – Galileo (1975) – Asesinato de Trotsky (1972) – Niño de Cabellos Verdes (1948) – El Merodeador (1951). Cuando pudo expresar sus inquietudes personales denunció “cómo la codicia, las guerras, los prejuicios y dogmatismos puede alienar las mentes humanas”.

El galán de moda de aquellos tiempos, Alain Delon, financió y protagonizó magníficamente esta historia. Un parisino burgués, millonario y vividor, durante la ocupación nazi en Francia, profita comprando a bajo precio pinturas valiosas de los judíos que necesitan escapar del país. Lo hace sin remordimiento, y porque siendo francés nada teme a los invasores germanos. Su nombre es Robert Klein.

Un día recibe un periódico judío dirigido a otro hombre también llamado Robert Klein. Se pone en campaña para demostrar a la policía que es sólo un alcance de nombres, y que entre sus antepasado nunca hubo un hebreo. Pero junto con alejar cualquier sospecha en su contra, se obsesiona por descubrir quién es este homónimo, y si la usurpación de nombres fue deliberada para perjudicarlo.

Iniciará su propia investigación hasta dar con el destartalado departamento del semita, pero sin hallarlo. Aprovechará la invitación extramatrimonial a un elegante castillo en el campo para hacerse pasar por el otro, y allí, detectar de lejos a su elusivo doble. Rastreará sus pasos conversando con bataclanas y obreras de pasados amoríos, sin lograr jamás hallarlo.

Y mientras más lo busca y conoce pormenores de su vida, más se comienza a identificar con el otro y, a la vez, a sentirse personalmente víctima también de la persecución. Es como si su conciencia de explotador – que permanecía sin escrúpulos – comenzara a despertar. Y por medio de esta búsqueda se va haciendo él mismo más sospechoso ante la policía.

En alemán llaman “doppelganger” a este doble fantasmagórico de una persona viva. Donde parecieran jugar al gato y al ratón por hallarse.

Atmósfera siniestra y hermosísima. Mucha cámara en mano. Ambientes refinados. Vestuarios exquisitos. Admirable recreación de época – 1942, invierno en París. Colores fríos que generan un ámbito kafkiano, recordándonos los contrastes surrealistas de Buñuel. Admirables reconstrucciones de calles con transeúntes, lujosos restaurantes y, también, multitudes de judíos franceses, niños, mujeres y ancianos, siendo apresados y trasladados a campos de concentración.

Galería de actores importantes de la época (1976). Jeanne Moreau, Francine Bergé, Michel Longsdale, Juliet Berto, Massimo Girotti, Roland Bertin.

Joseph Losey logra un relato de misterio cada vez más enajenante de duplicidad. Aunque Klein podría salvarse porque su abogado obtuvo las pruebas de que carecía de sangre judía, es tal su pasión por conocer al “otro” que podría seguirlo hasta el infierno si fuese necesario.

UN LABERINTO DE CONCIENCIA MAGISTRALMENTE LOGRADO, EN IMÁGENES Y EN ACTUACIÓN.

Ficha técnica


Título Original: Mr. Klein
Cine Arte Galería Patricia Ready
Drama, Misterio, Guerra 
Francia, Italia – 2,03 hrs. 
Fotografía: Gerry Fisher 
Edición: Marie Castro-Vázquez,Henri Lanoë, Michèle Neny 
Música: Egisto Macchi, Pierre Porte 
Diseño Prod.: Alexandre Trauner 
Guionistas: Franco Solinas, Fernando Morandi, Costa-Gavras 
Actores: Alain Delon, Jeanne Moreau, Francine Bergé 
Director: Joseph Losey

9/9/18

La telenovela errante - Por Carlos Correa

Siete días, siete historias. Raúl Ruíz, en una cinta que se encontraba perdida, filma en el año 1990 al Chile de ese tiempo, un país que está retornando lentamente a la democracia. Los nombres de cada uno de los capítulos es sugerente: “La gente nos mira”, “Chile fértil provincia”, “El inglés en las zonas sensibles”, “Alma C. Ríos Guzmán”, Los con H”, “Más allá de las montañas” y “Si te portas mal en esta vida, en la otra vida te conviertes en chileno”.

Ruíz dibuja el paisaje de un Chile que él no reconoce. Su relato es onírico y absurdo en la mayor parte del metraje. Los diálogos, en su mayoría inconexos, provocan bastante desconcierto. Se me viene a la memoria algunas de las mejores improvisaciones de Andrés Rillón y Julio Young, o el teatro del absurdo de Ionesco. Ruiz no teme conducir al borde de lo ridículo. Lo suyo es representar algo que en sí mismo lo es.

En un guion que irremediablemente es difícil de seguir y de encuadrar, ya sea por el paso de los años o por el estilo del director, se observa una pérdida de realidad. Esto de concebir la idea que toda la vida está dentro de una telenovela y que por momentos aquellas se pueden cruzar, dialogar e interferir, resulta un continuo que le da una cierto hilo narrativo a las historias.

Pero, ¿hay una pérdida de realidad o en verdad Ruíz filma algo extremadamente realista? Para el Chile de los noventa ambas opciones son posibles. Por un lado es cierto que las teleseries permiten a las personas vivir otras vidas y así tal vez olvidar las carencias propias. También se habla de sueños colectivos, ideales a alcanzar y sobre todo un ánimo creciente a progresar, dejando atrás los años más duros de la dictadura.

“La telenovela errante” es un trabajo premonitorio de Ruíz muy bien rescatado y concluido por su viuda, la directora Valeria Sarmiento. Tanto es así, que se adelanta casi dos décadas a lo que Vargas Llosa llama hace un par de años “La civilización del espectáculo”, definiendo lo que sucede actualmente con un fenómeno contemporáneo y vigente, que moldea el actuar de miles de personas.

Esta cinta póstuma, la número 121 del director chileno, es suspensiva. No concluye ni tampoco comienza, solo transcurre, y allí radica quizá su mayor valor, porque está hecha con el compromiso de un coro de actores que se dejan llevar por la mano de Ruíz. Confían en él y entregan fragmentos que incluso por separado podrían funcionar perfectamente. Todo esto se complementa perfectamente con el montaje y la edición de Sarmiento, que le da sustancia y unidad a un recuerdo fílmico no solo de Raúl Ruíz sino de un Chile que no podremos olvidar.

Ficha técnica

Título original: La telenovela errante
Año: 2017
Duración: 90 minutos
País: Chile
Productora: Poetastros / RR Producciones
Género: Drama. Comedia. Fantástico
Guion: Raúl Ruiz
Música: Jorge Arriagada
Fotografía: Leo Kocking
Reparto: Luis Alarcón, Patricia Rivadeneira, Francisco Reyes, Consuelo Castillo, Roberto Poblete, Liliana García, Mauricio Pesutic, Leticia Garrido, Marcial Edwards, Fernando Bordeu, Maria Erica Ramos, Carlos Matamala, Marcela Arroyave, Mario Lorca, Roberto Chignoli
Dirección: Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento

8/9/18

The Party - Por Carlos Correa

Estupenda película de la realizadora Sally Potter. Tiene tantos detalles en sus escasos 71 minutos que sorprende realmente. Desde el blanco y negro, la cámara de Potter no escatima en finas texturas, primeros planos acentuados y un seguimiento de gestos que en sí mismo generan gran tensión dramática. ¡Qué decir del guion! Astuto, inteligente, irreverente y por momentos absurdo, con toques hilarantes, un humor especialmente ácido, revistiendo un drama profundo que se sostiene gracias a la excelente elaboración de la comedia negra que lo envuelve.

Un grupo de amigos se reúnen para celebrar a Janet -Kristin Scott Thomas- en su casa pues ha sido nombrada ministra. Los siete protagonistas de la cinta entran a escena en secuencia. El estilo teatral está permanentemente presente, en forma y fondo. Janet y su marido Bill -una actuación de lujo de Timothy Spall- esperan a sus invitados, ella en la cocina y él escuchando discos de vinilo, cada uno en su mundo y espacio, ideal y material. Llegan April -Patricia Clarkson- y su pareja alemana Gottfried -Bruno Ganz- , ella una mujer práctica y bastante cínica, él un versado y locuaz parlante de frases cliché. Se suman Jinny -Emily Mortimer- con su pareja Martha -Cherry Jones-, cuyo centro está en el embarazo triple de Jinny producto de fertilización “in vitro”. Cierra el círculo Tom -Cillian Murphy- un joven y acelerado hombre de finanzas que se adelanta a su esposa Marianne quien es subordinada de Janet y llegará más tarde.

Este es el cuadro general que distribuye el guion de Sally Potter. Las personas en escena comienzan un verdadero juego de ajedrez donde confluyen temas profundos de vida, sueños, ideales y fracasos, codicia, ambición de poder y euforia, todo cruzado por nostalgia, tristeza y desesperanza. Los giros dramáticos son notables, y las actuaciones excelentes. Cada una de las interpretaciones hace creíble su carácter. La secuencia, en tiempo real, una cuidada edición y una banda sonora delicada y escogida con muy buen gusto, hacen que esta joya sea deliciosa, sugerente, impactante, divertida y profundamente cuestionadora, todo esto en un poco más de una hora.

“The Party”, ¿la fiesta de celebración o “el partido”?. El juego es notable, propio de una guionista y directora atrevida, que sin hacer concesiones nos embarca en un viaje memorable y actual que vale la pena ver, degustar y disfrutar.

Ficha técnica

Título original: The Party
Año: 2017
Duración: 71 minutos
País: Reino Unido
Productora: Adventure Pictures
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Comedia negra
Guion: Sally Potter
Fotografía: Aleksei Rodionov (B&W)
Reparto: Patricia Clarkson, Bruno Ganz, Cherry Jones, Emily Mortimer, Cillian Murphy, Kristin Scott Thomas, Timothy Spall
Dirección: Sally Potter

6/9/18

Ya Veremos - Por Juan Pablo Donoso

Aplican en esta película los elementos exitosos ya comprobados comercialmente durante muchos años en las teleseries caribeñas.

Hay médicos jóvenes y apuestos que ganan buen dinero en clínicas lujosas. Están casados con bellas mujeres bien vestidas. Las otras féminas también son bonitas aunque solteras, impúdicas y libertinas. Los cómicos son menos agraciados, ineptos, pero simpáticos.

Para que haya un conflicto que resolver, el pequeño hijo de la pareja separada es diagnosticado con glaucoma juvenil. Corre peligro de quedar ciego en poco tiempo.

El niño, para conservar en su memoria las cosas lindas del mundo antes de perder la vista, solicita a sus padres que le den unas vacaciones sin escatimar gastos.

El viaje sirve también de pretexto para que marido y mujer se reconcilien y aborden juntos el albur de la operación oftalmológica del pequeño Santi.

La fórmula con los ingredientes de amores rotos, mucho turismo por los balnearios de México, un niño casi ciego, y gratas canciones tiene pocas posibilidades de fallar.

La virtud de los realizadores está en que nunca caen en el mal gusto, lo procaz y ni la chabacanería.

MELODRAMA MEXICANO BIEN DOSIFICADO, ELEGANTE, Y CON TODOS LOS INGREDIENTES PARA EMOCIONAR AL PÚBLICO FEMENINO.

Ficha técnica


Tragicomedia BFDistribution México – 1,37 hrs 
Fotografía: Martín Boege 
Edición: Eduardo Guillén, Diego Macho Gómez, Julio Hernández 
Música: Manuel Riveiro 
Diseño Prod.: Christopher Lagunes 
Guion: Alberto Bremer 
Actores: Mauricio Ochmann, Fernanda Castillo, Emiliano Aramayo
Director: Pitipol Ybarra

La Esposa - Por Juan Pablo Donoso

Lo mismo que en este filme le critican a la mala literatura lo cometen con el guion.

Sólo la enorme calidad de los actores principales - Glenn Close y Jonathan Pryce - permite vislumbrar el drama que corre por debajo de esta hermosa idea.

En vez de aprovechar ese talento, navegan sobre las cáscaras con diálogos prescindibles y explicaciones obvias.

El montaje cinematográfico – fotografía, sonido y edición – rubricado por excelentes actuaciones, resulta más sugerente y poderoso que las palabras y jueguitos de relleno.

En manos de otros grandes directores también escandinavos desde Victor Sjöström (Korkärlen 1921), Mauritz Stiller, Vilgot Sjoman, Billy August, Bo Widerberg, y Bergman habría sido un poema íntimo de amor, abnegación y lealtad.

Es extraño que Björn Runge, y miembros colaboradores de su familia, siendo suecos, prescindieran de ejemplos fílmicos de tantos maestros compatriotas anteriores.

En vez de sumergir se con finura en el alma de Joan, la esposa, y en la conciencia evasiva de Joe, el marido, lo dispersan en anécdotas secundarias que, siendo referenciales, sólo trivializan el conflicto central.

Este es un drama de abnegación y de lealtad matrimonial versus el afán de prestigio y de frívolos oropeles. Debieron aprovechar la enjundiosa materia prima que proponía la novela de Meg Wolitzer.

Un escritor mediocre que, acompañado de su esposa, viaja a Suecia a recibir el Premio Nobel, esconde en su conciencia un secreto que, durante la estadía, se irá revelando poco a poco, a pesar de la discreción de su mujer y de la rebeldía de su hijo.

Una bella historia torpemente relatada.

DRAMÓN PEDESTRE QUE PUDO SER UNA JOYITA.

Ficha técnica

Título Original: The Wife 
BFDistribution Drama Suecia, EE.UU., Inglaterra – 1, 40 hrs. 
Fotografía: Ulf Brantås 
Edición: Lena Runge 
Música: Jocelyn Pook 
Diseño Prod.: Mark Leese 
Guion: Jane Anderson, Meg Wolitzer (novela) 
Actores: Glenn Close, Jonathan Pryce, Christian Slater, Max Irons 
Director: Björn Runge

La Monja - Por Juan Pablo Donoso

Lamentable precuela de los CONJUROS anteriores.

Si se intenta evaluarla como una fábula gótica de misterios sobrenaturales, sólo entrega incoherencias carentes de toda lógica. Son tantas las gratuidades que ni siquiera nos identificamos con las víctimas.

Si pretendió ser una sátira chistosa, sólo consigue un par de discretas carcajadas ante el absurdo de los diálogos.

Las actuaciones, cuando las hay, son acartonadas y primarias. Sólo la frágil heroína (Taissa Farmiga), a costa de primeros planos, logra expresar miedo cuando la situación buenamente se lo permite.

Y si los espectadores buscan terror, les aconsejamos verla en algún cine equipado con todos los adelantos de proyección: pantalla IMAX, 3D, y para mayores experiencias epidérmicas en 4D, donde hasta le sacudirán el asiento y le tirarán agua.

Con la expectativa de tener un éxito comercial echaron mano a todos los clichés de terror de la historia del cine, desde la época de películas mudas (heroína que sale de noche, a pie descalzo, iluminada sólo con una velita a desenterrar muertos a un cementerio abandonado), pasando por monjas endemoniadas con dientes de tiburón y encías con piorrea, hasta tragarse, y después escupir, la supuesta sangre de Cristo guardada en una reliquia del siglo 1°, como arma de exorcismo. Y, por supuesto, rostros horribles que aparecen de golpe acompañados por estruendos cuadrafónicos (¡!).

Y como colofón, notar que todas las monjas jóvenes, prisioneras por siglos en un convento maldito de Rumania, están glamorosamente depiladas y maquilladas… hasta con pestañas crespas…

UNA TREMENDA CHACOTA MALOGRADA.

Ficha técnica


Título Original: The Nun 
Terror, misterio, suspenso 
Warner Bros. Chile EE.UU. – 1,36 hrs. 
Fotografía: Maxime Alexandre 
Edición: Michel Aller, Ken Blackwell 
Música: Abel Korzeniowski 
Diseño Prod.: Jennifer Spence 
Guion: Gary Dauberman y James Wan 
Actores: Taissa Farmiga, Bonnie Aarons, Jonny Coyne 
Director: Corin Hardy

Historia de Abril - Por Juan Pablo Donoso

Hay que ser japonés, sensible y muy masculino para meterse tan profundo en el corazón de una mujer. Hay que admirar y empatizar demasiado con el sexo opuesto para atreverse a contar así una historia. Sería muy raro que una realizadora se expresara con tan tierna finura. Hay que amar a las mujeres hasta el punto de idealizarlas sin envidias ni celos: desde afuera, con amor y respeto.

Una muchachita muy joven, que recién termina su enseñanza escolar, deja su pueblo de provincia para estudiar en una Universidad de Tokio. Viaja absolutamente sola. Lleva el dinero suficiente para arrendar un pequeño departamento y pagarse la comida. Ni ella misma tiene clara la disciplina en que intenta especializarse. Lo único importante es radicarse en Tokio, asistir a clases, hacer algunas amistades y comprar libros en una tienda muy determinada.

Durante las 5/6 partes del filme ignoramos adónde conduce este seguimiento tan minimalista de la joven Nireno. Sólo en la última secuencia se nos amarran y justifican los detalles anteriores, logrando conmovernos sin sensacionalismo.

La historia, de poco más de una hora de duración, carece de violencia, peligro o angustia. Todo se desliza con fluidez cotidiana, con momentos de silencios y otros acompañados con una simple melodía de piano. El único contraste lo entrega, deliberadamente, el director cuando la muchacha asiste a un cine y nos comparte un antiguo filme japonés protagonizado por Toshiro Mifune con un sangriento combate entre samuráis. Sin duda Shunji Iwai lo insertó para que, con mayor razón, nos preguntemos qué pretende aquel seguimiento con tan bajo perfil de la tímida Nireno.

Recomendamos recibirla con paciencia, disfrutarla como si fuéramos turistas en Japón, y esperar el revelador secreto del final.

DELICADA, MUY FEMENINA Y ENCANTADORA 

Ficha técnica

Título Original: Shigatsu Monogatari 
Romance Cine Arte Galería Patricia Ready Japón – 1,07 hrs. 
Fotografía: Noboru Shinoda 
Diseño Prod.: Yuji Tsuzuki 
Actores: Takako Matsu, Seiichi Tanabe, Kaori Fujii 
Editor, Guionista y Director: Shunji Iwai

5/9/18

La Monja - Por Carlos Correa

Una antigua abadía en Rumania esconde un misterio. Parece abandonada, sin embargo hay vida al interior. Les llevan provisiones semanalmente pero ninguna de sus moradoras se deja ver. Un incidente, la muerte de una joven monja, abre las compuertas y el Vaticano toma cartas en el asunto. Envía a un sacerdote con experiencia en exorcismos junto a una joven novicia que está ad portas de tomar sus votos a investigar los extraños sucesos.

Como Spin-off de la exitosa “El conjuro”, esta cinta dirigida por Corin Hardy contiene todos los elementos de su género. Incluso la secuencia inicial genera bastantes expectativas, sin embargo su plano guion e inoficiosa trama son el gran obstáculo para un desarrollo adecuado. Todo está al servicio de las percepciones, hay un suspenso contenido y uno que otro efecto clásico, de esos que nos mueven del asiento. El resto es adivinable y esperable, sin lograr mayores sorpresas hacia su desenlace.

Debemos reconocer que la película está bien iluminada, hay buenos planos fotográficos y la oscuridad del interior del lugar provoca temor. Todo esto, acompañado de una campaña publicitaria bastante generosa, augura un morboso interés en la película, sobre todo en los tiempos que actualmente vive la Iglesia.

Aún siendo obvia, los 96 minutos pasan rápido y si bajamos la vara de exigencia, “La Monja” funciona aceptablemente. ¿Pudo ser más? Sin duda alguna, la idea resulta interesante aunque el enlace que tiene con la saga sea más delgado que el hilo.

Corin Hardy conduce la cinta correctamente a pesar de las negativas condicionantes del relato firmado por Gary Dauberman, basado en la historia del mismo Dauberman y del productor de filmes de terror James Wan. Se notan expectativas por verla y el trailer provoca. Veremos qué sucede y cómo la reciben los seguidores del genero -y en especial los de “El Conjuro”- porque bien sabemos que la taquilla habitualmente no va necesariamente de la mano con la calidad.

Ficha técnica

Título original: The Nun
Año: 2018
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros / Atomic Monster / New Line Cinema / The Safran Company. Productor: James Wan
Género: Terror | Spin-off
Guion: Gary Dauberman (Historia: James Wan, Gary Dauberman)
Música: Abel Korzeniowski
Fotografía: Maxime Alexandre
Reparto: Taissa Farmiga, Demian Bichir, Bonnie Aarons, Charlotte Hope, Ingrid Bisu, Jonas Bloquet,  Jonny Coyne, Manuela Ciucur, Jared Morgan, Sandra Teles, Boiangiu Alma, Laur Dragan
Dirección: Corin Hardy

El infiltrado del KKKlan - Por Carlos Correa

Este notable trabajo del director Spike Lee está basado en hechos reales, específicamente en el libro de Ron Stallworth, el primer detective de color del departamento de policía de Colorado Springs. Stallworth -un convincente John David Washington- logra ser admitido y aún siendo novato se las ingenia para proponer y liderar una operación arriesgada que consiste en infiltrarse en el mismísimo Ku Klux Klan para intentar detener las violentas acciones que se avecinan.

La misión no es fácil. Ron es negro y solo puede hacer contacto con los mandamases del Klan por teléfono, por ello el plan involucra tener otro Ron Stallworth pero blanco, que se encuentre cara a cara con sus miembros. Adam Driver es el policía encargado de personalizar a este agente que debe sufrir el rigor de la agrupación y la mayoría de los peligros asociados a la misión.

Spike Lee nos regala una cinta que es brutal y delicada a la vez. Tiene excelentes actuaciones, planos finos y una gestualidad sorprendentemente natural. Con su brío característico, Lee compone un thriller con humor negro y algo de comedia que fluye y atrapa más y más mientras avanza el metraje.

La película transcurre en los sesenta sin embargo es muy actual y merecida. Muestra una dolorosa descripción de la violencia, discriminación, odio y venganza de esos años. Se exacerban las agitaciones sociales y la lucha por los derechos civiles, sin embargo nos muestra que incluso hoy, y precisamente desde la llegada de Trump a la Presidencia de Estados Unidos, no se hubiera avanzado mucho en el tema.

“BlacKkKlansman”, su título en inglés, es una originalidad que describe mucho mejor el espíritu de la cinta. Es tan contradictoria como resultan ser la discriminación a los afroamericanos y la persistente injusticia en el tema racial que aún, en pleno siglo XXI, existe y daña el tejido social de la nación que se autodenomina como “la más poderosa del mundo”. Otra paradoja. Set y match para el excelente Spike Lee.

Ficha técnica

Título original: BlacKkKlansman
Año: 2018
Duración: 128 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Blumhouse Productions / Monkeypaw Productions / QC Entertainment / Perfect World Pictures. Distribuida por Focus Features
Género: Drama. Comedia | Basado en hechos reales. Biográfico. Racismo. Años 70. Comedia negra. Crimen
Guion: Spike Lee, Kevin Willmott, David Rabinowitz, Charlie Wachtel (Libro: Ron Stallworth)
Música: Terence Blanchard
Fotografía: Chayse Irvin
Reparto: John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier, Ryan Eggold, Corey Hawkins, Robert John Burke, Paul Walter Hauser, Craig muMs Grant, Michael J. Burg, Chris Banks, Tom Stratford, Jasper Pääkkönen, Ashlie Atkinson, Ken Garito
Dirección: Spike Lee

31/8/18

Puerto Montt lanza primera versión de Festival de Cine

La Ilustre Municipalidad de Puerto Montt, a través de su Corporación Cultural -en alianza con otros municipios chilenos y argentinos- convoca a cineastas y audiovisualistas nacionales e internacionales al primer Festival de Cine de Puerto Montt 2018 (postulaciones hasta el 01 de octubre), que se realizará entre el 12 y el 17 de noviembre.

Puerto Montt apuesta a implementar una agenda cultural distintiva en la macro región sur, que incluya actividades de alto impacto en relación a la música popular (Festival Sentados Frente al Mar), las artes escénicas (Temporales Internacionales de Teatro), la literatura (Feria del Libro), la actividad artesanal (Feria Puerto Montt Invita), y viene acariciando hace algún tiempo organizar una actividad similar en el área audiovisual.

Parece tan lejano que apenas hace 5 años a la fecha, la única estética que el público ávido de cine podía apreciar era la posibilidad de asistir a las salas del multicine local, y si nos vamos un poco más atrás aún parece mentira que Puerto Montt, la capital de la región de Los Lagos permaneciera por espacio de prácticamente un lustro privado de la magia de la pantalla grande, tras la desaparición del recordado Cine Rex.

Pero el público siempre estuvo ahí, lo que justificó que la Corporación Cultural asumiera el desafío de hacer regresar el cine al tradicional Diego Rivera (nuestra Casa del Arte), siendo así como durante 2017 la CCPM programó más de 180 exhibiciones organizadas en ciclos constantes de cine Chileno, Infantil, Alemán y Documental lo que permitió que más de 18.000 personas pudieran acceder a contenido de calidad que no se programan en otros espacios, la mayoría de ellas con acceso gratuito o a muy bajo costo, haciendo carne nuestra misión institucional: derribar barreras de acceso a los bienes culturales para la mayor parte de la población.

Puerto Montt, en alianza con otros municipios chilenos y argentinos, se han propuesto liderar la promoción, desarrollo y puesta en valor del territorio que nos resulta común, la Patagonia y lo hace desde la generación de diversas estrategias de acción, entre las cuales se encuentra la organización de eventos de alta convocatoria, la visualización de oportunidades de comercialización, la promoción del turismo y de nuestros respectivos destinos locales, esfuerzo en el que se enmarca el festival de cine de Puerto Montt, que en su primera versión se desarrollará entre el 12 y 17 de noviembre de 2018.

- Descargar las bases

30/8/18

El Ángel - Por Juan Pablo Donoso

Aunque estaba fuera de competencia, fue una estupenda idea inaugurar SANFIC14 - 2018 con esta película.

Es una oda al nihilismo.

Se refiere a un personaje verdadero: Carlos Robledo Puch, asesino serial argentino, uno de los mayores sociópatas y criminales de la historia del país. Lleva más de 45 años en prisión tras ser condenado a cadena perpetua por 11 homicidios. La prensa lo llamó El Ángel de la Muerte por su aspecto infantil, inofensivo y casi femenino.

La estructura del guion, la tridimensionalidad de los personajes, y la fluidez del ritmo nos mantiene atentos durante 1,58 hrs. Esperamos el momento en que tanta delincuencia y asesinatos serán descubiertos y sancionados. Por suerte, y muy al final, la obra se salva de ser contagiosamente inmoral.

Excelente dirección de actores; muy bien escogidos. Todos actúan bien: los protagónicos, los famosos (Cecilia Roth y Mercedes Morán), y los secundarios. Además del joven Lorenzo Ferro, destacamos las caracterizaciones de Peter Lanzani (Miguel) y Daniel Fanego (José) por su radical compromiso con el mundo interno de sus personajes. Muy acertada selección musical (Moondog), propia del año 1971.

La única crítica que nos merece está en la concepción dramática central del caso, por muy real que haya sido. Carece por completo de antagonista, por lo tanto, es una fascinante acumulación de maldades, todas ingeniosas, pero sin fuerza que se le oponga. Se salva por la calidad narrativa. Será tal vez por eso que para muchos espectadores se siente demasiado larga, sin serlo. Sin una fuerza dramática opositora podría haber seguido acumulando delitos, o reducirlos a la mitad. Tampoco queda claramente propuesta la motivación de Carlos, el joven y casi andrógino protagonista. Pero su desempeño interpretativo es tan honesto y lúdico que, al igual que a los otros, nos vincula en una perversa complicidad.

El verdadero Robledo Puch quedó indignado cuando vio la película. Desmintió enfáticamente su inclinación homosexual y cómo muestran la relación con sus padres. Éstos, (Luis Gnecco y Cecilia Roth) sólo se ven desconcertados e impotentes ante lo indómito del hijo, por lo tanto, serían un débil polo antagónico. Dramáticamente insuficientes. Sólo predomina la maldad, e inescrupulosidad, intrínsecamente puras. He ahí el punto flaco de esta apasionante biografía.

AUNQUE AMORAL, ESTÁ LLENA DE MÉRITOS ARTÍSTICOS Y TÉCNICOS. SE HACE ADMIRABLE MIENTRAS LA VEMOS.

Ficha técnica

Biografía, crimen, drama Argentina, España – 1,58 hrs. 
Fotografía: Julián Apezteguia 
Edición: Guille Gatti 
Música: Moondog 
Diseño Prod.: Julia Freid 
Guionistas: Sergio Olguín, Luis Ortega, Rodolfo Palacios 
Actores: Lorenzo Ferro, Chino Darín, Daniel Fanego, Rodolfo Palacios 
Director: Luis Ortega

Cleo de 5 a 7 – 1962 - Por Juan Pablo Donoso

Para quienes vimos nacer, culminar y decaer la Nouvelle Vague, esta película es un deleite de nostalgia y admiración.

Como la mayoría de los movimientos renovadores en el arte, después de su apogeo se saturan, se vuelven torpemente imitados, y desaparecen. Pero contribuyen a dar un paso adelante en la narrativa, y las nuevas expresiones llevan sus aportes incorporados en el ADN.

Sus grandes exponentes iniciales fueron Francois Truffaut ( Los 400 Golpes), Jean-Luc Godard (Sin Aliento), Eric Rohmer (La Rodilla de Clara), George Rivette (L´Amour Fou) Claude Chabrol (Los Primos) , Alain Resnais (Hiroshima Mon Amour) y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville.

En 1962, la realizadora Agnes Varda incursionó en la modalidad desde su visión femenina, y logró una película exquisita.

Agnes Varda, hoy octogenaria, que cuenta entre sus éxitos títulos tales como LA FELICIDAD (1965), ha incursionado en más de 30 obras posteriores incluyendo cortos, documentales e historias de aguda inteligencia. Ha sido la esposa de aquel otro insigne director francés, Jacques Demý (Los Paraguas de Cherburgo) con una estética tan diferente, llena de dulzura y ensueños.

En CLEO, nos hace acompañar a una hermosa cantante (Corinne Marchand) durante 2 horas por barrios de París, mientras espera los resultados clínicos de un posible diagnóstico de cáncer. Recorrerá calles, visitará amigas y quirománticas, tendrá un fugaz encuentro con su novio, recibirá la visita de sus amigos músicos, quienes le traen un nuevo tema, y, finalmente, hará amistad con un joven militar desconocido con cuya compañía se atreverá a enfrentar el resultado médico de su examen.

La cámara la sigue a distancia como un agente indiscreto, y escucha sus conversaciones, generalmente triviales, pero que van trasluciendo su angustia interior.

En el más típico tratamiento de Nouvelle Vague, Agnes Varda incluye cameos de otros artistas de la época como Michel Legrand (muy joven), Jean-Luc Godard, Anna Karina, Claude Brialy, Eddie Constantine…

La diferencia con el neorrealismo italiano, es que los franceses jamás descuidan la belleza plástica, especialmente en interiores. Recurren ostensiblemente al “high key” cromático; y los diálogos, en vez de ser casi improvisados, redundan en un manierismo rayante en lo poético. Pero siempre manteniendo aquella atmósfera de lo casual.

Recomendamos ver CLEO DE 5 a 7 hoy día para gozar de una obra lograda en su tiempo, que mantiene su encanto, y comparar las riquezas de aquel lenguaje con las virtudes del actual.

PARA VOLVER A DISFRUTAR DE UNA RELIQUIA DE LA NOUVELLE VAGUE.

Ficha técnica

Tragicomedia, música 
Cine Arte Galería Patricia Ready Francia -1,30 hrs. 
Fotografía: Paul Bonis, Alain Levent, Jean Rabier 
Edición: Pascale Laverrière, Janine Verneau 
Música: Michel Legrand 
Diseño Prod.: Jean-François Adam 
Actores: Corinne Marchand, Antoine Bourseiller, Dominique Davray 
Guionista y Directora: Agnes Varda

29/8/18

El Ángel - Por Carlos Correa

Inspirada en la historia de Carlos Robledo Puch, el joven criminal argentino que en 1980 fue condenado a cadena perpetua por diez homicidios calificados, un homicidio simple, una tentativa de homicidio y diecisiete robos, entre otros delitos, esta cinta se centra en el período que va desde mayo de 1971 a febrero de 1972 cuando suceden la mayoría de estos hechos delictivos.

Carlitos -excelentemente interpretado por Lorenzo Ferro- es un joven que no distingue lo propio de lo ajeno. Robar le es natural y simple. Cuando en su nueva escuela conoce a Ramón -Chino Darín- y a su familia -caracterizados por Mercedes Morán y Daniel Fanego-, la vocación de Robledo Puch simplemente se encausa hacia un camino sin retorno. Los rizos rubios y su cara de bebé le valen el apodo mediático de “el ángel de la muerte” o “el ángel negro”, por la ferocidad y violencia de sus accciones llevadas a cabo a tan corta edad.

Esta película dirigida por Luis Ortega y que participó en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes del 2018, es amarga, cruda e intrigante. Desde un comienzo nos muestra a un desprendido protagonista, prácticamente sin sentimientos, con una libertad extrema y absoluta naturalidad. El soporte para el personaje que realiza el debutante Lorenzo Ferro es notable. Tanto es así que los secundarios aparecen con poca profundidad, en especial Luis Gnecco y Cecilia Roth quienes caracterizan a los padres del novel asesino.

Con un prolijo uso de cámaras y ángulos cercanos, la cinta es lineal y enfocada. Los textos del guion son precisos y la banda sonora es sólida. Uno de los aspectos más destacados del tratamiento del relato es la construcción de escenas, varias de ellas bastante extensas, que solo tienen sonido ambiente y que generan altísima tensión. ¿Qué es ficción y que es realidad? No queda claro, sin embargo el propio director se encarga de aclarar que la película no es la sobre la vida de Robledo Puch sino una historia original inspirada en el joven criminal.

A pesar de tener una sección intermedia donde el metraje abandona el ritmo trepidante y decae en intensidad, “El Angel” se desarrolla de manera progresiva, agregando elementos cargados de drama y una extraña forma de humor negro. Da la sensación que al protagonista nada le afecta verdaderamente, que robar y asesinar es casi un deporte y que la violencia es algo absolutamente natural. Aparece siempre imbuido en sí mismo, duerme sin mayores problemas y no se observa que sienta culpa alguna por ninguno de sus actos. Solo hay una escena donde profusamente le brotan lágrimas de los ojos y que quizá podría abrir una interrogante. ¿Quién es realmente y qué siente Carlos Robledo Puch? Ortega, hábilmente, lo deja abierto y con ello alimenta aún más el mito del criminal argentino que más tiempo lleva preso -ya van extensos 46 años- y que por el momento no tiene posibilidades de ser liberado pues todos los recursos que ha presentado han sido denegados.

Ficha técnica 

Título original: El ángel
Año: 2018
Duración: 117 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-España; K&S Films / Underground Contenidos / El Deseo / Telefé
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales. Años 70
Guion: Luis Ortega, Rodolfo Palacios, Sergio Olguín
Fotografía: Julián Apezteguia
Reparto: Lorenzo Ferro, Chino Darín, Mercedes Morán, Daniel Fanego, Luis Gnecco, Peter Lanzani, Cecilia Roth, William Prociuk, Malena Villa
Dirección: Luis Ortega

Mamma Mía: vamos otra vez - Por Carlos Correa

Como continuación de la producción del 2008, “Mamma Mía: vamos otra vez” retoma la historia con Sophie -Amanda Seyfried- preparando una gran reapertura del hotel de su madre Donna, fallecida un año antes. La fiesta debe ser total, es un merecido homenaje a su progenitora, por tanto hay invitados que vienen desde todas las latitudes a visitar esta idílica isla griega. Sky, el marido de Sophie -Dominic Cooper-, está en Nueva York y no podrá acompañarle. Además se vislumbran problemas en la relación. Y para mayor pesar, Harry y Bill, dos de los tres posibles padres de la protagonista no han podido ser ubicados. Solo la acompaña Sam -Pierce Brosnan- que hace sus mejores esfuerzos para contenerla y animarla.

Esta cinta escrita y dirigida por Ol Parker es entretenida y lentamente va tomando vuelo. La producción alcanza una excelente altura y las locaciones están muy bien filmadas. Desde el punto de vista musical, las canciones de ABBA son inconfundibles y a pesar de ser mayoritariamente de las menos conocidas, los grandes éxitos tienen su espacio reservado, lo que es una delicia.

La cinta tiene también un elenco de lujo, aunque en ocasiones algunos de sus principales actores parecen ser poco aprovechados. Las coreografías están muy bien elaboradas y las tomas aéreas son armoniosas y estéticamente muy bien logradas.

Esta secuela logra conmover por la nostalgia que representa. Desde el punto de vista argumental y narrativo, Parker acierta en presentar a Donna joven -Lily James-, intercambiando los tiempos y explicando la historia en forma paralela. Este recurso resulta interesante y le da a la película un ritmo particular, complementando los números musicales con momentos de cercanía afectiva, recuerdos, sueños, añoranzas y aventuras.

“Mamma Mía: vamos otra vez” funciona bien, no solo como un atractivo y colorido musical sino también como una comedia que contiene romance, drama y diversión que fluyen naturalmente. Además, graciosamente nos depara sorpresas con como la presencia de Meryl Streep, la especial participación de Fernando -Andy García- y la majestuosa aparición de Cher, hacia el final, que adorna el relato con el cierre de un círculo insospechado que aún estaba sin completar.

Ficha técnica

Título original: Mamma Mia: Here We Go Again!
Año: 2018
Duración: 108 minutos
País: Reino Unido
Productora: Universal Pictures / Legendary Pictures
Género: Musical. Comedia. Romance | Secuela. Precuela
Guion: Ol Parker
Música: Benny Andersson, Anne Dudley, Björn Ulvaeus
Fotografía: Robert D. Yeoman
Reparto: Amanda Seyfried, Lily James, Christine Baranski, Julie Walters, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgard, Dominic Cooper, Andy García, Cher, Meryl Streep, Jeremy Irvine, Alexa Davies, Jessica Keenan Wynn, Josh Dylan, Hugh Skinner, Togo Igawa, Naoko Mori, Omid Djalili
Dirección: Ol Parker

26/8/18

“Doubtful”, premio SIGNIS en el SANFIC 14

Este primer largometraje del joven director israelí Eliran Elya fue distinguida por el premio SIGNIS a la película más destacada en la Competencia Internacional de SANFIC 14 por ser un relato contemporáneo, poético y descarnado de una tragedia existencial.

El premio fue recibido por Jonatan Bar-El, Jefe de Misión Adjunto de la Embajada de Israel en Chile, de manos del Presidente de SIGNIS Chile, Juan Pablo Donoso, acompañado por Carlos Correa Acuña, también miembro del jurado SIGNIS.

En las palabras de presentación del premio, Juan Pablo Donoso agradeció a SANFIC 14 por incluir a SIGNIS como Jurados en el Festival. Además, resumió la misión de esta organización internacional como la necesidad de “reflexionar sobre los valores humanitarios de la sociedad contemporánea a través de los medios de comunicación”. Asimismo, Donoso se refirió a la película distinguida como “una ópera prima impactante y madura, que denuncia la incapacidad y desconcierto de los adolescentes -que carecen de figura paterna por efecto de las guerras- para diferenciar la realidad de la confusión existencial, así como los sueños de la vigilia.”

Jonatan Bar-El, al recibir el galardón en representación de los realizadores de la película, señaló que “este Festival Internacional de Cine es una gran oportunidad para conocer otras culturas, otros países y mundos, pero no solo para entender las diferencias, sino para entender que al fin somos todos parecidos, somos todos iguales.”

“Doubtful”

Esta cinta impactante y madura del director israelí Eliran Elya, muestra el errático comportamiento social de hijos carentes de figuras paternas, producto de las guerras.

El síndrome que comparten, en distintos niveles, tanto adultos como adolescentes, su incapacidad y desconcierto para diferenciar la Realidad de la Confusión Existencial, y el sueño de la vigilia, constituyen un magnífico trabajo con auténticos jóvenes y muchachas, en sus diálogos y reacciones.

La trama, aparentemente cotidiana en sus detalles, lleva un discurso subliminal progresivo hacia un clímax final desgarrador, entregando una tragedia juvenil, contemporánea de penetrante fuerza poética y magistral realización.

“Doubtful”también recibió como premio una mención especial del Jurado Internacional del Festival SANFIC 14 en el que participaron nueve producciones, muestra en la que resultó ganadora la película "El Motoarrebatador" del director argentino Agustín Toscano, protagonizada por Sergio Prina y Liliana Juárez quienes también compartieron el premio por la Mejor Actuación.

- Video de la Ceremonia

Fuente: SIGNIS Chile

23/8/18

Cairo Time - Por Juan Pablo Donoso

Los méritos de este cuentecito romántico son: bellísimos paisajes de El Cairo y sus alrededores; el talento y simpatía de Patricia Clarkson; los bellos vestuarios de la protagonista, y el reposado aplomo del galán sudanés Alexander Siddig.

Lo demás es una historia dulzona mejor tratada en películas anteriores: BREVE ENCUENTRO (1945) y después en 1975 con Richard Burton y Sofía Loren; INDISCRECIÓN DE UNA ESPOSA (1952) de Vittorio de Sica; LA ANGUSTIA DE UN QUERER (1955); KOROTKIE VSTRECHI (1968) soviética; LOS PUENTES DE MADISON – 1995; y otras más recientes que tratan el mismo tema que siempre conmueve al público femenino de tercera edad.

La circunstancia en que una mujer casada desde hace tiempo se encuentra sola, con el marido distante, y conoce a un hombre maduro y también solitario, con el cual comienzan a enamorarse.

Tal vez porque evoca el cuasi romance que algunas espectadoras mayores vivieron, que nunca se consumó, y quedó incrustado en sus memorias. Lo que PUDO SER y guardaron para siempre secretamente escondido en sus fantasías.

En lo demás es una película muy lenta, sin conflicto, salvo el tedio ante la soledad esperando que su marido viniera a reunírsele, a la incomodidad frente a los aaudaces piropos callejeros de los hombres, al calor de la ciudad, y al natural coqueteo de la protagonista frente al único hombre encargado de protegerla.

Sin duda la guionista y directora Ruba Nadda (NCIS, Los Angeles) y Patricia Clarkson (La Librería 2017 – Amigos con Beneficios 2011 Dogville 2003) se afiataron emocionalmente haciendo esta obra en un país lejano, tan diferente a EE.UU. y lleno de historia milenaria.

Expresó la directora en una entrevista: “Disfrutamos haciendo este cuento romántico tan delicioso, sereno, lánguido y moralmente inofensivo”. Y lo lograron a costa de la paciencia de la mayoría de los espectadores masculinos.

UN CUASI ROMANCE LENTO, CON BELLOS ESCENARIOS, QUE FUE SUPERADO EN MUCHOS FILMES ANTERIORES.

Ficha técnica


Romance, turismo 
Cine Arte Galería Patricia Ready 
Canadá, Irlanda, Egipto – 1,30 hrs. 
Fotografía: Luc Montpellier 
Edición: Teresa Hannigan 
Música:Niall Byrne 
Diseño Prod.: Tamara Conboy, Hamed Hemdan 
Actores: Patricia Clarkson, Alexander Siddig, Elena Anaya 
Directora y Guionista: Ruba Nadda

Mi Ex es un Espía - Por Juan Pablo Donoso

Simpática y feminista, en el grato sentido de la palabra.

Un par de amigas solteras, Audrey y Morgan, que recién cumplieron 30 años, sienten que ya sus vidas ofrecen pocas emociones. Peor aun cuando Drew, el novio que recién le ha dado calabazas, resulta muerto a tiros por asesinos que escapan.

Moribundo, el novio le confía a Audrey (Mila Kunis) una misteriosa misión de espionaje para evitar peores masacres.

Ambas amigas deciden cumplir el encargo del fallecido Drew, viajar a Viena y entrevistarse con un tal Sebastián, y sentirse participando en una excitante aventura.

Pero en el mismo distinguido restaurante vienés los hechos se precipitarán cuando se inicie una balacera entre bandos enemigos.

De ahí en adelante, y en posesión de una controversial estatuilla, las amigas deberán escapar y – en especial – desconfiar de toda persona con que tomen contacto, por muy protector que parezca. En la figurita hay un chip que esconden donde sólo la mujeres pueden hacerlo...

Las persecuciones tendrán lugar en ciudades tan diversas como Praga, Amsterdam, Londres y otras.

Como de todas partes surgen fieros agresores, hasta una supuesta oficina del FBI en Europa es una potencial amenaza.

Lo que comenzó como un jueguito de seudo espionaje tomará ribetes de epopeya internacional. Y las dos amigas descubrirán que son más astutas de lo que creían, y capaces de hazañas dignas de los más osados agentes secretos, tipo James Bond.

La inteligencia de los periplos, la agilidad del montaje, las constantes sorpresas y la simpatía de ambas actrices nos involucran junto a ellas en estos episodios demenciales.

A Mila Kunis ya lo conocíamos en filmes como Cisne Negro (2010) y El Club de las Madres Rebeldes (2016), pero con entusiasmo destacamos el carisma y talento de Kate McKinnon como Morgan. Es una comediante estadounidense, famosa por imitar personajes prominentes. Celebrada es su caracterización de Hilary Clinton. Cultiva la especialidad de nuestro compatriota Stefan Kramer.

En las correrías insertan chistes ingeniosos y algo subidos de tono. Hasta incluyen, para resolver emergencias, la presencia de Edward Snowden, el ex-hacker de fama mundial, consultor tecnológico, y empleado de la CIA y de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional).

Entre los sicarios hay una exótica réplica de Nadja Comaneci (Ivanna Sakhno) quien, previas sofisticadas escenas, protagoniza un duelo de trapecios cerca del clímax final.

La directora y guionista Susanna Vogel (Life Partners – 2014) domina su oficio y, más aún, cuando crea vorágines de mujeres, cuyos talentos van a la par con sus locuras.

Desde su perspectiva femenina los hombres somos unos simplotes forzudos, más dignos de ser amados que admirados.

Ideal para un vuelo largo en avión. Hará más corta la travesía.

LOGRADA COMEDIA DE ESPIONAJE CON UN MARCADO HUMOR FEMENINO.

Ficha técnica     

Título Original: The Spy who Dumped Me 
Comedia, acción BFDistribution EE.UU. – 1,57 hrs. 
Fotografía: Barry Peterson 
Edición: Jonathan Schwartz 
Música: Tyler Bates 
Diseño Prod.: Marc Homes 
Guion: Susanna Fogel, David Iserson 
Actores: Mila Kunis, Kate McKinnon, Justin Theroux, Ivanna Sakhno 
Directora: Susanna Fogel

22/8/18

Madame - Por Musia Rosa

Un matrimonio norteamericano, Ann (Toni Colette) y Bob (Harvey Keitel), se instala en París y decide celebrar una cena con invitados de la alta sociedad parisina y americana. Madame, la dueña de casa, al darse cuenta que serán 13 en la mesa, decide incorporar a María, una de sus empleadas domésticas, haciéndola pasar por una rica dama española, pero advirtiéndole que se mida en el comer, beber y hablar, para pasar desapercibida.

María (Rosy de Palma) no cumple con el pedido de Madame y se entusiasma en su nuevo rol y atrae a uno de los importantes invitados, David Morgan (Michael Smiley) aristócrata británico, quien se deslumbra con ella y la invita a salir.

La dueña de casa, molesta con esta situación, se esfuerza por impedir el inesperado romance, suscitando la siguiente frase que María le espeta a Madame “soy una mujer, no una empleada, valgo lo mismo que usted”.

El nudo del filme se centra en las dos mujeres, al confrontarse la hipocresía y disconformidad de Ann (Toni Colette) la madame, con la sencillez y espontaneidad de María (Rosi de Palma), en una comedia de enredos, dramática, entretenida e ingeniosa, donde la musa de Almodóvar, deslumbra con su simpatía y solvencia actoral.

La correcta ambientación se luce con la hermosa fotografía, en tanto, la adecuada banda musical de Matthieu Gonet acompaña con mesura y elegancia la atmósfera que necesita la historia.

En un final sublime, todo lo acontecido se capta y evapora, con la suave sonrisa de María….alejándose del lugar.

Un guiño a La Cenicienta de Charles Perrault, con gusto a poco, pero que embelesa igual.

Ficha técnica

País: Reino Unido
Año: 2017
Distribuidor:
Duración: 91 minutos
Calificación:
Género: Drama y Comedia
Elenco: Harvey Keitel, Rossy de Palma, Tom Hughes, Toni Colette.
Música: Matthieu Conet
Dirección y Guión: Amanda Sthers

16/8/18

Secretos Ocultos - Por Carlos Correa

Ópera prima escrita y dirigida por Sergio G. Sánchez, esta película española del año 2017 cuenta la historia de una madre y sus cuatro hijos que llegan a una granja abandonada en Estados Unidos en 1969 luego de un largo viaje desde Europa. Los cuatro hermanos Marrowbone, Jack, Billy, Jane y Sam han decidido permanecer escondidos tras la repentina muerte de su madre a poco tiempo de haberse instalado en su nuevo hogar. Quieren dejar atrás el pasado, olvidar definitivamente a su padre y recomenzar desde cero, sin embargo los acecha una extraña presencia que los atormenta día y noche.

La cinta está construida en base al misterio de esta familia. No sabemos los detalles, desconocemos su historia y solo vamos atando los cabos en la medida que el metraje avanza y se develan ciertos aspectos que son bastante mínimos por lo demás. Logramos adivinar algunos movimientos, sin embargo la mayor parte del relato nos oculta el trasfondo de los personajes.

El guion de Sánchez es débil. Solo una certera cámara, algunos primeros planos y actuaciones diligentes permiten mantener algún grado de tensión. La película se hace extensa ya que mayormente su realización es en base al desarrollo de movimientos, lugares y escasos diálogos que más que nada dan cuenta del entorno más que de la profundidad de sus personajes.

Hay mucha similitud con cintas destacadas y temáticas que recordamos. “El orfanato” resulta extremadamente familiar y claro, Juan Antonio Bayona su director, es ahora productor. También, varios de los movimientos clásicos del género están presentes en “Marrowbone”, lo que sin duda no va a decepcionar a los fans de estos thriller.

No obstante su evidente planicie narrativa, la película se encarga de sostener un interés que la hace avanzar lentamente. Los 109 minutos de duración se hacen largos, sobre todo cuando el conflicto aparece explícitamente y su desarrollo argumental se configura con una lentitud asombrosa.

“Secretos Ocultos” se observa como una película inmadura, que no logra cuajar correctamente. Es como si su cocción se hubiera apresurado y con ello los elementos no terminaron de encajar adecuadamente. Esto es aun más palpable al encontrarnos con una idea que no resulta original, con un desarrollo previsible y con un final que puede sorprender solo si no estamos lo suficientemente atentos a las luces que en el transcurso de la trama fueron claramente entregadas.

Ficha técnica

Título original: El secreto de Marrowbone
Año: 2017
Duración: 109 minutos
País: España
Productora: Telecinco Cinema / Lions Gate International
Género: Terror. Thriller. Drama | Familia. Años 60. Vida rural (Norteamérica)
Guion: Sergio G. Sánchez
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Xavi Giménez
Reparto: George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Anya Taylor-Joy, Matthew Stagg, Kyle Soller, Nicola Harrison, Tom Fisher
Dirección: Sergio G. Sánchez

Secretos Ocultos - Por Juan Pablo Donoso

La realización audiovisual y las actuaciones son mejores que el guion. El español Sánchez debió tener co-autores.

La idea del argumento es cálida y sugerente. Además, tuvo el buen criterio de evitar los habituales “screamers” (estruendos súbitos e imágenes monstruosas), hechos para que el espectador salte en la butaca sin previo aviso.

Lo que comienza como un doloroso planteamiento familiar se va enredando a tal punto de cansarnos tratando de armar un rompecabezas innecesario.

Cuatro hermanos - tres adolescentes y un niño - hijos de un asesino prófugo en Inglaterra, juran ante su madre moribunda jamás separarse. Viajan a EE.UU. y se instalan en una vieja casona de campo en lo alto de una colina. Permanecerán así hasta que el hijo mayor, Jack, alcance la mayoría de edad y disponga del dinero familiar escondido.

Poco a poco comenzarán extraños fenómenos paranormales en la casa. Un abogado codicioso los amedrenta con desalojarlos a cambio de que paguen un elevado seguro.

Durante gran parte del desarrollo nada trascendental ocurre. Sólo se acumulan pequeños incidentes subliminales. Nos mantienen a la espera de que, por fin, reviente algo claro y espeluznante. Cuando ello ocurre, cerca del final, han sido tantos los raccontos confusos y los diálogos ambiguos, que la resolución nos deja con más dudas sobre lo que fue real o pura esquizofrenia del hermano mayor.

Valoramos el carisma de tres actores: el niño Sam (Matthew Stagg, de muy corta edad); Jane, la hermana adolescente (Mia Goth – Wallander), que actúa más por presencia que con acciones; y, la inclusión de Allie (Anya Taylor-Joy – Fragmentado), una especie de novia/vecina del protagonista quien, dotada de unos inmensos ojos negros, dice más con ellos que con su errático significado final en la trama.

FILME DE TERROR PARA LOS QUE GUSTEN DESCIFRAR CLAVES CONFUSAS. DEMASIADO OCULTOS LOS SECRETOS. LE FALTÓ COCCIÓN.

Ficha técnica

Título Original: Marrowbone 
Drama, terror, suspenso 
Cinecolor Films España – 1,50 hrs. 
Fotografía: Xavi Giménez 
Edición: Elena Ruiz 
Música: Fernando Velázquez 
Diseño Prod.: Patrick Salvador 
Actores: George MacKay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton 
Guionista y Director: Sergio G. Sánchez

La Última Princesa - Por Juan Pablo Donoso

Para quienes recuerden EL ULTIMOS EMPERADOR (1987) de Bernardo Bertolucci, este filme coreano resultará inferior.

Sin embargo, tiene muchos méritos y también algunas lamentables concesiones.

Sus virtudes son enseñar un drama histórico que muy pocas personas en Occidente conocen: la ocupación de Corea por el Imperio Japonés a comienzos del siglo 20. La prolija y hermosa recreación de época, de los palacios imperiales y profusión de fastuosos vestuarios. Algunas conmovedoras actuaciones como la de Ye-jin Son, en diversas edades), su madre, la dama de compañía (Mi-ran Ra), y algunos personajes masculinos cuando jóvenes (Hae-il Park como Jang-han), el amor platónico de la protagonista.

La realización es cuidada y experta. El ritmo es fluido y se sigue con interés a pesar de las 2, 07 horas de duración. El acertado uso de raccontos ayuda a la variedad del relato, que cubre más de 40 años de sumisión. Se entienden con claridad también los avatares políticos, a pesar de excluir por completo el período de la Guerra de Corea de los años 50.

Donde pierde nivel la película es en la opción maniquea del guion. Episodios que, por darle más acción a la trama, caen en recursos casi de filmes de matinée. El Primer Ministro, además de traicionar a su patria con canalladas diplomáticas, dispara armas como el peor de los vaqueros de EE.UU. y gesticula como “malvado” caricaturesco de principio a fin.

Pero cuando las secuencias aluden al dolor verdadero de aquella Princesa Deok-hye (1912 – 1989) y su hermano, que fueron “protocolarmente” raptados y humillados por el Imperio invasor, el filme adquiere el nivel emotivo que nunca debió condescender.

Por su valor histórico, y por tantos momentos de tortura emocional de esos príncipes y de sus súbditos, el argumento tiene elementos de sobra para constituir una teleserie de gran categoría.

El mérito culminante del filme es que hace llorar a gran parte del público femenino.

UN TROZO POCO CONOCIDO DE HISTORIA, CON EXCELENTE REALIZACIÓN, PERO QUE BORDEÓ EL FACILISMO TAQUILLERO.

Ficha técnica

Título Original: Deokhyeongju 
Cine Arte Galería Patricia Ready
Biografía, drama, acción y romance 
Corea del Sur – 2,07 hrs. 
Fotografía: Tae-yun Lee 
Edición: Na-young Nam 
Música: Yong-rak Choi, Sung-woo Jo 
Diseño Prod.: Hwa-seong Jo 
Guion: Jin-ho Hur, Bi-Young Kwon 
Actores: Ye-jin Son, Hae-il Park, Mi-ran Ra 
Director: Jin-ho Hur

15/8/18

Dios no está muerto 3 - Por Carlos Correa

El pastor Dave -David A.R. White- se encuentra ante un gran dilema. Su iglesia está adosada a un Campus Universitario y es el centro de las críticas por parte de quienes no quieren que siga estando allí señalando que la religión nada tiene que ver con el mundo de la academia. Es tanta la resistencia que la construcción resulta quemada y en el incendio muere su amigo, el recientemente nombrado co-pastor de la iglesia.

Es inevitable comparar esta tercera parte con la idea original del 2014. La distancia es demasiado grande y la verdad es que de aquella ya no queda nada, salvo el título. El relato de la historia es bastante plano, con un ritmo que no alcanza un recorrido que logre capturar la atención. Incluso el conflicto y sus detonantes están bastante contenidos, lo que no entrega herramientas suficientes para que la película despegue.

Es cierto que el mensaje es importante y para quienes creemos en Dios, ello nos puede regocijar. Sin embargo, la pregunta de siempre es si esta forma de contar historias con contenido cristiano es la adecuada para llegar a un público cada vez más distante y que ante los primeros signos de beatería sale huyendo.

Si lo interesante de la primera entrega era un disputa intelectual sobre las convicciones personales, en esta cinta dirigida por Mike Mason el centro está puesto netamente en lo emocional. En ese sentido todas las relaciones personales marcan la historia: los hermanos distanciados, los novios separados, la comunidad universitaria en conflicto, los grupos contrarios y a favor de la iglesia en su interior, el poder autoritario de la junta directiva, la amistad-enemistad rector-pastor, etc.

La expectativa con que llegamos a presenciar “Dios no está muerto 3” se diluye rápidamente. A pesar de ser una producción bien hecha, con buena filmación, actuaciones correctas y música adecuada, la historia es difícil que trascienda en comunidades no cristianas. El contenido es súper claro, está nítidamente expuesto, pero difícilmente logre conmover en un mundo donde los sentidos están mucho más dirigidos hacia los gestos y hacia las acciones más que en los discursos, los sermones o las simples palabras.

Hay un debe en esta cinta. Cierra una saga y por lo mismo nos puede hacer reflexionar sobre la mejor manera de contar historias cristianas. Aún estamos haciéndolo desde la propia centralidad, mirando desde dentro hacia afuera, o en el mejor de los casos desde mundos completamente separados. La realidad es actualmente compleja y ello nos obliga a leerla de muy diferente manera para poder expresar convicciones profundas como lo que significa la fe en la persona de Jesucristo. Espacio existe, las posibilidades están. La idea es que estas cintas no sean solamente para un público interno sino que tiendan puentes con otros mundos, con otros pensamientos y que en conjunto impulsen a una reflexión más profunda. Esto es sin duda un tremendo desafío, sin embargo estimo que se puede lograr, con audacia, creatividad y atrevimiento.

Ficha técnica

Título original: God's Not Dead: A Light in Darkness
Año: 2018
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pure Flix Productions. Distribuida por Pure Flix Entertainment [USA]
Género: Drama
Guion: Howard Klausner, Mike Mason
Música: Pancho Burgos-Goizueta
Fotografía: Brian Shanley
Reparto: Jennifer Taylor, John Corbett, Ted McGinley, Tatum O'Neal, Shane Harper, David A.R. White, Anne Leighton, David Maldonado, Barry Clifton, Mark Sivertsen, Cissy Houston, Dean Denton, Buddy Campbell, Frederick Keeve, Rhonda Johnson Dents, Jude S. Walko, Kay Smith, Angela Sherrill Merriott, David Slayter, Greg Fallon, Lance J. Gosnell, Rick Vyper, Justin Garton, Robert Babcock, Trey Gibson, Nancy Carter, Alyson Courtney, V. Duwane Ledbetter, Toby L. Wilson, Leslie Dianne, Becky Bartlett, Adam Marsden, Misty Jezierski, Jacqueline Baker, Sir Salonis, Vaughn Collar, Emily Mullins, Lesa Wolfe, Dawn Slayter Rogers, Berkeley Courtney-Moore, Tina Riley Johnson, Tina Jones, Kevin Lemar Riley
Dirección: Mike Mason

11/8/18

SIGNIS Chile entregará premio en SANFIC 14

La Asociación de Comunicadores chilenos, SIGNIS Chile, volverá a tener un jurado especializado de cine en la decimocuarta edición de Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC 14, organizado por Fundación CorpArtes y producido por Storyboard Media, que tendrá lugar entre el 19 y 26 de agosto.

La exhibición tendrá cerca de 100 producciones, entre las que destacan atractivos estrenos de cine nacional e internacional, entre los que se encuentran 7 estrenos mundiales y 25 premieres latinoamericanas.

El jurado de SIGNIS Chile, conformado por su Presidente Juan Pablo Donoso y por Carlos Correa entregará el premio SIGNIS en la Competencia Internacional que cuenta con nueve producciones: Doubtful (Israel), de Eliran Elya; Dovlatov (Rusia), de Aleksey German; Dry Martina (Chile – Argentina), de Che Sandoval; El motoarrebatador (Argentina – Uruguay – Francia), de Agustín Toscano; La música de las esferas (Cuba – Estados Unidos), de Marcel Beltrán; Las herederas (Paraguay – Alemania – Brasil – Uruguay – Noruega – Francia), de Marcelo Martinessi; Marilyn (Argentina-Chile), de Martín Rodríguez Redondo; Sauvage (Francia), de Camille Vidal-Naquet; The Cleaners (Alemania Brasil), de Hans Block y Moritz Riesewieck.

El Premio SIGNIS está representado por jurados acreditados en los más importantes festivales del mundo: Cannes, Berlín, Montecarlo, Venecia, San Sebastián, Mar del Plata, La Habana. Esta presencia activa y constante en el cine, busca principalmente promover y fomentar la presencia en el cine de valores artísticos, culturales, sociales, éticos, y de solidaridad, valores humanos universales que permiten la promoción humana.

La muestra de SANFIC 14 será exhibida en Cine Hoyts Plaza Egaña, Los Domínicos e Imperio, en la Cineteca Nacional y en CorpArtes. La entrada general tiene un valor de $3.000, y, desde el 3 de agosto, se pondrán a disposición abonos para estudiantes y tercera edad a $9.000 (5 entradas), y abonos para público general a $12.500 (5 entradas).

Fuente: SIGNIS Chile

9/8/18

Lo que de verdad importa - Por Carlos Correa

¡Qué difícil es rescatar y reconocer lo positivo hoy en día! Y esto es lo primero que hace esta cinta pues es 100% benéfica. Dona toda su recaudación a los niños enfermos de cáncer a través de Fundaciones especializadas en cada país de exhibición.

Este largometraje del director español Paco Arango se propone, además, algo especial. Nos invita a conmovernos y a transformarnos a través de la historia de Alec -Oliver Jackson-Cohen-, un ingeniero mecánico inglés que vive desenfrenadamente y que está a punto de perder su tienda de reparaciones eléctricas. De la nada aparece un tío -Jonathan Pryce- que le ofrece un trato que no puede dejar pasar: pagar todas sus deudas a cambio de trasladarse a Canadá, específicamente a Nueva Escocia, la tierra de sus antepasados, por el lapso de un año. Alec acepta, no muy convencido, este viaje que cambiará su vida.

El guion escrito por el mismo Arango no entrega muchas sorpresas ya que indudablemente lo que sucede es previsible. El realismo mágico se hace presente en cada una de las interacciones del protagonista con su nuevo entorno. Lo recibe una chica guapa -Camilla Luddington- que le ayuda a publicar un aviso para establecer el negocio que autodenomina “el curandero” -igual nombre del que tenía en Inglaterra- ya que él es capaz de reparar cualquier artefacto electrónico descompuesto. Sin embargo el aviso no especifica esto de “aparato”, por lo que al día siguiente hacen fila en su casa varias personas que acuden a este recién llegado curandero porque confían en curarse de dolencias y enfermedades. A la sorpresa inicial, a Alec le sobreviene un incómodo descubrimiento. Al parecer es poseedor de un don que efectivamente logra sanar a las personas que acuden a él y a poco andar su tío le entrega detalles al respecto. Esto corresponde a una tradición de familia, desde tiempos ancestrales, y Alec debe tomar la posta. ¿Lo hará?

La cinta tiene un bello mensaje sin ninguna duda. No obstante aquello, falla en su construcción y en el desarrollo del relato. En varios momentos se aprecian ciertas desconexiones que hacen perder continuidad, los conflictos no alcanzan a expresarse correctamente y todo se va resolviendo sin mayor tensión. El fondo argumental es encomiable, sin embargo la composición dramática no sustenta una historia que merece un tratamiento más profundo y elaborado. El nivel de producción es bueno y es otra de las razones por las que el metraje se percibe liviano. Los elementos están en su lugar pero algo falta, algo que genere un pulso vital, que capture de otra forma nuestra atención.

A pesar de sus ripios, “Lo que de verdad importa” se las arregla para transmitir su mensaje. Dedicada a Paul Newman, la cinta es un aporte para intentar comprender la realidad de una enfermedad que aún está asociada a una muerte casi segura. También podemos percibir lo importante que es la lucha contra esta enfermedad y lo vital que significa para ello una actitud positiva y los deseos de salir adelante, superarla y sobrevivir. De hecho, es justamente este íntimo convencimiento de las personas de que efectivamente pueden ser curadas y salvadas, el valor más destacado de la película. Es un llamado a mirar en positivo, a tener una actitud diferente frente a la adversidad y a transformarnos en agentes de vida. Esto último, sumado a su carácter benéfico, ya es razón suficiente para ir a verla en el cine. No dejemos pasar la oportunidad de colaborar y de dejarnos tocar por un mensaje positivo en medio del mundo actual donde lo negativo, los desastres, la violencia y la desconfianza no nos dan tregua.

Ficha técnica

Título original: Lo que de verdad importa
Año: 2017
Duración: 113 minutos
País: España
Productora: ESP-62 Producciones / Topsail Entertainment
Género: Drama. Comedia. Fantástico | Realismo mágico. Religión. Enfermedad
Guion: Paco Arango
Música: Nathan Wang
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Reparto: Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington, Kaitlyn Bernard, Jonathan Pryce, Jorge Garcia, Adrian G. Griffiths, Brian Downey, Suresh John, Richard Donat, Glenn Lefchak, Pasha Ebrahimi, Jackie Torrens, Nikki Barnett, Gay Hauser
Dirección: Paco Arango