viernes, 30 de junio de 2017

El Círculo - Por Carlos Correa

Basada en la novela del mismo nombre escrita el año 2013 por Dave Eggers, “El Círculo” narra la historia de la joven Mae Holland -Emma Watson- quien es contratada por la empresa líder de Internet, oportunidad que se le presenta como vital su desarrollo personal y profesional. Mae comienza haciendo lo que sabe, que es atención al cliente. Una amiga suya ya trabaja en la compañía. Ella le ha conseguido la entrevista y ocupa un alto cargo que la obliga a viajar por todo el mundo.

“The Circle” es una película que pudo ser. La historia es muy interesante y suponemos que el Best Seller debe ser entretenido y provocador a pesar que podemos imaginarnos que la estructura puede no ser novedosa ni innovadora. Sin embargo, la historia no basta. El argumento de la cinta se va derrumbando en la medida que avanzan los minutos. Lo que promete acción se queda inmóvil. La tensión no existe y el desarrollo de la principal temática queda abandonado a una suerte de estado de “desconexión”.

No obstante lo anterior, el gran mérito del relato es justamente poner en lenguaje juvenil y moderno uno de los temas más importantes que la era digital ha provocado en nuestra forma de relacionarnos. Lamentablemente, es justamente la forma de abordarlo lo que hace sucumbir la película y a pesar de intentar levantar el vuelo, tropieza y se cae.

La privacidad versus la transparencia es aquí lo trascendente. El Círculo, la empresa, sueña con diferentes formas de tecnología que permitan aumentar la observación de todas las personas y de todo lo que ocurre. La teoría es que si las personas nos sabemos observadas, actuaremos bien. Es decir, los secretos son mentiras y mientras esté todo cada vez más al descubierto, el control social será lo que regule nuestros actos. Peligrosa teoría, sin duda, pero que en ciertos ámbitos puede hasta ser razonable. El punto es que ni el director ni los actores logran dotar a la cinta de un ritmo y convicción adecuados. Las reflexiones se diluyen y se incluyen tantos temas (hasta el registro de todos los ciudadanos y su voto obligatorio por dar un ejemplo) que pierde efectividad, emoción y vitalidad.

Pudo ser una buena película. Podría haber profundizado en temas actuales para los que no tenemos respuestas ni menos recetas. Pudo ser una oportunidad para la dupla Watson - Hanks pero no resultó. Podría haber sido más provocadora (como lo fue “Nerve”) pero ni siquiera alcanzó a generar mayor reflexión. Pudo ser tantas cosas y lamentablemente no consiguió ninguna.

Insisto en un aspecto medular. La idea central está, nos preocupa, no sabemos qué hacer y probablemente estamos permanentemente buscando soluciones. Por ahora seguimos caminando por un mundo que todos los días nos depara algo nuevo, algo distinto, y que si no es así, nos aburre fácilmente. Parecemos estar inmersos en un reality permanente, provocado por nosotros mismos, a veces intencionalmente y a veces sin querer. ¿Cuán conscientes somos de lo que vivimos? ¿Hacia dónde vamos en este mundo digital? ¿Nos respetamos? ¿Nos dejamos pautear por el rating de los “social media”? Si al menos quedamos con las inquietudes, ya será un grano de arena aportado a la discusión de fondo.

Ficha técnica

Título original: The Circle
Año: 2017
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Género: Ciencia ficción. Thriller. Internet. Informática
Guión: James Ponsoldt, Dave Eggers (Novela: Dave Eggers)
Música: Danny Elfman
Fotografía: Matthew Libatique
Actores: Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega, Karen Gillan, Bill Paxton, Patton Oswalt, Ellar Coltrane, Ellen Wong, Nate Corddry, Jimmy Wong, Poorna Jagannathan, Kelli Barksdale, Allyson Nicole Jones, Amir Talai, Regina Saldivar
Director: James Ponsoldt

jueves, 29 de junio de 2017

El Círculo - Por Juan Pablo Donoso

“Los secretos son mentiras, por lo tanto, deben suprimirse”. De esta consigna moral se desprenden las consecuencias de este drama.

Una potente empresa multinacional de comunicaciones llamada El Círculo – especie de Google muy evolucionada – sostiene que la verdadera democracia consiste en visualizar a todas las personas del planeta y, por ello, conocer sus vidas privadas al máximo detalle. Así los individuos se verán obligados a ser honestos, transparentes, y cualquier accidente o delito será detectado, y evitado, con anticipación.

En ORWELL se trataba de la dictadura de un todopoderoso que tenía a la humanidad sometida y sin libertad. El Círculo, por el contrario, sublima la libertad de la democracia permitiendo que todos sepan lo que hacen los demás y así cada cual será responsable de sus actos ante la sociedad.

Una muchacha de provincia, Meg, experta en comunicaciones postula a esta magna empresa y tiene el honor de ser aceptada.

Una vez adentro, los compañeros la acogen por su talento y pasa a ser mimada del propietario de la institución (Tom Hanks) quien, mediante charlas demagógicas mantiene a sus funcionarios convencidos de que trabajan en un paraíso, en una utopía maravillosa gracias a la ubicuidad tecnológica.

Poco a poco Meg (Emma Watson) irá descubriendo los hilos ocultos que manejan esta hipócrita conquista social. Más aún, cuando algunos hechos de su propia vida familiar son expuestos al mundo, como las relaciones sexuales de sus padres. Y más tarde unos “entusiastas vecinos”, sin mala intención, provocarán la muerte accidental de un amigo de su infancia. Estas y otras pistas gatillarán en ella, junto a la decepción, un astuto plan para, con los mismos instrumentos cibernéticos, desenmascarar la perversión de los dueños del sistema. Pero la semilla de una tecnología capaz de controlar la intimidad de los individuos ya fue sembrada. Y por mucho que nuestra heroína intente aislarse remando su kayak solitario en la bahía de San Francisco, habrá drones volando sobre ella, cuidándola y vigilándola, para protegerla de algún eventual accidente…

La adaptación cinematográfica de la novela de Dave Eggers es ágil, bien producida (US$ 18.000.000), con actores de calidad, y logra provocar en el espectador una serie de reflexiones sobre el poder que las comunicaciones pueden ejercer sobre la libertad de las personas. Es posible que después de ver la cinta, muchos la recuerden cuando vuelvan a encender sus teléfonos celulares.

AMENA, BIEN REALIZADA, Y PREVISORA DE LOS PELIGROS SOCIALES QUE PUEDE ACARREAR LA TECNOLOGÍA COMUNICACIONAL.

Ficha técnica


Título Original: The Circle 
 Cine Color Films 
 Ciencia ficción, suspenso 
 Emiratos Arabes – EE.UU. – 110 minutos 
 Fotografía: Matthew Libatique Edición: Lisa Lassek, Franklin Peterson 
 Música: Danny Elfman 
 Guionistas: James Ponsoldt y Dave Eggers (novela) 
 Actores: Emma Watson, Tom Hanks , John Boyega 
 Director: James Ponsoldt

Viene de Noche - Por Juan Pablo Donoso

“A lo que más debemos temer es al Miedo Mismo”.

¿Qué o quién Viene de Noche? Ni los personajes ni menos nosotros lo sabremos jamás. Sólo presenciamos el ciego e irracional instinto de SOBREVIVENCIA. Lo demás es misterio y terror.

Este filme logra su objetivo si uno entra en el juego paranoico que propone. Genera “terror existencial”. Casi sin recurrir a “screamers” (golpes súbitos de sonido o imágenes monstruosas), crea una atmósfera demencial. Sorda. Donde todos se sienten amenazados por algo incomprensible. Sólo saben que es una peste virulenta, contra la cual se protegen con máscaras y guantes. Nadie entiende, en realidad, lo que está sucediendo. Gracias a la música, al ritmo pausado de montaje, a la iluminación que incluso de día luce fantasmagórica, y a las actuaciones refrenadas pero intensas, el joven director y guionista Trey Edward Schults (Krisha,2015) nos mantiene alertas, temiendo que en todo momento pueda suceder algo peor.

Una familia, padre, madre e hijo adolescente, viven aislados en una cabaña del bosque. Son los sobrevivientes de una epidemia que ha extinguido a casi toda la población de las ciudades. El abuelo recién ha fallecido y debió ser incinerado en el bosque cercano. De pronto, adentro de la cabaña aparece un extraño en busca de agua. Cuando se aseguran que es inofensivo, luego de torturarlo brutalmente, lo dejan traer a su esposa y a su pequeño hijito. Ahora conviven ambas familias con las gallinas que aportó el forastero. Pero una vez allí los dueños de casa comienzan también a sospechar de la nueva pareja. El hijo adolescente comienza a tener pesadillas sádico-eróticas. La amenaza de contaminación los va desquiciando a todos hasta culminar con una masacre de sangre y desquicio.

Evita ser un típico filme comercial de monstruos. Predomina lo atmosférico y la angustia visceral.

Sin duda Shults sabe contar historias más de miedo psicológico que de sobresaltos visuales. Utiliza, como guionista, incógnitas que ni los personajes ni el espectador saben cómo explicar y que tampoco él resuelve. Sin embargo, nos envuelve con el manejo del ritmo, con la desazón de los personajes y con el tratamiento alucinado de la luz para el cual utilizaron una técnica especial.

Deliberadamente los eventos carecen de motivaciones claras, y ello tal vez para demostrarnos que el peor de los miedos es el pavor al Miedo mismo.

LOGRADA REALIZACIÓN QUE NOS SUMERGE EN LAS PROFUNDIDADES SINIESTRAS DEL MIEDO IRRACIONAL.

Ficha técnica

Títuilo Original: It Comes at Night 
Diamond Films Terror, suspenso 
EE.UU. – 91 minutos 
Música: Brian McOmber 
Fotografía: Drew Daniels Edición: Mathew Hannam y Trey Edward Shults 
Actores: Joel Edgerton, Christopher Abbott, Carmen Ejogo, Riley Keough, Kelvin Harrison Jr.
Director y Guionista: Trey Edward Shults

Un Toque de Canela - Por Juan Pablo Donoso

Película concebida con la mente y realizada con el corazón.

Como toda gran obra de arte, es difícil traducir con palabras su efecto emocional.

Nos entrega situaciones tanto familiares como políticas, (la guerra entre turcos y griegos), y a la vez nos envuelve con un manto de humor, tristeza y sabiduría. (¿conformidad?)

Para disfrutarla, sólo hay que dejarse llevar por sus personajes, ambientes, ciudades, costumbres y circunstancias; y todas estas cosas nos impregnarán con su penetrante y poética realidad.

Comienza y termina planteando un vínculo semántico – y existencial - entre la Astronomía y Gastronomía.

Su director y guionista, el griego Tassos Boulmetis, puso mucho de autobiográfico en este relato.

A partir del sabor de las comidas, hay una luminosa conjunción entre el devenir histórico, la guerra, el despertar del amor y la astronomía, como factores vinculantes del milagro de crecer.

Un niño, Fanis, hijo de griegos radicados en Estambul, tiene un abuelo que es a la vez filósofo y cocinero. Le inculca que tanto la vida como los alimentos requieren de una pizca de sal… y de un mágico toque de ALIÑO. Y con esta temprana visión de mundo, Fanis iniciará su proceso de transformarse en hombre.

Vendrá el exilio de Turquía a Grecia dejando atrás lazos familiares y el primer amor infantil. Y Fanis construirá su futuro con la savia poética de su abuelo.

Volverá años más tarde a la tierra turca de su infancia, intentará retomar los lazos afectivos cercenados por la guerra, y comprenderá que, a pesar de haber madurado, aún le faltó agregar aquella pizca luminosa de condimento a su propia vida.

Estupendas actuaciones de niños, adultos y ancianos, deslumbrantes paisajes, música auténtica de las regiones, y un pulso de montaje que entra en sintonía con nuestros propios corazones.

En la pureza del relato, el sabor por los eternos valores de la existencia va tejiendo en nosotros, de manera subrepticia, un manto de ternura que, junto con hacernos reír a ratos, nos deja, al finalizar, con una extraña emoción: una mezcla agradecida de lágrimas y sonrisas.

BELLÍSIMA Y EMOCIONANTE EN SU POÉTICA SABIDURÍA.

Ficha técnica

Título Original: Politiki Kouzina 
Título en Inglés: A Touch of Spice 
Cine-Arte Galería Patricia Ready 
Drama costumbrista, romance 
Grecia - Turquía
108 minutos 
Música: Evanthia Reboutsika 
Fotografía: Takis Zervoulakos Edición: Yorgos Mavropsaridis 
Actores: Georges Corraface, Ieroklis Michaelidis, Renia Louizidou 
Director y Guionista: Tassos Boulmetis

sábado, 17 de junio de 2017

Las Inocentes - Por Juan Pablo Donoso

Un caso verdadero, profundamente femenino, que contrapone dilemas de la fe, con la moral y la maternidad.

Durante la 2ª Guerra Mundial un grupo de soldados rusos irrumpió varias veces en un convento polaco y violó a casi todas las monjas.
Nueve meses después comenzaron los partos. 

La historia comienza cuando una de las internas sufre fuertes contracciones. Una novicia atraviesa los bosques nevados y llega a un hospital de campaña de la Cruz Roja francesa.

Ante la insistencia de la novicia, una de las principales arsenaleras va al convento y se ve obligada a practicar una cesárea a la parturienta. Poco a poco se sucederán los nacimientos y la enfermera, junto a su novio médico judío, trabajarán con ahinco para atender a tan catastrófica consecuencia.

En principio - aparte del horror de haber sido violadas con tal salvajismo - la etapa obstétrica pudo ser sólo un efecto de la brutalidad  de la guerra. Pero el antagonismo brota de la intransigencia de la Madre Superiora quien, a pesar de también estar contagiada de sífilis, se opone a la presencia de la enfermera y a difundir el escándalo que estos embarazos significarían para el convento y la congregación. Su intransigencia monástica contribuye a la estulticia de la situación. Otro tanto se percibe en la rigidez del Coronel francés a cargo del hospital ante la salida de su personal para atender a las monjas.

Gradualmente, la naturaleza atávica de aquellas mujeres se irá imponiendo sobre los prejuicios religiosos. A su vez, el idealismo comunista de la enfermera (Lou de Laage) sucumbirá bajo el instinto maternal de las ahora “madres” biológicas.

Muy bella fotografía, actuaciones contenidas que reflejan la profundidad de los sentimientos, exteriores invernales muy bien escogidos, y una atmósfera gélida dentro del convento que cae en lo aberrante sólo por la rigidez de aquella abadesa que le hace muy poco honor al apelativo de “Madre” Superiora (Agata Kulesza, quien también fue la dialoguista del filme).

El pulso lento  y reflexivo de esta co-producción marca el estilo habitual de los buenos filmes polacos. Por fortuna en esta ocasión el final es luminoso y redentor.

CONMOVEDOR  DRAMA  MATERNO-RELIGIOSO, MUY BIEN REALIZADO, Y VISCERALMENTE  FEMENINO.   

Ficha técnica

Les innocentes
2016
Francia y Polonia
119 minutos
Drama
Fotografía: Caroline Champetier
Música: Gregoire Hetzel
Guión: Alice Vial - Agata Kulesza (diálogos)
Actores: Lou de Laage – Agata Buzek – Agata Kulesza
Directora: Anne Fontaine

La mujer maravilla - Por Carlos Correa

Las películas de superhéroes son un género que parece no tener fin. En general son entretenidas, tienen grandes audiencias pero en general no son mayor novedad. Los efectos especiales brillan, las tramas suelen ser complejas y en general el guión decae, perdiendo interés en la medida que la cinta avanza hacia su desarrollo y conclusión. Sin embargo hay algo en esta nueva película que es diferente. Puede ser su tono “retro”, la centralidad femenina, la composición del ritmo del relato o bien todas las anteriores, lo que dota a esta película de una inusual novedad que hace recomendar verla en pantalla grande.

Diana -Gal Gadot- es una princesa de las Amazonas que ha sido entrenada para ser guerrera. Se nos relata su vida desde pequeña, donde su tía -Robin Wright, si, la mismísima, interpretando a la General Antiope- le enseña a escondidas a pesar de la resistencia de su hermana Hippolyta -Connie Nielsen-, madre de la pequeña. Viven en una idílica y protegida isla, habitada solo por mujeres, donde Diana crece y descubre sus poderes. Un piloto americano, el Mayor Steve Trevor -Chris Pine-, escapando de los enemigos, ingresa a este mundo protegido donde luego de hundir su avión en el mar, es rescatado por Diana. Son tiempos de la Primera Guerra Mundial, Steve es un espía y la confrontación está en un momento clave. Diana, al enterarse que el mundo está en conflicto, decide ir a enfrentar al Dios de la guerra para acabarla y restaurar la paz.

Lo interesante en términos argumentales se visualiza en varios aspectos. Diana es de otro mundo, por tanto su inocencia es algo que llama la atención de Steve, quien pacientemente acoge y responde las preguntas. La centralidad femenina es tal, que en este caso los papeles se invierten en relación a lo que estamos acostumbrados a ver. Es ella quien toma las decisiones, lleva la iniciativa y finalmente conduce la relación con Steve. Los super poderes son importantes, sin embargo es la sensibilidad y fortaleza femenina lo que finalmente hace que esta líder de las Amazonas, princesa de Themiscyra y semidiosa hija de Zeus, sea la mujer maravilla. La natural belleza de Gal Gadot entrega a la protagonista un encanto adicional, que seduce desde sus primeras apariciones en pantalla, adquiriendo fuerza y diversidad en la medida que el metraje avanza.

La firme y amable mano de la directora Patty Jenkins entrega al relato un ritmo particular. La cinta avanza sin contratiempos, el guión no decae y aunque muchos de los nudos son adivinables, la trama se va desarrollando en forma fluida. El buen manejo de los efectos especiales, las pausas y el espacio para cada uno de los personajes hacen aun más interesante el trabajo. Aunque tal vez los 141 minutos parecen bastante, la película no se hace pesada, al contrario, juega con el género y hay más sorpresas que moldes establecidos. Buena película y altamente recomendable.

Ficha técnica

Título original: Wonder Woman
Año: 2017
Duración: 141 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. Pictures / DC Entertainment
Género: Ciencia ficción, Acción, Superhéroes, cómic. DC Comics
Guión: Allan Heinberg
Música: Rupert Gregson-Williams
Fotografía: Matthew Jensen
Reparto: Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Connie Nielsen, David Thewlis, Elena Anaya, Lucy Davis, Danny Huston, Ewen Bremner, Samantha Jo, Saïd Taghmaoui, Lisa Loven Kongsli, Florence Kasumba, Mayling Ng, Tilly Powell, Doutzen Kroes
Directora: Patty Jenkins

jueves, 8 de junio de 2017

La Momia - Por Juan Pablo Donoso

Desde la primera MOMIA en 1932 con Boris Karloff, y cuyo impacto mundial fue espléndido, vino una seguidilla de “momias” egipcias que atacan en venganza a quienes osaron despertarlas.

Las hubo mejores, en especial en la década de los 60 con algo de magia y misterio, y otras que merecen ser olvidadas. Su única justificación era el éxito comercial.

Esta nueva MOMIA (2017) se debate atronadoramente en su afán de atraer multitudes de espectadores y obtener ganancias de los US$ 125.000.000 que invirtieron filmándola.

Y para ello echaron tanta “carne a la ´parrilla”, para dar en el gusto a variados públicos, que el resultado fue una majamama de efectos especiales, fastuosas escenografías, monstruos variopintos imitados de otros filmes de terror, combates, persecuciones, accidentes aéreos, Guerra de Irak, princesas egipcias desnudas, frases chistosas intercaladas en cualquier parte y, para coronar el esfuerzo, la contratación de famosos actores de películas de acción, como Tom Cruise y Russell Crowe, y nuevas actrices que se abren camino hacia el estrellato, como la provocativa Sofía Boutella, que ya lució sus encantos sádico-eróticos en Kingsman, Servicio Secreto (2014), Star Trek, Más Allá (2016) y Atómica (2017). Sin duda una joven argelina que se encumbra en roles de villana tan perversa como voluptuosa.

Quienes buscan acción continuada, carente por completo de inteligencia argumental, seguramente saldrán contentos. Y los actores que fueron famosos por excelentes roles en anteriores filmes de acción – un ahora casi obeso Crowe y un Cruise de rostro más abultado – sin duda obtuvieron contundentes honorarios.

Es tal la acumulación de recursos espurios que Crowe hasta encarna al legendario Dr. Jekyll y Mr. Hyde, mientras los demás personajes lo aceptan sin extrañeza.

TREMENDA SUPERPRODUCCIÓN DE AVENTURAS EN QUE METIERON DE TODO AL SACO - MENOS LÓGICA - PARA ATRAER MASAS DE PÚBLICO JUVENIL. 

Ficha técnica     

Título Original: The Mummy 
Andes Films 
Terror, aventuras, fantasía 
EE.UU. – 110 minutos 
Música: Bryan Tyler 
Fotografía: Ben Seresin 
Guionistas: David Keopp, Christopher McQuarrie, Dylan Kuzman 
Actores: Tom Cruise, Russell Crowe, Sofia Boutella, Annabelle Wallis 
Director: Alex Kutzman

miércoles, 7 de junio de 2017

Los Niños - Por Juan Pablo Donoso

Otro acierto conmovedor de Maité Alberdi y su equipo (La Once, 2014).

Magistral trabajo para configurar las historias de esos niños con Síndrome de Down y seguir sus evoluciones a lo largo del tiempo. (El inicio de un romance y la confrontación con lo factible). Sus penas, amores, alegrías y temperamentos. La conciencia de su condición y cómo la asumen. Las personas que trabajan con ellos y la forma en que los aman, les enseñan, les explican la vida, y los preparan para trabajar.

Síndrome de Down:

La película nos habla más al corazón que a la cabeza.

Los Downs son criaturas angelicales llamadas a convivir y adaptarse con el resto de las personas. Pudieron ser nuestros tíos, nuestros hermanos, nuestros hijos o nuestros nietos. Tienen sentimientos profundos y duraderos, y experimentan las emociones básicas.

¿Cómo integrarlos al mundo para que aporten sus valores a cualquier sociedad? Su condición es imposible de cambiar; sólo podemos paliarla por medio del Amor y abriendo canales de inclusión entre nosotros.

Son personas con almas puras, incorruptibles e incapaces de actuar con Maldad y premeditación.

Sólo tienen una conciencia distinta. Seres adultos para siempre niños con inmensa capacidad de amar, sentir, emocionarse, gozar y también sufrir.

Poseen el don innato de Perdonar.

Son ángeles encarnados en cuerpos e inteligencias diferentes. Nos observan desde sus propios universos afectivos. Y desde ahí nos aman sin reservas cuando intuyen que estamos abiertos para ellos.

La Película:

Penetrante y provocativa. Arduo y paciente trabajo de filmación para seguir un proceso real entre aquellas niñas y muchachos oligofrénicos. Todas sus acciones y escenas son auténticas y espontáneas. Admirable captación sonora de sus voces, frases y pensamientos.

Al igual que en LA ONCE, (señoras mayores tomando té durante varios años), fue una hazaña conseguir comportamientos tan sinceros como estos. Un modelo de paciencia y talento para captar y organizar estas vivencias. Y de transmitirnos tanta emoción.

Se puede mirar esta película tanto como una triste historia de enamorados que jamás podrán casarse y formar familia, como también de aquella rama de seres humanos merecedores de inmenso CARIÑO, como el que ellos saben devolver sin límites.

Se nos revela su capacidad para trabajar con eficiencia (gastronomía en este caso). Su tremendo poder de concentración. Su inclusión en la vida laboral. Su capacidad de enamorarse y amar con erotismo. Su deseo de formar familia e imposibilidad de hacerlo. Sus ansias de independencia. La incomprensión e incluso crueldad de sus propios familiares (la abuela le dice “estúpido”). Su sana y sencilla alegría de vivir. Su sensualidad y compasión. Su ejemplar sentido de SOLIDARIDAD.

Con un tema difícil y doloroso, Alberdi y su equipo realizan un semi-documental que en todo momento irradia ternura y queda palpitando en nosotros por muchas horas después de la exhibición.

La película nos recuerda que los Down son integrantes de nuestra raza humana: han existido siempre, y siempre existirán.

UNA LECCIÓN DE AMOR. ADMIRABLE COMO REALIZACIÓN Y PROFUNDAMENTE CONMOVEDORA. UN NUEVO PRODIGIO ARTÍSTICO DE MAITE ALBERDI Y SU EQUIPO.

Ficha técnica

Título en inglés: 
The Grown-Ups Semi-documental 
Distribuidor: Chile Market
Países: Chile- Holanda –Francia – 82 minutos
Música: Miguel Miranda, José Miguel Tobar 
Fotografía: Pablo Valdés 
Guionista y Directora: Maite Alberdi

Como ser un Latin Lover - Por Juan Pablo Donoso

Comedia muy simpática para pasar un rato agradable.

Aunque fue hecha en EE.UU., el humor y el estilo de actuación reflejan la idiosincrasia mexicana.

La tragicomedia alude a la decadencia de los gigolós cuando empiezan a envejecer. A cómo, después de llevar una vida entera dependiendo de la fortuna de mujeres mayores, son desplazados por gigolós más jóvenes y deben ingeniárselas para recuperar su “oficio” y sobrevivir.

Realizada con buen presupuesto y estrellas conocidas - más de ayer que de hoy - contagia el ánimo juguetón con que fue realizada. El guión es ágil, los diálogos son precisos y, a pesar del tema, esquiva con éxito las obscenidades orales o gestuales. Se limita a lo picaresco para encubrir el drama interior de sus principales personajes.

El protagonista es Eugenio Derbez, también productor de la cinta. Comediante carismático, de origen mexicano pero formado en Los Ángeles como actor. Lo acompañan una siempre cálida Salma Hayek, un ex galán ya maduro como Rob Lowe, reaparece Renée Taylor (Silvia en The Nanny) y nos sorprende la legendaria venus Raquel Welch ahora interpretando a una multimillonaria mutilada de ambos brazos. Todo el equipo, actores, guionistas y director, obviamente decidieron hacer una comedia para divertir al público divirtiéndose ellos también. Hasta los niños Mackenna Grace (revelación de Un Don Excepcional) y Raphael Alejandro se afiatan a este juego humorístico.

Tras las risas y chascos se esconden las penurias de muchos seductores latinos que sólo saben aprovechar la fortuna de ricachonas solas y envejecidas.

LOGRADA COMEDIA SOBRE EL OCASO DE LOS GIGOLÓS LATINOS Y DE LAS ANCIANAS QUE RECURREN A ELLOS.

Ficha técnica

Título Original: How to be a Latin Lover 
BFDistribution EE.UU. – 115 minutos 
Fotografía: John Bailey 
Edición: John Daigle Música: Craig Wedren 
Guionistas: Chris Spain, Jon Zack 
Actores: Eugenio Derbez, Salma Hayek, Rob Lowe, Kristen Bell, Raquel Welch
Director: Ken Marino

Dancer: Serguei Polunin - Por Juan Pablo Donoso

Biografía documental sobre un joven prodigio de la danza clásica. El atronador éxito de su talento y la excesiva demanda pública a que fue sometido, lo estresó al punto de abandonar su arte para salvar su equilibrio psicológico

Serguei Vladimir Polunin, nacido en 1991 en Kherson, una humilde localidad del sur de Ucrania, demostró su talento corporal desde muy niño. Primero fue entrenado como gimnasta infantil, pero luego lo derivaron hacia la danza.

Para sus padres, de clase obrera rusa, financiar sus estudios en Kiev era demasiado caro. El padre emigró a Portugal como obrero para seguir manteniendo a la familia, y la abuela se fue a Grecia por la misma razón. La madre, con enorme sacrificio lo matriculó en la Academia de Ballet. Allí el pequeño Serguei sobresalió por su asombroso talento.

A los 18 años llegó a ser Primera Figura del Ballet de Moscú. Y desde entonces sus presentaciones públicas se multiplicaron hasta lograr aclamación internacional. Por su extrema juventud se lo llamó el “James Dean de la Danza”.

Siendo perfecto en las técnicas del ballet clásico era capaz de introducir novedades creativas en cada una de sus presentaciones, de una función a otra.

Fue tan vertiginosa su carrera ascendente, y en tan poco tiempo, que el director cinematográfico Steve Cantor pudo recopilar material de su trayectoria desde la niñez hasta que cumplió 25 años.

En el documental dan testimonio, en primer lugar su madre, y luego sus compañeros, de cómo este genio precoz sufrió en plena adolescencia la fragmentación de su familia, y de cómo careció de una natural evolución hacia la madurez como persona. Cosa habitual con los niños prodigios, tanto en arte como en algunas disciplinas intelectuales.

Y en la cumbre de la fama, por la incesante actividad, llegó su momento de saturación. Amaba la danza con toda su alma, pero hallándose en la cima de la carrera, lo aterró la duda de adónde más podría ascender y, peor aún, qué sentido tenía su vida, como persona, para el futuro.

Ante el asombro del mundo artístico comunicó su retiro de los escenarios, volvió a su pueblo natal a encontrarse con sus primeros maestros de danza escolar, comenzó a grabar películas con mayores contenidos experimentales, y a administrar, personalmente, su vida para recuperar su autoimagen.

A lo largo de este filme lo vemos desplegar su talento en múltiples espectáculos. En sus danzas combina la perfección técnica, con el carisma de un intérprete que pareciera bailar en “estado de gracia” artística.

El mérito del documental – además de admirar a este sucesor indiscutible de Nureyev y Barishnikov - es la reflexión que suscita sobre la excesiva explotación de los artistas prematuros. Y más aún teniéndolo a él como anfitrión, que se atreve a confesar el dolor por los vacíos existenciales en su desarrollo como ser humano.

DOLOROSO TESTIMONIO EXISTENCIAL DE UN GENIO PREMATURO. UN MANJAR PARA LOS BALLETÓMANOS.

Ficha técnica

Galería de Arte Patricia Ready 
Biografía. Documental
Ballet Inglaterra, Rusia, 85 minutos 
Edición: Federico Rosenzvit 
Fotografía: Frank Wolf 
Director: Steven Cantor

Los niños - Por Carlos Correa Acuña

Reconozco que cuando vi por primera vez el trailer de "Los niños" me sentí incómodo. Si para mi era difícil verlo en pantalla, pensaba en lo complejo que debe ser filmar una realidad de la que poco conocemos y que en muchos casos se omite o al menos se oculta. Maite Alberdi, la premiada directora de "La once", es valiente y se atreve a mostrarnos una nueva dimensión a través de una cinta documental que esta vez incluye a personas con Síndrome de Down. Y el resultado es realmente maravilloso.

Este grupo de amigos y amigas lleva juntos 40 años. Asisten al Centro Educacional Especial y Laboral COOCENDE y participan en un taller de gastronomía donde ofrecen a la comunidad diversos productos de elaboración propia. Ricardo, Anita, Andrés y Rita son los cuatro protagonistas de este relato que tiene tanto de cotidiano como de futuro y de esperanza. Es difícil imaginar un acercamiento fílmico a este particular mundo sin el talento de la joven directora. Su delicadeza para situar las cámaras y configurar tomas precisas, la sensibilidad sobre los tiempos de exposición, la construcción del relato a partir de situaciones simples y un extremo cuidado y respeto por quienes son retratados, son características que dotan a esta cinta de un encanto y una magia que conmueve.

El metraje se desarrolla en varios planos. Uno de ellos, el descriptivo, nos muestra el día a día con sus luces y sombras. Otro es de ensueño, abarca las ilusiones explícitas -y principalmente las implícitas- de los protagonistas, sus deseos de llevar una vida normal, de acercarse al modelo idealizado de sus padres, de ser independientes, de poder ganar lo suficiente para mantener su propia vida, de acompañar y velar por la persona amada y tantos otros deseos que tal vez nosotros consideramos tan normales y que para todos ellos son anhelos casi inalcanzables. La dimensión social pone de manifiesto una discriminación que no debe ser tolerada, y el amor, principio central de la historia, profundiza su fundamental importancia en la relación de Andrés y Anita, y es así también reflejado en las otras parejas que la cinta nos revela.

La película construye un relato cercano, amable y también ameno gracias a un guión sencillo, bien elaborado y muy bien narrado, gracias a una sorprendente naturalidad. Lentamente vamos conociendo a los protagonistas hasta sentirlos inexplicablemente -y entrañablemente- cercanos. Somos capaces de vibrar con la difícil -también curiosa y llena de guiños- elección entre Anita y Ricardo como representante del grupo, sufrir con la tristeza de Anita por la muerte de su padre, proteger a Rita en su debilidad por el chocolate y empatizar con los deseos irrefrenables de Andrés por formar su propio hogar. Esta fuerte y sincera transmisión de sentimientos hace de "Los niños" una película tremendamente emotiva y profunda.

Aquello que se ve simple es tal vez lo más difícil de hacer, es por ello que la genialidad está muy cerca de la sencillez. El cine de Maite Alberdi tiene ese talento, hacer sencillo aquello que es tremendamente complejo, y esto es una virtud notable que nos permite acceder a mundos que tal vez nunca imaginamos conocer ni menos apreciar y valorar. "Los niños" no solo es un bellísimo relato, es al mismo tiempo una oportunidad de acercamiento a una realidad compleja. El cine puede ser una excelente mediación y en este caso esta expresión de arte cumple cabalmente su misión. Encanta, entretiene, conmueve e involucra.

Ficha técnica

Título original: Los niños
Título en ingles: The Grown-Ups
Países productores: Chile- Holanda -Francia
Año de finalización: 2016
Director de fotografía: Pablo Valdés
Montajistas: Juan Eduardo Murillo-Menno Boerema
Música original: Miguel Miranda, José Miguel Tobar
Productor: Maite Alberdi.
Compañía Productora: Micromundo Producciones, www.micromundo.cl
Productores: Maite Alberdi, Denis Vaslin, Fleur Knopperts, Sebastián Brahm.
Directora y guionista: Maite Alberdi

martes, 6 de junio de 2017

La mentirita blanca - Por Carlos Correa

Esta cinta chilena explora una temática que resulta interesante en los tiempos que corren. En un pequeño pueblo rural del sur de Chile, el Diario “El Esfuerzo” se está quedando sin auspicios y corre el riesgo de cerrar. Las personas ya no lo compran y los avisadores no ven sentido a seguir publicando allí sus menciones. Edgardo -Rodrigo Salinas- es el periodista que ante la necesidad de mantener su trabajo y junto a su ayudante Vladimir -Ernesto Meléndez- comienza inocentemente a inventar noticias para levantar la venta y recuperarse económicamente. Esto tal vez funcione en un comienzo, pero luego la fama, la soberbia, el poco tino, la falta de preparación y los errores naturales que provocan una seguidilla de falsedades van complicando cada vez más a los protagonistas de esta película.

La cinta del joven director Tomás Alzamora posee un ritmo lento. Nada apura, todo transcurre en calma, no hay urgencias y la vida pasa sencilla y engañosamente plácida. Hay amenazas, pero al parecer no son lo suficientemente importantes como para movilizarse con premura. En este contexto, se observan dos conflictos muy claros. Por un lado la posibilidad de quedarse sin trabajo y por otro, el compromiso con la honestidad profesional del periodismo. Esta problemática, Alzamora la resuelve inclinando la balanza hacia lo práctico, hacia lo que podríamos llamar “conveniencia”. Si puedo perder mi trabajo, soy capaz de sacrificar mi ética para salir adelante.

Esta película no falla en la argumentación ni en el fondo de la historia. Tropieza -y cae- debido a una fuerte carencia de estructura dramática que le proporcione identidad. Es un relato a medias, donde los personajes solo son esbozos, donde no hay desarrollo ni profundidad y a pesar de los reconocibles esfuerzos, no logran soportar el peso que significa llevar una historia.

Demasiadas caricaturas tampoco aportan a su construcción. El dueño -“el patrón”- del Diario, la hermana enferma del protagonista, el ayudante de imprenta iletrado y el jefe de Carabineros, entre otros, son personajes cuya inclusión y justificación por momentos no se comprende. Hay una sensación de corrupción general y de ignorancia extrema que cuesta asimilar, entendiendo por supuesto el fondo de la argumentación que la historia representa y la moraleja que quiere entregar al concluir.

Dejo para el final algo que me cuesta aún más entender. Enmarcada dentro del género comedia, no recuerdo haber compartido ninguna sonrisa cómplice durante sus casi 80 minutos de duración. Tal vez no tengo un sentido del humor propio para películas como esta, o bien no me causa risa la sola actuación de Rodrigo Salinas, reconociendo que este es tal vez su papel más serio de los últimos años. Entiendo también que las historias de aprovechamiento, de abuso por tener información privilegiada y finalmente del poder que subyuga a los más débiles son temáticas cada vez más presentes en la actual realidad socio cultural de nuestro país. Sin embargo, no entiendo la forma en que se relatan, la manera como cobran forma y el estilo que imprimen a una película como “La mentirilla blanca”. Aspiraría a un mayor desarrollo, a la transmisión de un mensaje más enfocado y a una historia con mayor narrativa.

Pero claro, esto es arte y podemos tener opiniones diferentes, intereses distintos y muchos otros variados grados de subjetividad. Y esta película está en cartelera y gracias a ello podemos apreciar, disentir y conversar. La posibilidad de debatir está abierta, y de nosotros depende.

Ficha técnica

Título original: La Mentirita Blanca
Calificación: Todo Espectador
Duración: 75 minutos
Género: Comedia
Producción: Pablo Calisto
Empresa Productora: EQUECO
Dirección de fotografía: Jonathan Maldonado
Dirección de arte: Michelle Mege
Montaje: Tomás Alzamora y Roberto Doveris
Sonido: Sebastián Arjona
Música Original: Martín Schlotfeldt
Productor asociado: Christian Turres
Elenco: Rodrigo Salinas, Ernesto Meléndez, Catalina Saavedra, Daniel Antivilo, Jonas Sanche, Daniel Candia, Alejandra Yáñez
Dirección y guión: Tomás Alzamora