26/1/17

La Razón de estar Contigo - Por Juan Pablo Donoso

Un canto de amor y comprensión para todos los seres vivos. En la naturaleza intuitiva hay más sabiduría  que en  la gélida razón.

Emocionante y provocativa en su mensaje. Tocará el corazón y la mente de niños y adultos. 

¿Qué pensarían los animales del comportamiento de sus amos?

El director sueco Lasse Hallström,  (¿A Quién Ama Gilbert Grape? – Chocolat – La Vida por Delante, La Gran Estafa, Hachiko, Casanova (2005)) sabe contar fábulas tristes pero estimulantes, con buen gusto, y que conmueven fácilmente. A menudo incluye perros y/o  familias vulnerables.  
                                                                            
El alma de un perrito que se reencarna 5 veces nos permite observarnos a través de sus emociones y sentimientos. Escuchando sus reflexiones sobre los seres humanos llegamos a dudar quién es, en verdad, la mascota de quién.

Más, la pregunta de fondo – leit motiv – es  sobre  el verdadero sentido de volver a nacer y vivir bajo diversas circunstancias. Respuesta que, al menos este perrito, logra encontrar al final de la película. 

Respuesta sencilla pero de mucho coraje: atreverse a enfrentar con amor el eterno AHORA sin oponerse a los ciclos de la naturaleza. 

Ha resultado paradójica la protesta internacional de muchos espectadores con respecto al trato que se les dio a los animales en la filmación de esta cinta. Si es una oda a la unión de las personas con los animales, y de éstos con las personas, ¿cómo podría esta película recurrir precisamente a lo contrario de lo que predica?

Hay un momento en que Ellie – encarnada en una perra pastor alemán – salta a las aguas turbulentas a rescatar a una  niñita ahogándose. Sin duda hubo que lanzarla al agua, pero estaba debidamente amaestrada y sufrió lo mínimo. Sabemos que muchas mascotas – al igual que los niños -  se resisten a bañarse, a cortarse el pelo, la uñas o lavarse los dientes.

La secuencia del rescate es tan heroica y conmovedora como las demás reencarnaciones del animalito. Y es eso lo que debemos valorar: la nobleza y lealtad de los comportamientos, más que si hubo eventual maltrato en la filmación. 

Mientras los seres humanos cometemos maldades, errores y estupideces, el alma de este perrito nos da una lección de amor y lealtad sin dobleces ni egoísmos. Ellos serán un  cachorro sin nombre abandonado en la calle; Bailey, un golden retriever; Ellie, una pastor alemán; Tino, un pequeño gorgi galés; y un robusto San Bernardo capaz de recordar  sus vidas anteriores y retornar donde Ethan, el dueño que más amó.

Si los seres humanos nos reencarnáramos, y pudiésemos recordar nuestras vidas pasadas, ¿seríamos capaces de evitar los mismos errores y seguir madurando en nobleza y amor en cada instante?  

HIPOTÉTICA  FÁBULA,  MUY  CONMOVEDORA,  Y  CON  MÁS   PROFUNDIDAD  DE   LO  QUE  PARECE.

Ficha técnica

Título Original: A Dog´s Purpose
Andes Films
Tragicomedia – aventuras
EE.UU.
120 minutos
Fotografía: Terry Stacey
Música: Rachel Portman
Adiestrador de Animales: Brian Turi
Guión: W. Bruce Cameron (novela) – Cathryn Michon
Actores: Britt Robertson, Dennis Quaid, Josh Gad, Peggy Lipton
Director: Lasse Hallström

Bailarina - Por Juan Pablo Donoso

Sencillo cuento de animación, ambientado en la Belle Époque, previsible, y especialmente grato para niñitas pequeñas. O también para mujeres adultas que aún son niñitas en el corazón.

Felice y Víctor son dos huerfanitos que deciden escapar del orfelinato en Normandía e ir a París para realizar sus sueños: ella ser bailarina en el teatro de la Ópera, y él ser un gran inventor e ingeniero como Gustavo Eiffel.

En la Ciudad Luz al principio son vagabundos. Él ingresará como arrenquín en el laboratorio de Eiffel. Ella, se arrimará a una aseadora de la Ópera con la esperanza de ver danzar a las grandes bailarinas. 

Al poco tiempo, la aseadora – que antaño fue una gran estrella pero quedó inválida - acogerá a la pequeña huerfanita y como en Karate Kid la entrenará con mucho rigor para que pueda ingresar al cuerpo de ratitas del ballet.

Habrá múltiples peripecias, errores, celos y envidias hasta que pueda postular a un rol difícil y destacado. Por su parte, el pequeño Víctor, a costa de chambonadas, progresará en sus habilidades de inventor.  

Lo que prima en este argumento convencional es el candor de sus personajes principales, los arquetipos de los malvados, y la prolija ambientación de un París que aún estaba construyendo su torre Eiffel. 

 Hermosa de mirar, graciosos personajes secundarios, y bellos momentos de danza del Lago de los Cisnes. Con la duración justa para que los espectadores infantiles  permanezcan quietos y atentos.  

AMENA, PREVISIBLE  Y BELLA AMBIENTACIÓN  DE  PARIS EN LA BELLE  ÉPOQUE.  IDEAL PARA NIÑITAS PEQUEÑAS.

Ficha técnica

Título Original: Ballerina
BFDistribution
Tragicomedia Infantil de Animación
Francia- Canadá
89 minutos
Fotografía: Jericca Cleland
Guionistas: Carole Noble, Laurent Zeitoun, Eric Summer
Directores: Eric Warin, Eric Summer

25/1/17

Vida de familia - Por Musia Rosa

Un matrimonio compuesto por Consuelo (Blanca Lewin) y Bruno (Cristián Carvajal), viajan con su pequeña hija a París por varios meses, dejando la casa a cargo del primo Martín (Jorge Becker), soltero de 40 años, quien ha perdido a su padre y necesita estar tranquilo y organizarse.

La casa es amplia, con una estructura original que se aprecia especialmente en los movimientos circulares de una cámara inteligente, y también se muestra confortable en su revestimiento interior. 

Una mucama vendrá una vez al mes a limpiar y ordenar, para lo cual dejan dinero a Martín para pagarle. Deberá también alimentar y cuidar al gato de la casa. Martín disfruta de las comodidades, de la ropa del primo y también fuma, aunque el dueño de casa le había pedido que no lo hiciera. 

Se lo ve tranquilo, pero sin mayor entusiasmo, algo abúlico, pero descansado, hasta que a las pocas semanas, desaparece el gato, obligando a Martín a poner letreros en el barrio para encontrarlo.

Durante este trámite conoce a Paz (Gabriela Arancibia), la lleva a la casa y se involucran sexualmente con la energía de sus años y la libertad de estar solos, al extremo de despedir a la mucama pagándole sus honorarios anticipadamente. Ante Paz, Martín demuestra la osadía que no tiene para enfrentar su vida y su futuro, mintiéndole descaradamente que es el dueño de la casa y que su mujer, llevándose a la hija de ambos, lo ha abandonado.

Alicia Scherson, premiada realizadora nacional (“Play”, “Turistas”), basándose en un cuento de Alejandro Zambra, quien es también autor del guión, codirige con Cristián Jiménez esta película, que más que contar una historia, muestra relaciones humanas indefinidas y desencantadas, donde los caracteres están determinados por hechos externos que los afectan y les impiden mirar al interior de sí mismos, para conocerse mejor y sacar las fuerzas que les marquen un camino a seguir y un real sentido a la vida.

No es comedia ni drama, hay más tristeza que humor y hay menos tragedia que frustración, es sólo una realidad deprimente que invade a una parte de la sociedad, que opta por ver el vaso medio vacío en vez de apreciarlo medio lleno, y sufre, se complica y lo pasa mal.

Ficha técnica

Vida de Familia
País: Chile
Año: 2017
Duración: 80 minutos
Género: Drama
Calificación: +14
Actores: Jorge Becker, Gabriela Arancibia, Blanca Lewin, Cristián Carvajal
Directores: Alicia Scherson, Cristián Jiménez

20/1/17

La La Land - Por Juan Pablo Donoso

La publicidad la anuncia como “un tributo a la Edad de Oro de los musicales estadounidenses”. Y en esta ocasión dice la verdad.

Hollywood: una fábrica de oropel y falsas ilusiones. Una pareja de jóvenes enamorados las asume para concretar su propia historia de amor.

La realidad será más cruel e inexorable. ¿Persistirá la ilusión de amor en sus corazones?

Los filmes musicales entre los años 30 y 60 fueron un refugio de fantasía para nosotros, los espectadores de aquellos años. Por eso compartimos con la pareja central el vértigo de seguir soñando y deslumbrándonos con esa industria de ilusiones. 

Chazelle narra una historia hollywoodense que a primera vista puede tener el encanto de Cantando Bajo la Lluvia, pero como ya lo anticipó Jacques Demy en Los Paraguas de Cherburgo desde Francia en los 60, trae un subtexto agridulce más acorde con las obras de nuestro tiempo.

El tema de este filme son las ilusiones, los sueños de ser artista, y también los ideales del amor perfecto; LA LA sería Los Ángeles , LAND la tierra perfecta para que esos deseos se cumplan. ¿Y qué mejor que contarla como aquellas comedias musicales de los años dorados de Hollywood? Las de Fred Astaire/ Ginger Rogers, Eddie Cantor y Al Jolson primero, y de Gene Kelly, Debbie Reynolds, Doris Day y Esther Williams después, por sólo nombrar algunos, incluyendo  clásicos como Siete Novias para Siete Hermanos, entre muchas.

Mezclando ensoñaciones románticas con la dura realidad de la  industria cinematográfica de Los Ángeles, el guionista y director Chazelle, con su equipo, logran un equilibrio emotivo y contagioso en lo rítmico. Ya antes este director entrenó el pulso, y acertó, con otro áspero drama de temática musical como fue WHIPLASH (3 Óscares).

Mía, aspirante a actriz que sirve café a las estrellas de cine en medio de frustradas audiciones. Sebastián, un músico jazzista que sobrevive tocando en bares y fiestas de celebridades. Nace un profundo amor que los mantiene unidos, y los estimula, mientras luchan por surgir en sus vocaciones. Pero cuando el éxito asoma en sus vidas, el vínculo amoroso se comienza a obnubilar. ¿Cómo resolverán el dilema entre la realidad de sus anhelos y la persistencia de su relación? El filme los confronta con canciones, danzas, y diálogos llenos de candor y fantasía. 
  
Los actores  Emma Stone y Ryan Gosling logran una química mágica en sus personajes, teniendo como fondo un panorama idílico de la ciudad de Los Ángeles que los rodea. Entre todos, director, fotógrafo, músico, coreógrafo y diseñadores crean un mundo idealizado de Hollywood y del amor. Más, al despertar, se convertirá en la bofetada trágica de esta fábula.

Es una bella oda a los soñadores y artistas del mundo. Sutilmente graciosa y a la vez energética por la fuerza de sus bailes, en una atmósfera surrealista casi siempre onírica. 

Para evitar extrañezas, la gran escena musical del comienzo – en medio de un taco de autos - establece el tono estético  de la historia que vendrá.
Abajo, la ciudad dura e implacable; arriba, los amantes seguirán danzando entre las estrellas.

LOS  SUEÑOS  Y  EL  AMOR  COMO  FILTROS  DE  LA  REALIDAD. TRAGICOMEDIA  MUSICAL Y ROMÁNTICA  QUE  DELEITARÁ  LA VISTA, LOS  OÍDOS  Y  LA  NOSTALGIA. 

Ficha técnica

Título original: La La Land 
Año: 2016
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Summit Entertainment / Gilbert Films / Impostor Pictures / Marc Platt Productions
Género: Musical. Comedia. Drama. Romance
Guión: Damien Chazelle
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Ryan Gosling, Emma Stone, J.K. Simmons, Rosemarie De Witt, John Legend, Finn Wittrock, Sonoya Mizuno, Jessica Rothe, Jason Fuchs, Callie Hernandez, Trevor Lissauer, Phillip E. Walker, Hemky Madera, Kaye L. Morris
Director: Damien Chazelle

Hasta el Último Hombre - Por Juan Pablo Donoso

Impactante biografía de Desmond Doss, uno de los más insólitos  y  espirituales  héroes de la 2ª Guerra Mundial.  

Los filmes que dirige Mel Gibson traen mucha sangre y crueldad. Pero también mucho heroísmo. Su pasión es narrar epopeyas. Y para ello elige personajes de férrea consecuencia con sus valores: HÉROES de talla mitológica. Tal ha sido el caso con sus filmes anteriores: Apocalypto, La Pasión de Cristo, Corazón Valiente. 

Se diluyen las sospechas de sensacionalismo cuando elije personajes paradigmáticos (Jesucristo, William Wallace, Jaguar Paw) porque narra con mística y buenas actuaciones, lo que desmiente cualquier inclinación hacia el “gore” o el mal gusto.

En la historia del cine, incluso mudo, hay admirables clásicos bélicos, muchos y notables. Con ésta Gibson se nivela con  Pelotón, Apocalipsis Now, Salven al Soldado Ryan, Cartas de Iwo Jima, y nada tiene que envidiarle a aquellas.  Más aún, cuando ahora su protagonista es un hombre real y lo vemos, ya anciano, dar testimonio, al final de la cinta, de lo que fue su experiencia en la batalla de Okinawa.

La historia se divide en tres partes. 

1.- La infancia, juventud y matrimonio de Doss en un pueblito rural de Virginia. Era hijo de un ex combatiente de la 1ª Guerra Mundial ahora alcohólico, amargado y escéptico de cualquier guerra.  

2.- El ingreso de Desmond al ejército para entrenarse en  defensa de su patria. Más, en el cuartel será víctima de descarnadas humillaciones debido a que se mantiene como “objetor de conciencia”, es decir, se niega a tomar un arma. Luego de mortificarlo optan por expulsarlo, pero él insiste en ir a combate en esas condiciones. Una gestión de su padre ante un antiguo superior logra que Doss se integre al batallón en el equipo de rescate médico. Ya en esta 2ª parte asoma la violencia física y su leal compañerismo. Su lema fue: “Voy a la guerra no para matar enemigos sino para salvar a los heridos”. 

3.- La batalla en Okinawa. Los japoneses tienen tomado Hacksaw Ridge, un elevado risco cuya conquista significaría para EE.UU. el triunfo en esa región. El risco se presenta como inconquistable. Los batallones anteriores sólo devuelven cadáveres y mutilados. El pelotón de Desmond deberá treparlo por escalera de cuerdas para encontrarse arriba con miles de soldados japoneses dispuestos a morir defendiéndolo. Aquí se librarán las más feroces y sangrientas batallas. Y en todo momento, incluso cuando vuelven a subir al día siguiente, Doss seguirá socorriendo a los heridos y moribundos sin tomar un arma. 

La gran hazaña de aquel enjuto soldado fue que permaneció solitario en esa infernal meseta enviando a los agonizantes mediante cuerdas al campamento de campaña al pie del acantilado. Sin ayuda, y exponiéndose a los japoneses, rescató a 75 compañeros.

En un momento su capitán, disculpándose y reconociendo su inmenso valor le dice: “Aunque muchos de nosotros no tengamos tu fe en Dios, la fe que tenemos en ti es espiritualmente tan fuerte como aquella”.

El móvil del realizador y su actor principal fue demostrar que la fe de Desmond era más poderosa que cualquier dogma, que cualquier canon de reglas elaborado por hombres: era FE PURA, hasta los huesos, y ajena a cualquier ideología.
Admirables actuaciones, resaltando el carisma de la actriz Teresa Palmer, cuyos ojos dicen más que su boca en el rol de la esposa Dorothy  Schutte, Hugo Weaven como el atormentado padre, Rachel Griffiths, la madre, y el compromiso total de Andrew Garfield (Spider Man) en su personaje de Desmond Doss.

UNA  GRAN  EPOPEYA  VERIDICA  DE GUERRA, FE  Y HUMANIDAD. OTRO LOGRO DE MEL GIBSON

Ficha técnica

Título original: "Hacksaw Ridge"
Duración: 139 minutos
Calificación: +14
Género: Drama, Biográfica, Antibélica
Año: 2016
País: Estados Unidos
Elenco: Andrew Garfield, Sam Worthington, Hugo Weaving, Vince Vaughn, Teresa Palmer
Director: Mel Gibson

Hasta el último hombre - Por José Astorga

El sangriento campo de batalla abre el relato de "Hasta el último hombre", mostrando la crueldad más detallista de la guerra: hombres abrasados por el líquido incandescente de los lanzallamas, otros mutilados por las explosiones o acribillados por las metrallas del enemigo en un tierra ensombrecida por el intoxicante humo y los gritos de dolor que se suceden en cámara lenta... La guerra es descrita en forma realista y sin tapujos, sin opciones a que la imaginación rellene espacios vacíos porque está todo ahí, ante los ojos.

Mel Gibson, actor, productor y director norteamericano de profundas raíces australianas, ganador del Óscar por "Corazón valiente" –mejor película y mejor director–, cuenta la vida de Desmond Thomas Doss, el primer objetor de conciencia que se opuso a cargar un arma en el ejército norteamericano en tiempo de guerra, encarnado en la cinta por el joven Andrew Garfield, cuyo rol le significó obtener el premio a la mejor actuación dramática de la Critics Choice Awards y Gibson el de mejor director, además de varias nominaciones a los Globos de Oro.

El deseo de Desmond Doss de servir a su patria sin tener que cargar un arma a causa de una promesa que es detonante en su forma de vida, le traerá un ataque feroz de parte del medio militar donde está inserto y sus fuerzas van siendo mermadas a medida que avanza la historia, pero su espíritu se niega a ceder, construyendo paso a paso y golpe a golpe lo que será el desenlace de su vida y que le significó recibir la Medalla de Honor de manos del presidente Harry Truman a fines de 1945.

La batalla de Okinawa, escenario principal del filme, es fiera y Gibson la muestra en forma descarnada, en contraposición a la actitud pulcra –y en cierta forma aséptica– de Desmond, usando además una serie de elementos icónicos como la tierra que se llena de sangre, el fuego que purifica la maldad, el agua que limpia el pecado de la guerra –la sangre sobre el cuerpo de Desmond– y el cielo, en la ascensión simbólica del personaje hacia un estado mayor en lo que ha sido su viaje iniciático desde los campos silvestres y puros de Virginia hasta el sangriento campo de batalla, donde el enemigo japonés parece una marabunta humana cuyo único honor es el harakiri, ritual de suicidio de los samuráis, nueva contraposición a las ideas que defiende el personaje de Andrew Garfield, quien también fue dirigido por Martin Scorsese en "Silencio", la historia de dos jesuitas que viajan a Japón en busca de un misionero que perdió la fe.

Ficha técnica

Título original: "Hacksaw Ridge"
Duración: 139 minutos
Calificación: +14
Género: Drama, Biográfica, Antibélica
Año: 2016
País: Estados Unidos
Elenco: Andrew Garfield, Sam Worthington, Hugo Weaving, Vince Vaughn, Teresa Palmer
Director: Mel Gibson

18/1/17

Snowden - Por Musia Rosa

Edward Snowden (Joseph Gordon-Levitt) es un joven de 35 años que trabajó en SNA y la CIA y que como consultor tecnológico y patriota se encuentra en una encrucijada, y entonces, tomando coraje y en pro de la libertad de todos, revela, a través de la prensa norteamericana, documentos clasificados de alto secreto, que consiste en un sistema de espionaje electrónico para la seguridad del país, pero que viola la privacidad de todos los ciudadanos.

Película interesantísima, aunque no todos conozcamos la temática digital a concho, pero por la forma inteligente en que se presenta la historia real vivida por el científico norteamericano Edward Snowden en años recientes, no es difícil para el ciudadano común, captar el peligro de un espionaje en la era digital, que avanza con tal velocidad, que, sin fantasear demasiado, dada la ambición desmedida de algunos poderosos, podría llevarnos a la paranoia y al exterminio de la vida en la tierra.

El director norteamericano Oliver Stone, cuyo estilo de cine, provocativo y de gran impacto (“4 de julio”, “Wall Street”), nos entrega en “Snowden” un drama biográfico de gran suspenso, con excelente factura fílmica, donde todos los elementos cinematográficos, como la música, las actuaciones, la fotografía, el ritmo, confluyen para ponernos en alerta frente a la cibernética y esta sociedad digital en que muchos nos vemos inmersos e inermes. 

Los adolescentes y jóvenes, que nacieron con el celular en la mano y dominaron este idioma digital, antes de leer y escribir como los que ya pasamos las siete décadas, deben ver esta película, pensar y reflexionar a fondo, para saber tomar las mejores decisiones para el bien de sus vidas, de sus familias y de los que vendrán después.

El destino de la humanidad está en sus manos.
                                                                                  
Ficha técnica

Título original: Snowden
Año: 2016
Duración: 134 minutos
País: EE.UU.
Género: Drama – Suspenso
Música: Craig Armstrong – Adam Peters
Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Nicholas Cage, Lindsay Mills.
Director: Oliver Stone

Snowden - Por José Astorga

La prolija pluma cinematográfica de Oliver Stone ("JFK", "Pelotón") construye el relato de "Snowden" con la convicción narrativa que lo ha caracterizado en sus mejores momentos, dando giros al pasado y al presente, al igual que los giros adelante y atrás que Edward Snowden da a su cubo rubik en gran parte de la película y cuyo protagonismo será fundamental en un momento determinado de la historia.

Tal y como el Gran Hermano de la novela "1984" de Geoge Orwell, "Snowden" muestra los antecedentes que llevaron a su protagonista –actualmente asilado en Rusia–, al viaje íntimo desde el primer momento que intentó ingresar al ejército norteamericano y que tras un accidente debió cambiar de rumbo e integrarse a los servicios de inteligencia, pasando por varios de esos organismos, convirtiéndose en una parte esencial en los logros de inteligencia y espionaje del gobierno estadounidense de la última década, hasta su deserción y entrega de la información clasificada a los diarios The Guardian y The Washington Post.

Joseph Gordon-Levitt ("Batman: The Dark Knight Rises", "The Walk"), construye un personaje creíble y sólido, luego de haber tenido largas conversaciones con el verdadero Edward Snowden en Rusia, según consigna el diario La Tercera, sin embargo, la pulcritud y limpieza ética que le imprime Stone al personaje, puede resultar un tanto forzada –y aburrida– si no es posible contrastarla con la humanidad más cercana del verdadero analista computacional y del que solo se tiene un perfil personal a través de las noticias de la prensa internacional o la Wikipedia.

La narración, que se va armando por piezas, paso a paso, le marca el ritmo acompasado al filme y puede producir cierto fastidio si se espera un 'blockbuster' y no un drama de espionaje cibernético, un reportaje de ficción compaginado con insertos de noticiarios que van contextualizando la historia que transcurre durante el gobierno de Barack Obama. Esa inmediatez, sumada al patriotismo desenfrenado de las agencias de espionaje, sin lugar a dudas provocarán que el espectador cuide muy bien lo que escriba desde ahora en sus redes sociales y, al llegar a casa, cubra con una cinta adhesiva la cámara de su computador, ya que de seguro sentirá que el Gran Hermano le observa vigilante de tras la pantalla de su ordenador.

Ficha técnica

Título original: "Snowden"
Duración: 134 minutos

Calificación: TE+7
Género: Suspenso, Biográfica
Año: 2016
País: Estados Unidos
Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Scott Eastwood y Edward Snowden
Director: Oliver Stone

Snowden - Por Carlos Correa

Oliver Stone está de regreso. Y su tema, ahora, se enfoca en la historia de Edward Snowden -Joseph Gordon-Levitt- quien desclasificó datos vitales sobre el programa secreto de vigilancia mundial de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional de Estados Unidos).

Basada en el libro "The Snowden files. The inside story of the world's most wanted man", escrito por Luke Harding, y en un libro escrito por Anatoly Kucherena, el abogado ruso de Edward Snowden, la cinta relata el momento en que la documentación ultra clasificada se hace pública por parte del diario “The Guardian” y desde aquel acontecimiento, reconstruye la vida de su protagonista y las causas que lo llevaron a tomar esa decisión.

Oliver Stone filma sin apuro, compone los ambientes con pulcritud, retrotrae la historia y le da a la cinta un carácter oscuro y misterioso. Todos -un poco más o un poco menos- conocemos la trama. Un consultor de tecnología que decide desnudar lo que es secreto, corre el riesgo de ser perseguido, deportado, extraditado y donde su vida da un giro en 180 grados. Parece ficción, sin embargo son hechos reales. Sucedió. Y no hace mucho tiempo, recién el año 2013. Por ello el desafío es mayor. la historia está cerca, en la retina, y por ello la forma cuenta mucho más que el fondo.

Los 134 minutos de "Snowden" se sienten. Sobre todo por el relato cansino que el director imprime al metraje. No pierde interés ni tampoco decae en tensión, sin embargo por momentos resulta densa la cantidad de información procesada que se intenta abordar.

Lo que es claro en esta cinta es el debate moral-ético, justo o no, de la rebeldía ante situaciones aparentemente imposibles de cambiar. ¿Snowden es un traidor o un héroe? ¿Es lícito o no, revelar información que me ha sido confiada en términos confidenciales? ¿Debo mantener silencio ante situaciones de abuso de poder, de clara violación de derechos? ¿Me corresponde a mi dicha decisión? Estas son unas pocas preguntas que la cinta no responde sino que a través de los hechos narrados pretende poner sobre la mesa, tal vez para tomar conciencia de lo que un hecho así significa.

En mayor o menor medida Oliver Stone logra su propósito. Universalizar la historia de Snowden y dejar planteada la discusión. Podemos opinar distinto, sin embargo es muy difícil pasar sin formarse una opinión. Aquello es muy valioso y un incentivo claro para ir a ver esta película.

Ficha técnica

Título original: "Snowden"
Duración: 134 minutos

Calificación: TE+7
Género: Suspenso, Biográfica
Año: 2016
País: Estados Unidos
Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Scott Eastwood y Edward Snowden
Director: Oliver Stone

La La Land - Por Carlos Correa

Si una película queda por días -y en este caso semanas- es una señal. Y además, cuando inmediatamente después de verla, uno siente que algo ha cambiado, es aún más claro. “La La Land” tiene mucho de ambos aspectos. Escribo estas líneas escuchando la preciosa banda sonora que Justin Hurwitz compuso para esta maravillosa joya del talentoso director Damien Chazelle, quien ya nos sorprendiera hace dos años con la excelente “Whiplash”.

Mia -Emma Stone- y Sebastián -Ryan Gosling-, son dos jóvenes soñadores que habitan Los Ángeles, la ciudad de las estrellas. Ella quiere ser actriz, va a todas las audiciones posibles para conseguir un papel mientras trabaja en una cafetería que es asiduamente visitada por estrellas consagradas. Él, pianista de Jazz tradicional, se gana la vida tocando en bares y pubs, intentando que la música que lo apasiona siga viva y vigente. Mia y Sebastián, dos almas gemelas que se encuentran por casualidad, cruzan sus vidas, sus emociones, sus frustraciones y sus sueños en un romance que amplía sus horizontes y que parece no tener límite.

Damien Chazelle -de 31 años- narra esta historia como un musical, sin embargo esta cinta es muchísimo más amplia. “La La Land” no solo es excelente musicalmente sino que es un maravilloso relato sobre el amor, la ilusión y la vocación de dos personas, dos almas artísticas que juntas descubren su propio potencial. Habla de fracaso -las más de las veces- y pequeñas cimas -las menos-, en un camino azaroso, difícil, complejo, situados en un universo muchas veces hostil, que no da ventajas y que al menor descuido, pasa la cuenta.

Todo encaja perfectamente en “La La Land”. Las actuaciones de Emma Stone y Ryan Gosling son realmente excelentes. Cantan y bailan de manera estupenda y se complementan con una química y magia única. La música como hilo conductor de la historia es sencilla y a la vez elaborada. El tema central de ambos protagonistas les acompaña permanentemente y el resto de la partitura fluye sólida, alegre, reflexiva y emotiva. La dirección de Chazelle es clave por la forma que tiene de filmar las emociones. Observamos plano-secuencia, diálogos, silencios, primeros planos, contexto, todo desarrollado certeramente y generando una complicidad que aumenta en la medida que el metraje avanza. Ya no son Mia y Sebastián. Somos nosotros representados en ellos. Allí están nuestros propios sueños, nuestra pasión y tal vez nuestra propia historia. Nos apropiamos de sus frustraciones y nos emocionamos con sus conquistas. Aquella sincronía afectiva y fuertemente empática, logra compenetrar la historia y nos hace protagonistas de ella.

“La La Land” es una gran película y sin duda irá por todos los premios del 2016. Es cierto que mira hacia el interior de Hollywood no solo como homenaje -tal vez un poco también mirándose el ombligo-, sin embargo esto no le resta absolutamente ningún mérito. Al contrario, aumenta sus virtudes en un drama musical que tiene de comedia, de romance y un gran abanico de formatos, para dar vida a una historia narrada con variados lenguajes donde la emoción, la pasión, la locura y los sueños se abren paso con energía y vitalidad sin frontera, en una película que nos ilusiona y simplemente nos deja maravillados.

Ficha técnica

Título original: La La Land 
Año: 2016
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Summit Entertainment / Gilbert Films / Impostor Pictures / Marc Platt Productions
Género: Musical. Comedia. Drama. Romance
Guión: Damien Chazelle
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Ryan Gosling, Emma Stone, J.K. Simmons, Rosemarie De Witt, John Legend, Finn Wittrock, Sonoya Mizuno, Jessica Rothe, Jason Fuchs, Callie Hernandez, Trevor Lissauer, Phillip E. Walker, Hemky Madera, Kaye L. Morris
Director: Damien Chazelle

12/1/17

Café Society - Por Musia Rosa

El actor norteamericano Jesse Eisenberg (nominado al Oscar y al Globo de Oro por su interpretación de Mark Zuckerberg, fundador de Face Book, en “The Social Network”) interpreta aquí a Bobby Dorfman, un joven ambicioso que viaja de su pueblo a Hollywood donde su tío Phil (Steve Carell), importante productor cinematográfico, quien le ha ofrecido un trabajo.

Allí Bobby conoce a Vonni (Kristen Stewert), la joven secretaria del tío, con quien comienza una romántica relación. Al mismo tiempo va conociendo y alternando en la sociedad norteamericana de la elite dorada, rutilante y frívola de Hollywood y Nueva York en los años 30, entrelazada, con la mafia judía, desprejuiciada y violenta. Todo ello es mostrado con liviandad y descaro.

La narración, entre comedia, romance y drama se hace atractiva y amable de principio a fin, aunque el diálogo no da respiro, abrumando con su cháchara intrascendente, aunque interesante a ratos también.

Porque bajo la frágil superficie surgen verdades, melancolía, desencanto, dudas y cinismo también, elementos presentes en gran parte de la siempre atractiva y genial cinematografía de Woody Allen.

“Café Society” es una obra menor, pero agrandada en su expresiva intención de hablarnos de lo verdadero y lo falso de la vida y mostrar a los seres humanos cómo pasan la vida sorteando dificultades y dudas, vacilando siempre tras una ilusión.   

La expresiva y hermosa fotografía de Vittorio Storaro (“El Último Emperador), al servicio de los tiempos pasados, la música vivaz y adecuada a las circunstancias, más la narración en off de Allen y las acertadas actuaciones, van conformando una historia creíble y afable, centrada en el mundillo del arte y los negocios, y desarrollada en el meollo de la industria cinematográfica.

Comedia deliciosa, al mejor estilo de su autor, Woody Allen.

Ficha técnica

Título original: Café Society
Año: 2016
País: Estados Unidos
Duración: 96 minutos
Género: Comedia dramática
Elenco: Jesse Eisenberg, Kristen Stewert, Steve Carell, Jeannie Berlin, Blake Lively
Director: Woody Allen

Max Steel - Por José Astorga

Para las 'orejitas chicas de la casa' llega "Max Steel", el superhéroe adolescente que se funde con un robot extraterrestre y cuya existencia está basada en el personaje articulado de  Matell y en la serie de televisión del mismo nombre de principios del siglo XXI, íntegramente generada por computadora (CGI), y cuyo reinicio emitió Cartoon Network.

Stewart Hendler ("Whisper: susurros de terror", "Halo 4: Forward Unto Dawn"), dirige una cinta predecible con un deslucido Andy García ("El Padrino III", "Héroe por accidente") en un papel sin mayor profundidad psicológica y que contrapone fuerzas con Ben Winchell ("A.N.T. Farm: Escuela de Talentos", de canal Disney), quien encarna a Max McGrath, un adolescente silencioso y quitado de bulla que tras el paso por distintos colegios llega hasta el típico pueblo norteamericano lejos de todo.

El relato es simple, lineal, sin mayores dobleces ni puntos de giros que requieran dedicar más de dos neuronas a comprender la historia que, evidentemente, busca entretener a una audiencia adolescente que necesite escaparse del calor estival y disfrutar de un rato de sombra, palomitas de maíz, su bebida cola favorita y wasapear en la sala de cine sin que se pierda el hilo de la historia.


Los personajes, al igual que el juguete de Matell, son de plástico, un tanto rígidos, sin duplicidades que permitan un análisis en mayor profundidad, es decir, la evolución, ya sea para bien o para mal, es superficial, predecible y evidente. Además, tal como suele suceder en las películas de adolescentes, la gracia la aportan personajes secundarios que hacen el papel de tontos, papel en este caso desempeñado por MK'Rat, la forma de vida parásita a base de silicio que se funde con Max y le otorgan la armadura que lo convierten en Max Steel, una suerte de Ironman para niños.

Ficha técnica

Título original: "Max Steel"
Duración: 92 minutos
Calificación: TE
Género: Ciencia Ficción
Año: 2016
País: Estados Unidos
Elenco: Ben Winchell, Ana Villafañe, Andy Garcia, Maria Bello, Josh Brener, Mike Doyle, Al Mitchell, Phillip DeVona, Billy Slaughter, Megan Hayes
Director: Stewart Hendler

La reencarnación - Por Juan Pablo Donoso

Si la miramos como parodia podría entretenernos.

Recopilación de manidos clichés relacionados con posesiones satánicas y ciencia ficción casera.
                                                                                               
Nada que ver con “reencarnación” (su título), ni menos con cualquier fantasía sobre metempsicosis.
                                                                                         
Por suerte dura sólo 80 minutos gracias a su ritmo acelerado y a sus diálogos obvios.

El protagonista, Dr. Ember, es un lisiado en silla de ruedas, sucio y con pelo muy seboso. Sin ser exorcista autorizado, tiene la facultad y la maquinaria para meterse en la mente de las personas poseídas por demonios y, desde adentro, expulsarlos. Le piden que libere a un niño poseso. Accede, pero este demonio será más fuerte debido a que influyó en la muerte accidental de su esposa e hijo. El resto serán los intentos tecnológicos y paranormales de solucionar el problema, dejando para el “final feliz” una nueva sorpresa tan siniestra como la original.

Sobran personajes y hay secuencias inmotivadas.  Predecible y facilista.

Gracias a los clichés musicales, los golpes de imagen, estridencias y velocidad, pensamos que es más una parodia que una película seria de terror, o de ciencia ficción.

Lo más gracioso es cómo los actores fingen tomar en serio sus calamidades. Ellos son Aaron Eckhart (Sully, El Caballero Oscuro), Carice van Houten (Juego de Tronos), Catalina Sandrino Moreno ( Che y Medeas) y el niño David Mazouz (Gotham).

Esperamos que detrás de esta jugarreta – supuestamente seria – se esconda la sonrisa irónica de su director, Brad Peyton, y su guionista Ronnie Christensen. Si logran asustar a alguna muchachita adolescente, se reirán más aún.

SÓLO  AMENA  SI  SE  LA  MIRA  COMO  PARODIA  DE  SATANISMO  Y CIENCIA  FICCION

Ficha técnica

Título Original: Incarnate
Terror, posesión demoníaca
EE.UU. – 80 minutos
Fotografía: Dana Gonzales
Música: Andrew Lockington
Edición: Jonathan Chibnall y Todd E. Miller
Guionista: Ronnie Christensen
Actores: Aaron Eckhart, Carice van Houten, Catalina Sandino Moreno

Director: Brad Peyton

Café Society - Por Juan Pablo Donoso

Una nueva pieza de colección para los admiradores de Woody Allen.  

Es una sencilla historia de amor, pero narrada con fluidez y, como siempre, repleta de frases ingeniosas de Woody Allen, mas una que otra situación inesperada. 

Allen cierra la cinta con un final abierto para que el espectador  crea que la historia podría renacer ya que los personajes centrales, a pesar de las circunstancias, siguen enamorados. 

Lo específico es la época en que está ambientada. La acción ocurre en dos sociedades emblemáticas de EE.UU.: el Brooklyn de Nueva York de los años 30, con una familia típicamente judía en sus tradiciones y también en sus disparates. Cada miembro de esa comunidad es un prototipo caricaturesco del semita neoyorkino, desde el riguroso conservador de las virtudes y tradiciones hasta el gangster despiadado pero muy solidario con los suyos. 

Por otro lado está la efervescencia del Hollywood de aquella época, donde predomina el oropel del cine, los productores poderosos y las fortunas de las estrellas famosas. 

Bobby, el joven judío neoyorkino (Jesse Eisenberg) llega a Hollywood a buscar trabajo junto a su tío, un influyente promotor de astros (Steve Carell). Bobby se enamora con una muchacha sencilla que era la amante de su tío protector. El resto será el proceso por medio del cual la muchacha (Kristen Stewart) debe decidir si casarse con Bobby, el muchacho ingenuo y trabajador, o acepta que el poderoso tío se divorcie y se case con ella. 

Años más adelante, cuando Bobby en Brooklyn ha logrado dinero y prestigio, volverán a encontrarse y, nuevamente, surgirá el dilema entre el  amor inicial de la pareja, o la holgura que trae el dinero y la ostentación. 

La historia, al ser narrada por el mismo Bobby, aporta ese cálido acercamiento a las emociones básicas del personaje.

SENCILLA  HISTORIA  DE  AMOR  AMBIENTADA  EN  EL HOLLYWOOD  DE  LOS  AÑOS  30, Y SALPICADA CON LAS IRONÍAS  DE  WOODY  ALLEN.  

Ficha técnica

EE.UU.
2016
96 minutos
Fotografía: Vittorio Storaro
Tragicomedia, romance
Actores: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell
Director y Guionista: Woody Allen

8/1/17

Un monstruo viene a verme - Por Carlos Correa

El director español Juan Antonio Bayona (“El orfanato”, “Lo imposible”) nos entrega el relato de un adolescente de 12 años, Connor -Lewis MacDougall-, cuya madre -Felicity Jones- está enferma de cáncer. “Conn” debe sobrellevar este tiempo haciendo deberes que para su edad no se condicen -se prepara la comida, lava y seca su ropa- pues el tratamiento debilita cada vez más a su mamá. Sus temores y miedos tienen un factor común: despierta todos los días a las 12:07 con una recurrente pesadilla, donde todo se destruye a su alrededor. Justo en ese momento se hace presente un “monstruo”, un árbol gigante con interior de fuego -Liam Neeson- quien habla con Connor y le narra historias que le resultan sin sentido y poco comprensibles. Por otra parte su abuela -Sigourney Weaver- tampoco colabora mucho en la visión del muchacho, ya que cuando va a vivir a su casa se encuentra con un lugar frío, ordenado y más parecido a un Museo que a un cálido hogar.

La cinta -la más vista en España el 2016 y con 12 nominaciones al Premio Goya- es un relato sobre el dolor, en este caso el de un hijo que no quiere perder a su madre y que sin embargo intuye que no habrá un final diferente. No obstante lo anterior, este viaje emocional incursiona en otros niveles, algunos difíciles de palpar y entender sin profundizar las capas que Bayona, inteligentemente, incorpora en el filme.

“A Monster Calls” puede conmover o dejar indiferente, dependiendo la vereda en la que nos situemos. El desolador drama se compensa con una fantasía que toma distancia de la emoción. O también, podemos interpretar aquella fantasía como una vía natural de expresión de un dolor que no tiene igual; de un temor a aquello que no logramos comprender ni pretendemos conocer, justamente porque nos abraza, nos supera y nos anula.

Juan Antonio Bayona construye un metraje interesante desde el punto de vista de la cuidadosa filmación. Sin embargo, desde la construcción de los personajes -salvo la conmovedora actuación del protagonista Lewis MacDougall-, deja algunas dudas. Hay ciertas inflexiones en las actuaciones de la madre y la abuela, ciertos giros melodramáticos, que quitan sustancia a una elaboración más contundente del drama del que ambas deben dar cuenta.

“Un monstruo viene a verme” funciona bien en términos generales. No es solo una historia. Son varias historias -de hecho es lo que sucede y es su hilo conductor- que finalmente confluyen en una particularidad, que a la vez es universal: el dolor es parte consustancial del crecimiento, se supera y entrega nuevos elementos para las futuras etapas de la vida. En esto hay una gran verdad aunque nuestra naturaleza humana trate de engañarnos o desviarnos de aquello que es inevitable.

Ficha técnica

Título original: A Monster Calls
Año: 2016
Duración: 108 minutos
País: España
Género: Fantástico. Drama | Acoso escolar. Infancia. Monstruos. Enfermedad. Familia
Guión: Patrick Ness (Novela: Patrick Ness)
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Óscar Faura
Reparto: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriott, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay
Director: J.A. Bayona

7/1/17

Pasajeros - Por Carlos Correa

“Ávalon”, una sofisticada y ultramoderna nave espacial, con 5.000 personas y 258 tripulantes en su interior en estado de hibernación, viaja a Homestead II, un planeta-colonia lejano, en un recorrido que tomaría unos 120 años. Un importante impacto con un meteorito causa algunos problemas y la cápsula de Jim Preston -Chris Pratt- se abre y comienza su proceso de activación, faltando aún 90 años para la llegada a destino. ¿Hay alguna razón para esto y está solo él despierto? ¿Cuáles son sus opciones en este viaje interestelar?

Esta cinta del director Morten Tyldum abarca un tema muy atractivo e interesante. Por un lado la necesidad humana -presente o futura- de buscar nuevos lugares habitales y por otro lado el cómo llegar hasta ellos dado su infinita lejanía, ambas variables aun en etapa de ficción y de sueño imposible. Este es, en rigor, lo más destacado de la película, porque el guión se encarga de hacerla predecible y de alargar, sin sentido aparente, la presentación del conflicto.

Es un mérito de sus dos protagonistas -Jennifer Lawrence interpreta a la escritora Aurora Lane- mantener el relato y el peso dramático del metraje, sin embargo, lo que comienza como ciencia ficción se transforma en excusa para mutar hacia el romance, lleno de lugares comunes, frases hechas y acciones repetidas que no hacen más que apagar el hilo conductor de la historia.

Creo que esta cinta es un ejemplo de algo interesante que no logra desarrollarse en plenitud. Es cierto que la sensación que va quedando cuando nos alejamos de ella mejora, pero aquello no es suficiente para que la historia recobre interés. Adicionales a la sustancia, sí cobran protagonismo. La partitura de Thomas Newman y la fotografía de Rodrigo Prieto se alzan como puntos altos en una producción bien ejecutada, correcta, con los efectos especiales justos para acompañar un relato que debió ser mucho mejor construido.

“Pasajeros” tiene presentes otros valores y emociones gracias a su temática esencial. La confianza, la verdad, la moral, el instinto y el deber ser, se presentan en conflicto cuando se deben tomar algunas decisiones. Aunque tomado en forma de comedia, explorar en ellos puede resultar un ejercicio interesante, sobre todo cuando el escenario es tanto inhóspito como desconocido.Finalmente es la humanidad por sobre la ciencia la que busca encontrar la salida o resolución y aquello siempre será interesante, aunque no necesariamente nos conduzca al final que cada uno prefiera para un romance espacial.

Ficha técnica

Título original: Passengers
Año: 2016
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Género: Ciencia ficción. Drama. Aventuras. Romance | Aventura espacial. 3-D
Guión: Jon Spaihts
Música: Thomas Newman
Fotografía: Rodrigo Prieto
Reparto: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Andy García, Julee Cerda
Director: Morten Tyldum

Assassin's Creed - Por Carlos Correa

Un video juego transformado en película puede ser un desafío bastante interesante. Cuando además se añade una interpretación libre sin perder la esencia, las perspectivas son mejores. Y si en el reparto figuran nombres como Marion Cotillard, Jeremy Irons y Michael Fassbender, las expectativas crecen. No obstante lo anterior, “Assassin's Creed” no logra despegar por la debilidad de su columna vertebral: el relato. Ritmo cansino, poco digerible para quienes no conozcan la historia del juego y con muy poca profundidad en el tratamiento de sus personajes.

A través de una tecnología impresionante, Callum Lynch -Michael Fassbender- es forzado a revivir las batallas de Aguilar, antepasado que vivió en la inquisición española del siglo XV. Descendiente de una oscura organización secreta, los Assassins, Callum se da cuenta que tiene habilidades para hacer frente a los Templarios. “Animus” le permite ir y volver, no estando exento del riesgo que ello implica. Callum es investigado (en realidad usado) para descubrir aquél indicio que tan sagradamente ha sido protegido de los Templarios y que contendría -dentro de una una manzana- los principios de la violencia, con lo que podrían extinguirla y con ello dominar el mundo.

Tal como mencionaba en el primer párrafo, el relato es modesto. Está hecho para fans y no para quienes no conocemos la historia. Claro, podemos investigar, mirar el video juego, admirarnos por ello, sin embargo estamos en presencia de una película que debería valerse por si misma y no necesariamente lo hace. 

Justin Kurzel, su director, hace un magnífico trabajo de imágenes, efectos especiales, mezclado con bella fotografía y coreografías que resultan muy brillantes y emocionantes. Sin embargo, la sustancia de la historia se queda donde mismo, parece no empezar ni terminar -característico de los video juegos que nos pueden tomar horas y días en similares escenarios con variantes más, variantes menos- y que finalmente ensaya un final que no hace más que abrir la puerta a posteriores entregas de la saga.

Atractiva visualmente y me imagino que largamente esperada y aclamada por sus fans, Assassin's Creed tendrá su público seguidor en todo el mundo. Sin embargo, como entrega cinematográfica, lejos de un guión adecuado queda al debe y se centra solo en acción y efectos, que entretienen pero pasan tan rápido como las etapas de cualquier juego. Y en este último sentido, hacer cine no es un juego. Es arte, historia y magia, algo lejano para esta cinta, al menos en su primera aproximación a la pantalla grande.

Ficha técnica

Título original: Assassin's Creed
Año: 2016
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Género: Aventuras. Acción. Ciencia ficción | Viajes en el tiempo. Siglo XV. Videojuego
Guión: Adam Cooper, Bill Collage, Michael Lesslie (Videojuego: Patrick Désilets, Corey May, Jade Raymond)
Música: Jed Kurzel
Fotografía: Adam Arkapaw
Reparto: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Ariane Labed, Brian Gleeson, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian, Javier Gutiérrez, Matías Varela, Denis Ménochet, Mohammed Ali, Dino Fazzani, Gabriel Andreu, Megan Affonso
Director: Justin Kurzel

5/1/17

Un Monstruo Viene a Verme - Por Juan Pablo Donoso

Una historia atmosférica y misteriosa en que la realidad y la fantasía se confunden en la mente perturbada de un niño.

Conor es irlandés, tiene doce años y vive con su madre que está gravemente enferma. Su padre partió hace tiempo a radicarse en EE.UU.. En el colegio le hacen bullying por hallarlo silencioso y reservado.

En las noches despierta con miedo. Siente que lo llaman desde un antiguo cementerio cercano. Ahí hay un árbol enorme, centenario, del que se dice que sus frutos y hojas pueden sanar hasta las enfermedades más graves. Pero cuando Conor se acerca, éste se transforma en un monstruo grande y muy arrugado con ojos de fuego.

Será visitado muchas veces por el Árbol. Y de sus conversaciones surgirán tres cuentos de hadas narradas por el Monstruo. Sus moralejas serán amorales pero realistas y sabias. Estas fábulas comienzan a cambiar la visión de mundo del niño. Y a la vez le infunden valor para enfrentar a los compañeros abusadores y vencerlos. Más, el Árbol/Maestro le dice que la 4ª historia deberá narrarla el mismo niño cuando la descubra.

La madre está cada vez más enferma y él debe vivir con su abuela – Sigourney Weaver – quien parece muy severa y casi indolente.

Y de los dolores propios y familiares, el niño concebirá la 4ª historia, inspirada en las tres anteriores, y con ella hallará por fin paz y equilibrio mental.

Bajo esta reseña subyace la necesidad de hallar la VERDAD de lo que nos ocurre en la vida. Y la enseñanza del Monstruo es que debemos tener el coraje de mirarla de frente, como el niño hace con el árbol, y aceptar lo inevitable. Sólo entonces vendrá el equilibrio espiritual, y las cosas hallarán su justa proporción en nuestros procesos de crecimiento y madurez.

La factura del filme es bella y poderosa en lo atmosférico. Sin embargo, trataron de decir demasiadas cosas que, sin duda, están en la novela de Patrick Ness. Pero el discurso cinematográfico se dispersa en muchos núcleos temáticos antes llevarnos a la conclusión definitiva. Pudieron prescindir, o minimizar, aspectos  como la visita del padre, o secuencias en que la importancia emotiva de la abuela recién se comprende cerca del final.

Sólo aceptando nuestras verdades cotidianas, y enfrentándolas con coraje, evitaremos que el miedo y la pena generen fantasmas mentales que podrían conducirnos a la locura. 

Lo central es la íntima relación entre el niño y su madre moribunda, y cómo logra madurar en la conformidad.

EMOTIVA  HISTORIA  MÁS  DE FANTASIA  QUE  DE  TERROR. PUDO QUEDAR  MÁS  PRECISA Y  MEJOR  CENTRADA.  

Ficha técnica

Título Original: A Monster Calls
Drama, fantasía
Inglaterra, EE.UU., España, Canadá
108 minutos
Fotografía: Oscar Faura
Música: Fernando Velásquez
Edición: Jaume Martí y Bernat Vilaplana
Guión y Novela: Patrick Ness 
Actores:  Lewis Mac Dougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones
Director: J.A. Bayona

El Infiltrado - Por Juan Pablo Donoso

Compleja historia policial que gracias al carisma de su protagonista (Bryan Cranston) logra mantenernos alertas e interesados.

Basada en la biografía de Robert Mazur, la guionista Ellen Sue Brown tejió un guión alambicado logrando que resultara claro a pesar de la enorme cantidad de personajes e incidentes de la trama.

Robert Mazur fue un agente policial de Aduana en Miami quien aceptó la misión de infiltrarse en la mafia de narcotraficantes cuyo líder máximo era Pablo Escobar Gaviria. Pronto a jubilar, buen esposo y padre de familia,  se embarcó en la tarea de atrapar a los principales agentes del cartel de Medellín en EE.UU.

Con  ello, además de exponer su propia vida, puso en peligro también la de su esposa y pequeños hijos.

Siguiéndolo a él y a sus informantes, el filme nos introduce en un maraña delictual compuesta por una gama inmensa de individuos. Estos van desde pequeños traficantes callejeros y prostitutas pasando por ejecutivos de bancos internacionales, hechiceros, sicarios e incluso, altos funcionarios del gobierno de los Estados Unidos.

En esta escalada tan peligrosa y bien protegida, nuestro agente encubierto sobrevivirá a muchos asesinatos a sangre fría, a una falsa identidad, a un matrimonio ficticio, hasta reunir a las principales cabezas en un solo evento final y exitoso.

Aparte del suspenso constante de ser descubierto, emerge la dolorosa encrucijada moral de traicionar a todos aquellos delincuentes poderosos que llegaron a confiar en él, y a incluirlo entre sus mejores amigos.

Más que una película de acción hay sutileza en los diálogos; es un gradual proceso de sacar a flote las redes de corrupción en todos los ámbitos por el desquiciado afán de dinero y de poder.

RELATO POLICIAL QUE  DESENMASCARA  EL  LAVADO DE  DINERO  EN  UNA  RED GIGANTESCA DE CORRUPCIÓN  A TODO NIVEL

Ficha técnica

Título Original: The Infiltrator
Drama, Crimen, Narcotráfico
EE.UU. 
127 minutos
Fotografía: Joshua Reis
Música: Chris Hajian
Guión: Ellen Sue Brown y Robert Mazur
Edición: Luis Carballar, Jeff McEvoy, David Rosenbloom Actores:  Bryan Cranston, John Leguizamo, Diane Kruger
Director: Brad Furman