sábado, 30 de enero de 2016

La habitación - Por Juan Pablo Donoso

Pudo ser una película más de terror y suspenso, pero la inteligencia de sus autores hizo de ella un relato asombroso y conmovedor.

Casos similares han sucedido muchas veces en la vida real.  Pero al introducirnos en la mente y la sensibilidad de estos personajes, se abre un abismo de compasión que a nadie dejará indiferente.

Aunque son muchos los filmes de secuestros, esta vez el tema atañe profundamente a la “visión de mundo” (weltanshauung) de sus víctimas: una joven madre y su niño de 5 años.

Ella fue secuestrada siendo adolescente por un hombre mayor, violada y encerrada en un cobertizo durante 6 años. En ese tiempo dio a luz a un niño que también permaneció prisionero junto a su joven madre.  

Para el pequeño aquel cuartucho era su mundo; el único que conocía, aparte de los programas de TV y de una claraboya por la cual pasaban las nubes, los pájaros y las hojas de los árboles.

Para subsistir, la mujer seguía siendo la concubina del violador.

La primera mitad del filme nos muestra cómo vivían madre e hijo y la férrea relación amorosa entre ellos. El niño crecía con una visión propia de la realidad. Lo exterior eran sólo imágenes bidimensionales de la TV. 

En la segunda parte, cuando logran escapar, viene el dramático periodo de ajuste de ambos al mundo exterior. Más difícil fue para la madre que para su hijo. Estaba psicológicamente fragmentada y reacondicionarse al hogar de sus padres fue casi insoportable: su familia la daba por muerta y desaparecida. Hubo que crear un nuevo lenguaje de interacción.

Ambas etapas en la vida de esa joven y su hijo es la experiencia artística y emocional en que nos sumergen los autores de este ímprobo relato.

El resultado es magnífico por su mesura y sensibilidad. El niño (Jacob Tremblay) es prodigioso para comunicarnos sus vivencias de manera tan espontánea, y la madre (Brie Larson) sufre con nosotros su traumática experiencia, primero de encierro, y luego de dolorosa readaptación al mundo de los demás. 

UNA JOYA COMO CINE Y COMO EXPERIENCIA EMOCIONAL. 

Ficha técnica

Título original: Room
Drama                                                                                                           
Irlanda, Canadá
118 minutos 
Guionista: Emma Donoghue (de su novela)
Fotógrafía: Danny Cohen 
Actores: Brie Larson, Jacob Tremblay, Sean Bridgers
Director: Lenny Abrahamson   

viernes, 29 de enero de 2016

El Renacido - Por Carlos Correa

Basada en la novela de Michael Punke, el guión fue escrito por González Iñárritu y Mark L. Smith y la cinta está  protagonizada por Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson y Will Poulter.

En 1820, un grupo de cazadores de pieles sufren una feroz emboscada por parte de un grupo de indios. Hugh Glass -DiCaprio-, es el único que conoce la ruta para regresar, sin embargo resulta gravemente herido por el furioso cruel ataque de un oso grizzly. El capitán de la expedición, Andrew Henry -Domhnall Gleeson- se ve obligado a dejarlo con el hijo indígena de Glass, Hawk -Forrest Goodluck- y dos de sus hombres: Jim Bridger-(Will Poulter- y el ex militar John Fitzgerald -Tom Hardy-. Fitzgerald asesina a Hawk, miente a Bridger y abandona a Glass a su fortuna. Allí comienza la leyenda, una odisea para tratar de sobrevivir en el frío clima, además de ir en búsqueda de Fitzgerald para cobrar venganza.

“The Revenant” es -junto con “Sicario” a mi juicio- de las mejores producciones comerciales del año 2015. Con distinta suerte en lo que a nominaciones y premiaciones se refiere, el cine de González Iñárritu provoca opiniones divididas. Algunos, dentro de quienes me encuentro, vemos CINE en mayúscula. Otros, válidamente, solo mimos hacia un Hollywood carente de originalidad y novedad. No obstante aquello, y desde el punto de vista técnico, esta última cinta del director mexicano, recientemente ganador del Óscar por “Birdman”, es sencillamente una obra magistral. Posee una fotografía insuperable, un sonido espectacular, una ambientación excepcional y un actor que es un lujo: Di Caprio, probablemente en su mejor interpretación a la fecha, sin dejar de mencionar la excelencia de Tom Hardy en un papel duro y antagónico.

Este cine de González Iñárritu me emociona. La ubicación de la cámara, los planos secuencia, la apertura del paisaje y el cierre a primeros planos que son envolventes, configuran un entorno que es mediado por la música -y la ausencia de ella- en un relato que se asemeja a una gran sinfonía de imagen y sonido. Sostener en 158 minutos una historia que probablemente es predecible y cuyo final podemos anticipar sin mayor problema es sin duda un reto de proporciones. Un riesgo, una apuesta a la forma de un relato cuyos pilares son la construcción de un personaje resiliente, capaz de sobreponerse a todo con tal de lograr despejar una verdad insalvable y un entorno que no puede ser más duro y adverso para su protagonista.

Cine de calidad, historia impregnada de valentía, coraje, amor propio y fuerza de voluntad. El compromiso de Di Caprio con González Iñárritu es notable, al punto de fundir en cámara ambos roles, empañando la cámara con el aliento de Glass. Cine de excepción, sin concesiones. Filmación neutra, donde nos encontramos situados como uno más de la expedición, podemos tomar partido, decidir, aventurar y condenar. Cine como obra de arte, donde podemos opinar diferente ya que nos provoca desde diversos puntos de acercamiento. Cine en su máxima dimensión, que transporta, emociona, guía, sorprende y tensiona, para luego generar opinión, debate y reflexión.

Ficha  técnica

Titulo Original: “The Revenant”
Calificación: Mayores de 14 años
Duración: 156 minutos
Genero: Drama, wéstern
Año: 2015
Pais: EE.UU.
Elenco: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Forrest Goodluck, Domhnall Gleeson
Director: Alejandro González Iñárritu

jueves, 28 de enero de 2016

Ya te Extraño - Por Juan Pablo Donoso

La mejor actuación hasta ahora de Drew Barrymore. Toni Collette, una vez más deslumbra con su talento. 

Si bien los socorridos temas de mujeres con cáncer terminal o Alzheimer, o de otras incapaces de tener hijos abundan en la historia del cine, este filme navega por territorios tan nobles como la amistad, el buen amor familiar y la solidaridad femenina.

Es muy habitual que cuando las mujeres hace guiones y dirigen sus relatos presentan débiles conflictos antagónicos; ellas optan por un discurso que prioriza las emociones por sobre la confrontación y la violencia física. Los dolores y alegrías de sus personajes suelen darse con matices de mayor delicadeza y reposo. En ellas predomina la atmósfera y la sutileza de las  caprichosas relaciones personales. En pocas palabras, cuando narran una historia predominan sus rasgos más sutiles, incluso cuando las circunstancias son en sí violentas o escatológicas. (Ej. Pascualino 7 Bellezas de Lina Wertmüller)

En este filme de Catherine Hardwicke, con guión de Morwenna Banks, subyace en todo momento un hálito de ternura, de humor complaciente, y una cierta conformidad hacia la naturaleza que se impone sobre las criaturas, tanto en sus cuerpos como en sus emociones. La enfermedad progresiva de Milly y la infertilidad de Jess son estigmas y penas que deben afrontar de las maneras más nobles y estoicas posible. 

SINCERO MELODRAMA DE AMISTAD Y AMOR LOGRADO EN CALIDAD Y SENTIMIENTO.

Ficha técnica

Título original: Miss you already
BFDistribution
Guionista: Morwena Banks                                                                                                                                                 
Tragicomedia, familia, amistad                                                                                                                      
Reino Unido 
102 minutos                                                                                           
Actores: Drew Barrymore, Toni Collette, Dominic Cooper
Directora: Catherine Hardwicke

martes, 26 de enero de 2016

El Renacido - Por Juan Pablo Donoso

Un himno al instinto de sobrevivencia. Epopeya de cómo Hugh Glass, un cazador de pieles, a fines del siglo 19, logra subsistir entre los bosques salvajes y la nieve de las montañas en EE.UU. Y sus enemigos, además de los elementos y bestias salvajes, serán también algunas tribus indias y, principalmente, sus mismos compañeros de expedición. 

Una factura extraordinaria. Ambientación fotográfica de impactante poesía. Virtuosismo fílmico con impecables travellings y cámara en mano para insertarnos en la rudeza del ambiente. Los plano-secuencias nos incluyen entre aquellos personajes. Dirección, fotografía, actuaciones y/o la edición deberían obtener al menos un Oscar. Ya fueron galardonados, junto al director, en certámenes anteriores. El aprovechamiento de las horas de luz en los bosques, amaneceres, neblina y atardeceres son de antología. Memorable la secuencia en que nuestro héroe es atacado y zarandeado por un oso grizzli, con cuyas heridas deberá continuar por el resto de la historia. El drama se centra en que sus compañeros, viéndolo moribundo por el ataque del oso lo abandonan para que muera en la soledad. 

Para alivianar la extensión de la aventura, guionista y director, insertan idílicos raccontos de la familia de Glass en la tribu Mawnee. Mantiene nuestra atención en todo momento. Sólo en las secuencias finales recurre a las fórmulas habituales de los enfrentamientos de westerns. Pero incluso éstos, a pesar de lo sangrientos, lucen virtuosismo y humanidad.  

Si Di Caprio se lleva las palmas por su rol protagónico, mención especial merece el inglés Tom Hardy como su despiadado antagonista Fitzgerald.   

Con tantos peligros y desafíos, la película cumple con los requisitos de un relato “épico” porque tiene un “héroe” que, además de noble y altruista, por su resiliencia alcanza niveles sobrehumanos. 

Un nuevo acierto del director mexicano Alejandro González Iñárritu (Amores Perros, Babel, Biutful, Birdman, 21 Gramos, entre otras).

AUNQUE  LARGA, PODEROSA  REALIZACIÓN  ÉPICA  POR  SU  BELLEZA  Y VALORES DE RESILIENCIA. 

Ficha técnica

Título original: The Revenant
Drama, aventura, suspenso                                                                       
EE.UU.
156 minutos
Fotografía:  Emmanuel Lubezki                                                
Música: Carsten Nicolai, Ryuichii Sakamoto
Edición: Stephen Mirrione
Co-guionistas: Mark L. Smith, Michael Punke (libro)                      
Actores: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Will Coulter
Director y guionista: Alejandro González Iñárritu

Truman - Por Juan Pablo Donoso

Truman es un perro mastif  que – con su sola presencia - ejerce como pivote en el frágil drama que se nos cuenta. 

Tomás es un español con buena situación económica que vive con su familia en Canadá. Viaja a Madrid por 4 días para visitar a su gran amigo Julián, actor de teatro. Julián lo ha llamado para comunicarle que sufre de una enfermedad terminal. Será el último encuentro de ambos; y en esos 4 días Tomás será testigo de cómo Julián se prepara social y familiarmente para partir de este mundo. 

Tomás será testigo impotente de cualquier solución, salvo financiar sus deseos con uno pocos euros. 
Pero Julián, separado y con un hijo que estudia en Holanda, vive en su departamento acompañado sólo por su inseparable perro Truman. ¿A quién dejárselo cuando él se vaya? Ambos amigos buscan una solución para este dilema evaluando a diferentes candidatos. 

A eso se reduce el transcurrir de la historia. El mérito está en el fluido tratamiento cinematográfico que el director  catalán Cesc Gay y el guionista Tomás Aragay le dieron al filme. Si bien ya conocemos el talento de Ricardo Darín, son admirables Javier Cámara, español, y la argentina Dolores Fonzi. Javier Cámara, como testigo, transmite casi sin palabras sus sentimientos de manera magistral. La amiga de Julián, Dolores Fonzi, aún con menos textos y breves escenas, respira emoción en cada uno de sus tragicómicos momentos.

Y los tres serán observados por el perro Truman que, al igual que nosotros los espectadores, espera saber cuál será su domicilio final una vez que deba separase de su amo. 

Sólo objetaríamos una breve escena sexual casi explícita que, con la fineza del relato, pudo decir lo mismo de manera más sutil. 

DELEITABLE  POR  SU  VARONIL  TERNURA, IMPECABLE OFICIO NARRATIVO, Y CONMOVEDORAS  ACTUACIONES.
 
Ficha técnica

España y Argentina
108 minutos
Fotografía: Andreu Rebés                                                                   
Música: Nico Cota, Toti Soler                                                             
Tragicomedia, amistad 
Guión: Tomás Aragay, Cesc Gay 
Actores: Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi    

Director: Cesc Gay

jueves, 21 de enero de 2016

El Renacido - Por Musia Rosa

Esta película está inspirada en la novela de Michael Punke, sobre un legendario cazador de pieles a fines del siglo XIX, Hugh Glass, quien, dirigiendo una expedición, sufre el brutal y reiterado ataque de un oso. Larga escena que permanecerá en la memoria del espectador entre las más fuertes vistas y sufridas, por la fiereza de la bestia y la fortaleza de su víctima.

Sus compañeros, en la necesidad de huir del lugar, lo dejan al cuidado de un joven explorador y de John Fitzgerald, quien da muerte al hijo de Glass. Pero Fitzgerald miente al joven de la urgencia de arrancar y abandonar a Glass, dado que ya está muriendo.
Hugh Glass, abandonado a su suerte, arrastrando sus heridas, su furia y sus dolores, da inicio a la hazaña de supervivencia y fortaleza de su legendaria historia.

Entre las escenas increíbles y de antología está aquella en que muerto su caballo en un salto imprevisto y espectacular Hugh Glass sobrevive, extrae las vísceras del animal y entra en su cuerpo tibio para sobrevivir al frío y nevado invierno. 
  
La soberbia interpretación de Leonardo DiCaprio (“El aviador”, “El lobo de Wall Street”), lleva la tensión in crescendo durante todo el desarrollo del argumento, hasta la confrontación final entre Hugh Glass (DiCaprio) y John Fitzgerald (Tom Hardy, en gran actuación también).

La exuberancia y belleza de la naturaleza, bajo la elocuente mirada del fotógrafo  mexicano Emmanuel Lubesky (Gravedad, Birdman),  más la monumental música de Ryuichi Sakamoto (El Último Emperador, Tacones Lejanos), dan la fuerza y solemnidad a esta potente historia de Hugh Glass, uno de los héroes de la cultura popular norteamericana.

Hay una frase significativa, que se dice en dos ocasiones importantes del filme, “la venganza está en las manos del Creador”, lo que sería su leit motiv, la razón intrínseca para contar esta increíble historia.

Ficha técnica

Título original: “The Revenant”
País: EE.UU.
Año: 2015 
Duración: 156 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Género: Drama, wéstern
Elenco: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Forrest Goodluck, Domhnall Gleeson
Director: Alejandro González Iñárritu

Una Buena Receta - Por Juan Pablo Donoso

El mérito de esta película está en el despliegue del arte culinario. El argumento y los personajes son sólo el pretexto para el espectáculo de refinadas comidas y restaurantes de lujo.

El gran objetivo del protagonista (Bradley Cooper) es llegar a ganar las 3 Estrellas que confiere el catálogo Michelin a los mejores chefs del mundo.

La historia comienza cuando  Adam Jones – afamado ex chef -ha logrado superar sus crisis de drogas y alcohol. Va desde Paris, donde su vicio fue catastrófico, a reiniciar su carrera en Londres. Recluta antiguos colaboradores cocineros para instalarse en las dependencias de un prestigioso hotel. 

Mientras se las ingenia para seguir pagando sus deudas con antiguos malandrines, se irá confrontando con rivales chefs de otros restaurantes, con su patrón homosexual, con antiguas amantes, e iniciará un romance de dulce y agraz con una colaboradora separada (Sienna Miller).

Luego de muchos avatares y golpizas, vendrá la oportunidad de demostrar su talento ante los más severos críticos gastronómicos de Europa (breves escenas de Uma Thurman).

Si bien toda la parafernalia de exquisiteces está bien expuesta y con ágil ritmo, el argumento es pedestre, los personajes carecen de desarrollo y profundidad dramática, y los diálogos son de una obviedad al borde de la ramplonería.

A nuestro juicio Bradley Cooper, por eficiente que haya sido en otras películas, aquí fue mal escogido. Resulta poco verosímil un galán tan glamoroso interpretando a un personaje tan vapuleado por los excesos y vicios de su vida anterior. El mismo relato se habría llenado de fuerza y conmiseración con un actor más agreste y deteriorado. En otro tiempo ideal habría sido Gerard Depardieu, Jean-Paul Belmondo o Anthony Quinn, por ejemplo; y sin duda hoy día hay actores relativamente jóvenes capaces de proyectar mayor patetismo. Cooper hace lo mejor que puede en un rol ajeno a su carisma. 

Un filme con evidente desequilibrio entre el perfeccionista mundo de la alta gastronomía y el superficial diseño dramático de su trama y de sus personajes. 

RECOMENDABLE  PARA  EXIMIOS  CHEFS  DE  COCINA  Y PARA  DROGADICTOS  REHABILITADOS.

Ficha técnica

¿Burnt o Adam Jones?
BFDistribution
Tragicomedia                                                                                                 
EE.UU.
101 minutos             
Guionistas: Steven Knight, Michael Kalesniko                                                             
Actores: Bradley Cooper, Sienna Miller, Daniel Brühl, Emma Watson, Alicia Vikander, Lily James
Director: John Wells

miércoles, 20 de enero de 2016

La Gran Apuesta - Por Juan Pablo Donoso

Mas de 150 personajes. Excelentes actuaciones de los principales y una virtuosa realización, pero resultará densa, larga y enigmática para quienes desconozcan los pormenores de la crisis económica de 2008 en EE.UU.  

Inspirada en personajes y hechos verdaderos, desde el comienzo los realizadores dan por descontado que la mayoría del público  conoció y/o fue víctima del suceso. Pero los espectadores foráneos sólo podrán seguir la trama por sus acciones generales, porque lo textos son muy especializados, y los nuevos personajes van apareciendo en cascada interminable. 

En 2008 se creó en EE.UU. la “burbuja inmobiliaria”. Compra y venta de bonos bursátiles en una maraña que baraja swaps, hipotecas triple A, doble B, CDO y otros términos estrictamente financieros. El guión nos presenta a varios grupos de expertos quienes, en forma separada, creen haber descubierto el gran negocio; y se embarcan en “la gran apuesta” intuyendo que vendrá un descalabro cuando miles de ciudadanos sean incapaces de pagar sus hipotecas. Algo muy similar a lo que se vislumbra en nuestro país, donde los bienes raíces se encarecen cada vez más. Y ellos invierten contra el sistema, apostando contra los pronósticos, esperando que el mercado se desmorone hacia la baja.  Ese es el tema, de por sí complejo y muy difícil de narrar con cierta claridad. 

El resultado es ágil, muy bien interpretado por sus actores, con una decisiva edición, sin la cual más difícil aún habría sido comprender los engranajes del conflicto, y la tensión de sus ejecutores. Brillante Christian Bale como el médico excéntrico con un raro talento para manipular cifras; comprometido hasta contagiar su angustia Steve Carell y, entre otros temperamentos erráticos, destaca un sereno y experto Brad Pitt, casi irreconocible en la construcción de un personaje diferente a los que ya se le conocían.

Lo que deja en el espectador que soporta la coctelera de 2,10 hrs. es un llamado de alerta contra la ambición y especulación desatada, que puede arruinar a millones de sencillos inversionistas de cualquier sociedad capitalista.  
  
BIEN REALIZADA  PERO AGOBIADORA PARA QUIENES DESCONOZCAN EL COLPASO BURSATIL DE 2008 EN EE.UU. 

Ficha técnica

"The Big Short" 
EE.UU.
130 minutos
Drama bursátil, historia, ironía                                                                              
Guionistas:  Charles Randolph, Adam McKay. Michael Lewis (libro)     
Edición: Hank Corwin                                                                                               
Actores:  Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling

Director:  Adam McKay

jueves, 14 de enero de 2016

Proyecto 666 - Por Juan Pablo Donoso

Para asustar a los espectadores adolescentes recurren a todos los clichés conocidos en filmes anteriores de terror. Para los adultos sólo será desagradable y carente de mínima lógica. Demasiado presupuesto invertido en una película tan tonta. 

En este “cajón de abuela” meten endemoniados, exorcismos, orgías con drogas y sexo, pasando por explosiones de sangre, excrementos, suicidios, sacerdotes católicos asesinos y violadores, decapitaciones y, nuevamente, cadáveres que resucitan para seguir asesinando.

Un grupo de jóvenes y muchachas escoge un asilo abandonado para pasar una noche de farra y orgía. El caserón había sido en el pasado, antes de incendiarse, un manicomio de niños enfermos mentales sin remedio. Estuvo a cargo de un sacerdote católico atormentado por una culpa misteriosa. A él, justamente, lo llaman para que venga a exorcizar a los ahora poseídos jóvenes fiesteros. Terminará convertido en antorcha humana.

En ese contexto se desarrollará la trama plagada de “screamers” (golpes sorpresivos de ruidos agudos e imágenes monstruosas). Será inútil pedir inteligencia o motivación psicológica a sus personajes. Están ahí para enloquecer, asesinar o ser descuartizados en múltiples baños de sangre. 

El único toque humorístico es cuando uno de los mismos personajes declara que esto parece una sucesión de clichés de terror cinematográfico.

ENERGÉTICA  ACUMULACIÓN  DE CLICHÉS TERRORÍFICOS  PARA ASUSTAR  A  ESPECTADORES  INGENUOS.    

Ficha técnica

Título original: BackMask o Exeter
BFDistribution
Terror, Intriga                                                                                                    
EE.UU.
91 minutos                                                                             
Actores: Stephen Lang, Gage Golightly, Brett Dier
Director: Marcus Nispel 

viernes, 8 de enero de 2016

Steve Jobs - Por Carlos Correa

Revisar algunos capítulos de la vida de Steve Jobs vuelve a provocar en mi un número no menor de emociones, recuerdos y reflexiones. Si luego de su muerte el 5 de octubre de 2011 pudimos conocerlo más a fondo gracias a su biografía escrita brillantemente por Walter Isaacson y acercarnos a una versión cinematográfica en “Jobs” en 2013, es esta la cinta que muchos esperábamos por muy diversas razones: la principal, su guionista Aaron Sorkin.

Danny Boyle -“Trainspotting”, “Slumdog Millionaire”- construye esta película con mucha solidez. Sorkin -“Red Social”- elabora un relato muy cercano al género teatral a partir de tres pilares fundamentales en la vida de Jobs: el lanzamiento del “Macintosh” en 1984, la computadora “Next” en 1988 y la irrupción del “iMac” en 1998. Estos tres iconos no son al azar, están íntimamente relacionados y permiten explorar una faceta íntima del cofundador de Apple.

El tejido dramático de la película es intenso. Los diálogos -marca registrada de Aaron Sorkin- son complejos y profundos. El situarla en los minutos previos a los tres lanzamientos, nos permite asistir a la preparación de los eventos, donde la tensión creciente y la expectativa hacen que el ritmo no se pierda en ningún momento.

Michael Fassbender como Steve Jobs y Kate Winslet como Joanna Hoffman -su principal asistente en la cinta- hacen un trabajo de lujo para sobrellevar sus protagónicos roles. Fassbender construye a un Jobs fascinante, ilustrando con fuerza algunas de las características que de él conocimos: una absoluta obsesión por los detalles, una desconexión con la realidad -también llamado “campo de distorsión”- un desconsiderado trato con sus colaboradores y una seguridad capaz de traspasar fronteras a pesar de sus reiterados fracasos.

“Steve Jobs” no es solo una cinta para nosotros, los “fan” de Apple. Es cierto que detalles fundamentales están rápidamente expuestos en los diálogos -ojo con los guiños al iPod y al iPad- y encontremos que hay poca muestra del trabajo creativo que caracterizó a Jobs, sin embargo, esta lectura enfocada entrega una mirada más profunda a su personalidad desde algunos aspectos fundamentales: la relación con su exnovia, Chrissan Brennan -Katherine Waterston- y su hija Lisa, a quien tardó mucho en reconocer; la leal amistad con su socio Steve Wozniak -Seth Rogen-; las confrontaciones con John Sculley -Jeff Daniels- quien lo despidió de su propia empresa y su siempre compleja y tensa relación con sus colaboradores a quienes desafiaba permanentemente, exigiendo hacer posible lo imposible.

“Think different”.

Ficha técnica

País: Estados Unidos
Año: 2015
Género: Película biográfica
Duración: 122 minutos
Producción: Danny Boyle
Guión: Aaron Sorkin
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Alwin H. Küchler
Montaje: Jon Harris
Protagonistas: Michael Fassbender, Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels
Dirección: Danny Boyle

jueves, 7 de enero de 2016

Los Odiosos Ocho - Por Juan Pablo Donoso

Estamos hablando de un gran realizador cinematográfico - Tarantino - poseedor de un potente estilo narrativo y de una reiterada visión de mundo y de la crueldad  latente en los seres humanos.

Dicho esto, nos abocamos a su reciente creación, Los Odiosos Ocho. 

Escogió como momento histórico la post Guerra Civil de Estados Unidos. La ambientó en los nevados páramos montañeses de Wyoming, y la pobló con personajes despiadados, de moral aberrante, mentirosos, y sedientos de sangre.

Los encierra a todos en una cabaña mientras afuera ruge una tormenta, y deja que la tormenta de sus vidas y codicias se concentre y explote entre esas cuatro paredes.

Los prejuicios y las consecuencias de la feroz Guerra Civil afloran como heridas abiertas manifestándose en racismo, soberbia, venganza social y bestialidad propia de fieras enjauladas.

Como en casi todos los filmes de Tarantino, los baños de sangre, las excrecencias y las mutilaciones irán en crescendo hacia un final desolador.

Influido por maestros anteriores del western salvaje como Sam Peckinpah y Sergio Leone en el tratamiento de la violencia, el autor incorpora también ahora el misterio policial tipo Agatha Christie. 

En los primeros 90 minutos de proyección hay una superabundancia de diálogos, tal vez ingeniosos y sugerentes, pero que nos hacen preguntarnos adónde conducen. Ya en la recta final comienza el banquete de masacres, y la revelación de quiénes son los más viles y abominables de todas aquellas criaturas ahí encerradas. Pero a nuestro juicio habría logrado mas suspenso con mayor selección de diálogos y secuencias, y habría durado menos de las casi 3 horas que pueden fatigar a muchos espectadores.

Tanto la factura audiovisual - fotografía, edición y música de Ennio Morricone -  como la caracterización de muchos de sus personajes resultan de un altísimo nivel, pero quizás Tarantino esta vez se engolosinó con sus propias habilidades y nos somete a un plato demasiado enjundioso.

UN  MANJAR  PARA  LOS FANÁTICOS DE  TARANTINO, PERO ALGO  PESADA  Y  PALABRIENTA  PARA  OTROS.

Ficha técnica

Título original: ”The Hateful Eight"
Año: 2015
Fotografía: Robert Richardson                                                                 
Música: Ennio Morricone                                                                          
Edición: Fred Raskin                                                                       
Tragicomedia, violencia, misterio.                                                              
EE.UU.
3 horas 
Actores: Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh, Channing Tatum
Director y Guionista: Quentin Tarantino

Sufragistas - Por Juan Pablo Donoso

El tema central es la lucha por obtener el derecho al voto femenino.

Lo mejor de esta película son las actuaciones – en especial de Carey Mulligan – la ambientación de Inglaterra en 1912, y la atmosférica fotografía de Eduard Grau.

El resto expone deficiencias: un guión recargado, más sinóptico que empático; un marcado proselitismo feminista, y ciertas inexactitudes históricas expuestas como si hubiesen sido absolutas.

Para justificar el conflicto se recurre a lo más sensible: la pobreza y el analfabetismo de las obreras quienes, además, debían someterse a los abusos sexuales de los capataces industriales y a las golpizas de sus maridos.

Pero la verdad histórica, al menos en Inglaterra, era otra. Una cosa fue el movimiento “sufraguista”, con hombres y mujeres que elaboraron canales de influencia por medios legales,  y otra la corriente “sufraguette”, de corte abiertamente terrorista, que optó por la violencia, el magnicidio y la autoinmolación. Ellas, lejos de ser heroínas, por su exaltación retardaron el proceso. En este filme se presentan ambas tendencias fundidas en una misma expresión política y social.  

Los admiradores de Meryl Streep la verán en una sola escena como la poderosa ideóloga Mrs. Pankhurst. Su arenga influye poderosamente en el destino dramático de las jóvenes obreras protagonistas de la cinta.

Habría sido interesante saber qué fue de Maud, qué trabajos ejerció después, y cómo reconstruyó su nueva vida sobre las ruinas de la anterior.

Las “sufraguettes” se oponían a tener las mismas responsabilidades que los hombres; y obtuvieron el derecho a voto sin la obligación de servir a la patria, excepto en Israel y en varios países occidentales. 

La falacia de esta película es presentarse como verdadera, exacta, como un trozo de auténtica historia.

VALGA  COMO MELODRAMA, PERO ES  PARCIALMENTE FIDEDIGNA  EN  LOS HECHOS  REALES.   

Ficha técnica

Título original: Sufragette
Año: 2015
Drama, Historia, Biografía      
Inglaterra
1,46 hrs.
Guión: Abi Morgan     
Fotografía: Eduard Grau                                                                                         
Actores: Carey Mulligan, Helena Bonham-Carter, Anne-Marie Duff, Brendan Gleeson
Directora: Sarah Gavron 

sábado, 2 de enero de 2016

Operación Zulu - Por Carlos Correa

Ciudad del Cabo, Sudáfrica, 2013. La huella del apartheid es tangible, las diferencias sociales, aun más evidentes; la desigualdad, impresentable. En este contexto y con este marco de referencia, transcurre “Operación Zulu”, un excelente thriller del director francés Jérôme Salle estrenado en Cannes el año 2013.

Tres detectives amigos, Ali Sokhela -Forrest Whitaker-, Dan Fletcher -Conrad Kemp- y Brian Epkeen -Orlando Bloom-, tan diferentes como leales compañeros, investigan el asesinato a golpes de una joven blanca. Las pistas los conducen a una playa dominada por narcos y aquel momento desencadena tragedias que con el correr de los minutos aumentan en tensión, crueldad e intensidad.

Jérôme Salle filma cada escena con dedicación. Sus planos cercanos son cuidadosos y con ellos entramos a la intimidad de los personajes. Como contraparte, la fotografía de la ciudad, los grandes planos, nos muestran un escenario de extrema pobreza y exceso de riqueza, que intenta convivir dentro de un entorno dominado por bandas de narcos, territorios difíciles para la policía y con una población amenazada y sometida.

El asesinato es solo la punta del iceberg de una corrupción política y generación de nuevas drogas que atenta contra la misma población que ha logrado someter bajo su manto.

Orlando Bloom y Forest Whitaker sostienen personajes muy bien desarrollados. La gestualidad de Whitaker da cuenta de su historia, que se remonta a una traumática niñez. La semblanza de Bloom, disfrazado de mujeriego, nos muestra la frustración de un hombre que en lo personal ha fracasado como esposo y padre, y que busca su redención en su oficio y en el apoyo a sus compañeros de profesión.

“Operación Zulu” no nos puede dejar indiferentes. Provoca emociones a raudales, nos sorprende y conmueve de manera brutal. ¡Cuánto ayuda el excelente relato, un guión sólido y actuaciones macizas! La cámara de Salle nos transporta e inserta en un mundo que posiblemente está más cerca de nosotros de lo que pensamos o creemos. El poder la la industria farmacéutica, el tráfico de droga y los poderes políticos parecen destruir los valores más preciados: la familia, el amor, la amistad, la lealtad. Incluso la venganza se disfraza de justicia y es difícil resistirse a no estar de acuerdo, sin embargo la reflexión -gracias a las múltiples capas de la cinta- no puede estar ausente y “Zulu” aporta muchos elementos para un debate valórico profundo, serio y comprometido.

Ficha técnica

Título Original: Zulu
Guión: Caryl Ferey, Julien Rappeneau, Jérôme Salle
Música: Alexandre Desplat
Duración: 110 minutos
País: Francia
Idioma: Inglés, Africano
Elenco: Orlando Bloom, Forest Whitaker
Director: Jérôme Salle

viernes, 1 de enero de 2016

“BUS 657” - Por Juan Pablo Donoso

Policial con mucha acción, personajes convencionales típicos de filmes violentos de los años 80, con poca lógica y menos novedad.

Cabe preguntarse por qué actores como Robert de Niro y Jeffrey Dean Morgan aceptaron participar en este producto tan comercial hollywoodense. Les sobran ofertas.

Los méritos son el ritmo ágil del relato y la edición (Brandon Cox). Podríamos agregar la iluminación basada casi entera en contraluces, (Robert Dalva) pero el recurso ya es muy socorrido desde que en Los Inperdonables de Clint Eastwood lo aplicara con acierto el Director de Fotografía Jack N. Green. Con ello logran un ambiente lóbrego y siniestro; pero en una historia  pedestre es poco lo que puede aportar, y más bien termina molestando.

El millonario mafioso, dueño de un Casino flotante (Robert de Niro) rehusa prestarle dinero a uno de sus empleados (Jeffrey Dean Morgan), cuya hijita necesita ser operada de urgencia. En complicidad con uno de los guardias deciden entrar a las bóvedas del casino y robar 3 millones de dólares. El atraco fracasa y los ladrones secuestran un bus de la movilización colectiva, toman como rehenes a sus pasajeros y son perseguidos por la policía hasta ser capturados después de varias matanzas. Y como también es habitual, ciertos policías son corruptos, pero sucumben en un apaleado final feliz. 

El resto de los detalles es sólo para pasar el rato.

FILME  POLICIAL  POCO NOVEDOSO Y  MÁS  APROPIADO PARA  LA  TV. QUE PARA LOS CINES.

Ficha Técnica

Título original: Heist
Año: 2015
País: Estados Unidos
Duración:  93 Minutos
Género: Suspenso , Acción
Elenco: Robert De Niro, Dave Bautista, Jeffrey Dean Morgan
Director: Scott Mann