26/12/13

Blue Jasmine - Por Musia Rosa

A Woody Allen, grande entre los grandes del séptimo arte, lo hemos admirado con entusiasmo y placer, a través de su variada cinematografía, donde hay películas menores y mayores, como es dable esperar en tan extensa filmografía, pero donde es imposible no reconocer cuanto nos ha hecho reír, llorar, asombrarnos, sufrir y reflexionar, con  las situaciones cotidianas de la vida y las grandes preocupaciones del hombre de hoy, mostradas con tanto ingenio y sabiduría a través de sus inefables imágenes audiovisuales.

En ésta, su última película, Blue Jasmine, Allen da cuenta, una vez más, de su gran sensibilidad  para ahondar en el comportamiento humano, en la relación de pareja y muy especialmente y con profunda preocupación, honestidad y sutileza, en el interior de la mujer, de su naturaleza humana.

Jasmine (Cate Blanchette) es una hermosa mujer que se mueve en un esplendoroso medio social, con un marido económicamente exitoso. Pero basta un ataque de celos y una acción de venganza irracional para verse de la noche a la mañana en la ruina, sola y desesperada. Jasmine decide ir donde su hermana, adoptada al igual que ella, que vive en un suburbio muy modesto y a la que ha dejado de ver hace algún tiempo. 

Hace esfuerzos por reinventar su vida, pero la mentira la traiciona.

La genialidad de la película no está en la historia misma, sino en cómo la cuenta el autor. Tras ella hay un magnífico guión y excelente trabajo de edición que muestra escenas del pasado y el presente, en forma alternada, perfectamente ensambladas, sin fractura ni respiro, para mostrar a Jasmine, en sus diferentes instancias de vida y variadas situaciones que debe enfrentar, relajada, preocupada, esplendente en los salones, llorosa, deprimida, coqueta y esperanzada. 

Magistral actuación de Cate Blanchette (El talento de  Mr. Ripley, El Aviador) para lograr desenvolverse en ambientes y circunstancias sociales tan antagónicos, con estados de ánimo tan dispares, pero luciendo siempre la connatural distinción que exigía su personaje.

Película inteligente, interesante y entretenida, que mueve a reflexionar sobre la vacuidad de algunas existencias, las necesidades de las otras personas, las deslealtades y los vaivenes de la vida que obligan a mirarla con ojos más conscientes y generosos.

Ficha técnica

Titulo Original: Blue Jazmine
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 98 minutos
Género: Comedia - Drama
Año: 2013
País: Estados Unidos
Elenco: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard

Director: Woody Allen

Blue Jasmine - Por Juan Pablo Donoso

En este filme se integran el talento y la madurez de Woody Allen quien, a los 78 años sigue deleitando a sus admiradores con historias cotidianas.

En varias de sus cuarenta y tantas películas anteriores ha incursionado en tratamientos inspirados en otros directores. Por ejemplo, en INTERIORES quiso narrar a la manera de Ingmar Bergman.

Esta vez, con BLUE JASMINE (mal traducida como El Jazmín Azul) se sintonizó con Tennessee Williams, y para ser más precisos con El Tranvía Llamado Deseo.

Creó personajes centrales muy parecidos a aquellos, pero ambientados en San Francisco y Nueva York de hoy. Y el recurso le funcionó gracias a que su sello es inconfundible, y su ritmo siempre fascinante de seguir.

Cate Blanchett – extraordinaria actriz australiana – es Jasmine French, que fue casada con un supuesto triunfador en los negocios, pero en verdad era un megalomaníaco  estafador (Alec Baldwin).

Cuando  es apresado y se suicida, ella, que con tal de disfrutar de lujos y “socialité” siempre prefirió ignorar las fechorías de su marido, queda pobre y solitaria; porque hasta su hijo escapa del hogar al enterarse que su padre era un fraude.

Jasmine, entonces, decide instalarse en el departamento de su hermanastra, Ginger, (adorable interpretación de Sally Hawkins), quien a su vez, junto a su ex marido fueron arruinados por el marido de Jasmine.

Ambas están ahora sin marido y necesitadas de amor. Vivirán amagos de nuevos romances saliendo triunfadora Ginger gracias a su inteligencia para acatar la realidad, y aceptar sus limitaciones.

Jasmine, en cambio, que ya manifestaba notorios síntomas de esquizofrenia, es incapaz de reconstruir su vida y se sumerge gradualmente en su mundo de recuerdos y fantasías.

Uno de los tantos meritos en la construcción argumental de esta tragicomedia es que Woody Allen, sin previo aviso, mezcla lo actual con los raccontos de ambas hermanas. Y, prodigiosamente, todo mantiene claridad y los personajes nos llegan sinceros y vulnerables.

Quienes conozcan, y recuerden bien El Tranvía Llamado Deseo de T. Williams verán las similitudes de ciertas circunstancias, y las motivaciones de sus personajes principales.  

Admirables las actuaciones de Blanchett, Hawkins, Cannavale y la mayoría de los secundarios.

UN  DELEITE  DE  OFICIO  ARTÍSTICO, INSPIRADO EN  TENNESSEE WILLIAMS, PERO CON EL ENCANTO INDISCUTIBLE DE  UNA  OBRA  DE  WOODY ALLEN.

Ficha técnica

Titulo Original: Blue Jazmine
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 98 minutos
Género: Comedia - Drama
Año: 2013
País: Estados Unidos
Elenco: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard

Director: Woody Allen

Blue Jasmine - Por Carlos Correa

Woody Allen no da tregua a sus 78 años. Con un ritmo vertiginoso y una película filmada cada año, realmente el oficio y maestría para lograrlo es admirable. Su última entrega, "Blue Jasmine", es nuevamente un drama recubierto de esa comedia que sólo Allen puede proponer. Jasmine -Cate Blanchett en un papel construido de forma extraordinaria- es una mujer acostumbrada a los lujos, a los viajes, y a las grandes cenas de la alta sociedad de New York. Su marido Hal -Alec Baldwin- la ha consentido toda su vida, sin condiciones, al menos aparentemente. No obstante, su vida cambia radicalmente pues luego de un giro radical, endeudada y destruida, debe migrar a San Francisco, y llegar a la modesta casa de su hermana Ginger -Sally Hawkins-, mujer trabajadora, separada, madre de dos hijos y con una vida dedicada al trabajo.

"Blue Jasmine" no es sólo la historia de Jasmine y Ginger, ambas hermanas adoptadas por sus padres. Es una historia de vida, de búsqueda de sentido que dos mujeres intentan desde veredas opuestas. Y acá, Allen -el maestro-, sabe perfectamente dar el tono justo al relato, con una mezcla de temporalidad que nunca pierde el horizonte y con un guión excelente, de ritmo creciente y permanente tensión. Cate Blanchett deslumbra con su personaje. Ella es Jasmine, no hay duda. Siempre lo fue y lo será. Conseguirlo así es gracias a su extraordinario talento, el que, unido a la batuta del director, realmente enciende la pantalla y la llena de emoción. Tantos gestos, actitudes, situaciones diferentes, bipolares estados de ánimo, y todo lo que podamos imaginar, pasan por el rostro de una mujer que ha sufrido y mucho. Bajo esa gran capa de apariencias -una coraza casi infranqueable- vive una mujer sensible, que ha querido sobreponerse a la vida y que se ha postergado pensando que ese era su camino. En la otra esquina está su humilde hermana Ginger, una mujer sencilla, trabajadora, sin grandes ambiciones, lo que le permite sobrevivir día a día y leer claramente la realidad que le toca enfrentar. Jasmine es el Cisne; Ginger, el patito feo, pero sólo en apariencia.

Woody Allen tiene un sexto sentido para retratar a las mujeres. Sus personajes femeninos están llenos de una carga emocional tremendamente fuerte. En cambio los hombres o son sustanciosos proveedores o bien elementos decorativos que sólo cumplen provocando conflicto. Las mujeres son, en general, quienes sostienen los relatos, quienes llevan la responsabilidad sobre sus hombros y en quienes se puede profundizar hasta las raíces mismas del alma. 

"Blue Jasmine" es una excelente película. Es bueno no saber más de la historia porque podrían perderse algunos detalles y adivinarse parte de la historia. Sin embargo, acá la historia no es lo fundamental. La composición, la forma de desarrollar la trama y la humanidad de sus protagonistas es el verdadero centro. Es lo que nos hace despegar de la butaca y pasar a ser parte del relato, sufrir y gozar con sus personajes; aquello que siempre esperamos del cine y que es cada vez más escaso. En esto, Allen, con puntos más altos y puntos más bajos, en general no decepciona com su filmografía. Su sello personal, su lectura de la realidad y su traspaso a la pantalla grande son notables, con una fuente inagotable de creatividad y originalidad. Ojalá nos siga entregando mucho más en los próximos años, porque su lenguaje cinematográfico, visual y emotivo, tendrá siempre ansiosos espectadores esperando disfrutar y admirar su trabajo.

Ficha técnica

Titulo Original: Blue Jazmine
Distribuidor: BFD
Calificación: 14 años
Duración: 98 minutos
Género: Comedia - Drama
Año: 2013
País: Estados Unidos
Elenco: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard

Director: Woody Allen

Hembra - Por Juan Pablo Donoso

Momentos de virtuosa fotografía. Banda sonora creativa. Actriz hermosa y sensual.

Riesgosa indefinición entre video-arte y drama materno-existencial.

La explicación conceptual y simbólica de sus realizadores – ¡en vivo! - salvan a la cinta de ser sólo una disquisición autoreferente de su autora. 

CON MAYOR SELECCIÓN Y SÍNTESIS NARRATIVA PUDO SER MÁS CLARA Y EMOCIONANTE.

Ficha Técnica

Guión y dirección: Isis Kraushaar y Cristóbal Vargas
Actriz: Isis Kraushaar
Fotografía y edición: Cristóbal Vargas
Chile – 76 minutos
Fantasía poética – experimento de cine-arte

Info BF Distribution

Metegol - Por Carlos Correa

Juan José Campanella, el premiado director Argentino y ganador del Oscar por “El secreto de sus ojos” incursiona en un género diferente con “Metegol”, una cinta animada basada en el cuento “Memorias de un wing derecho”, del escritor argentino Roberto Fontanarrosa. La historia que cuenta la película es la de Amadeo, un joven solitario y tímido, cuya pasión es pasar horas y horas jugando al metegol, popular juego que en Chile llamamos “Taca-Taca”. Enamorado de Laura, aunque ella no lo sabe, Amadeo vive en un pueblo pequeño y anónimo, trabaja en un bar y su sencilla rutina le permite ser por lejos el mejor jugador del popular juego. La vida de Amadeo y de su pueblo se ven seriamente amenazadas cuando Mato Grosso, un joven del pueblo convertido en el mejor jugador de fútbol del mundo, regresa para cobrar revancha de la única derrota sufrida en su vida. En ese momento, Amadeo, con la ayuda de los jugadores del metegol que cobran mágica vida, se embarca en una gran aventura para rescatar a Laura y salvar a su pueblo de las manos del egocéntrico futbolista.

Campanella, si bien enfoca la cinta hacia un público infantil, usa un lenguaje que abarca a todo tipo de público. El relato está lleno de caracterizaciones que dan un gran valor a cada personaje. Y en los jugadores del metegol los tenemos todos: el canchero, el poeta, el “capo”, el soñador, los extranjeros y muchísimos más. Los valores auténticos representados por Amadeo y Laura se contraponen a los antivalores de Mato Grosso, quien sin ser un real villano, ha perdido cualquier rasgo de humildad gracias al éxito desenfrenado, una gran fortuna y un ambiente adulador e interesado solo en su brillante carrera.

La animación lograda por esta coproducción argentino-española es de gran calidad técnica, donde hay un lugar para cada detalle y una cuidada puesta en escena. Cuando la animación pasa a ser solo la forma de contar una buena historia, creo que el objetivo está logrado. Y Campanella, una vez más, nos ofrece cine de calidad, donde lo que más llama la atención es la humanidad de sus personajes y donde es capaz de retratar con muy pocos elementos, la vida sencilla, aquella vida que surge no de los grandes éxitos sino aquella vida que se forma desde las mayores crisis, donde cada uno forma parte de una comunidad y está dispuesto a jugarse por ella, donde todos y cada uno de sus integrantes, asumiendo sus limitaciones y aprovechando sus talentos logran formar un verdadero equipo para conseguir un objetivo común. En ese sentido, “Metegol” es audaz no solo por ser la primera película argentina de animación en 3D, sino por transformarse en una linda fábula animada para ser disfrutada por grandes y chicos, ofreciéndonos amor, amistad y pasión con el fútbol como telón de fondo.

Ficha técnica

Titulo Original: Metegol
Distribuidor: ANDES
Calificación: TE
Duración: 106 minutos
Género: Animación
Año: 2013
País: Argentina - España
Elenco: David Masajnik, Pablo Rago, Horacio Fontova, Diego Ramos y Miguel Ángel Rodríguez.

Director: Juan José Campanella

24/12/13

Círculo de Críticos de Arte de Chile premia lo mejor de 2013

Estos son los premios otorgados por el Círculo de Críticos de Arte de Chile para el año 2013:

CINE

Internacional (Ficción): 
"Amour", de Michael Haneke
2 menciones especiales: "La separación", de Asghar Farhadi - "Gravedad", de Alfonso Cuarón
Internacional (Documental): 
"Woody Allen, el documental", de Robert B. Weide

Nacional (Ficción): 
"Gloria", de Sebastián Lelio
Mención especial: "La pasión de Michelangelo", de Esteban Larraín
Nacional (Documental): 
"El otro día", de Ignacio Agüero
2 menciones especiales: "El salvavidas", de Maite Alberdi - "La última estación", de Cristián Soto y Catalina Vergara


TELEVISIÓN 
(Premio que sólo se entrega a producciones chilenas)
"Ecos del desierto" (dirigida por Andrés Wood, emitida por CHV)


ARTES VISUALES

Internacional: 
"Regalos de la tierra", de Hugo Zapata, exposición en la Galería Isabel Aninat.

Nacional: 
"Formas", de Carolina Yrarrázaval, exposición en el MAC Parque Forestal.


NUEVOS MEDIOS

Internacional: 
Premio ex aequo para "Vanitas", de Joel-Peter Witkin, exposición fotográfica en el Museo Nacional de Bellas Artes, y para la exposición de obras de Georges Rousse, en el MAC Parque Forestal y Espacio Arte Abierto de Fundación Itaú. 

Nacional: 
"Arqueología anticipada", del Colectivo Aninat-Swinburn, exposición en la Galería Isabel Aninat. 


TEATRO 

Internacional: 
"La tempestad", de Shakespeare, dirigida por Declan Donnellan, como parte del Festival Santiago a Mil, en el Teatro Municipal de Las Condes.
Mención especial: GAM, por su programación de ciclos internacionales.

Nacional:
"Castigo", de Strindberg, dirigida por Cristián Plana, en el Teatro La Memoria.
Mención especial: "Ánimas de día claro", de Sieveking, dirigida por Nelson Brodt, en el Teatro Nacional Chileno (Sala Antonio Varas). 


DANZA

Internacional: 
Dos ciclos presentados en el Centro Cultural GAM: el Ciclo Sol Naciente y el Ciclo de Danza Contemporánea de los Países Nórdicos.
Mención especial: "El centauro y el animal", creada y dirigida por Bartabas, como parte del Festival Santiago a Mil, en el Teatro Municipal de Santiago.

Nacional:
Ex aequo: "La colorina", de Luis Eduardo Araneda, en Matucana 100 - "Mayerling", de Kenneth MacMillan, en el Teatro Municipal de Santiago (se premia el espectáculo completo, incluyendo la coreografía, solistas y cuerpo de baile, producción escénica, dirección e interpretación musical)
Mención especial: Luis Ortigoza y Natalia Berrios, por "Mayerling"


MÚSICA 

Internacional: 
Cuarteto Borodin, en el Teatro Municipal de Las Condes, como parte de la Temporada de la Fundación Beethoven.

Nacional: 
Serenata para tenor, corno y cuerdas de Britten, en el Teatro Universidad de Chile (se premia la interpretación de todos los artistas que participaron: las cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Chile dirigida por Juan Pablo Izquierdo, y como solistas el tenor Rodrigo del Pozo y Matías Piñeira en corno francés)
2 Menciones especiales: ex aequo, para dos importantes debuts de músicos chilenos, el pianista Gustavo Miranda en el Teatro Municipal de Santiago y el director Paolo Bortolameolli al frente de la Orquesta Filarmónica, con "La consagración de la primavera" en el Teatro Caupolicán. Y además se reconoce la consolidación de la Orquesta de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile y la Banda Sinfónica de la Universidad de Chile. 


ÓPERA

Internacional: 
"Billy Budd", de Britten, en el Teatro Municipal de Santiago (se premia el espectáculo completo, incluyendo la producción, cantantes, coro, dirección musical)

Nacional: 
Paulina González, soprano, por su participación en las óperas "Romeo y Julieta", de Gounod, en el Teatro Municipal de Santiago, y en "Così fan tutte", de Mozart, en el Teatro Municipal de Las Condes. 
Mención especial: el auge de la opera en circuitos no tradicionales y en regiones, incluyendo en Santiago las producciones de "El retablo de Maese Pedro" y "Così  fan tutte", el estreno en Chile de "La violación de Lucrecia", el estreno mundial de "Gloria" y funciones en ciudades como Temuco, Concepción y Antofagasta, de óperas como "La traviata", "Don Pasquale", "Carmen" y "Las bodas de Fígaro".

22/12/13

35 Festival Internacional del nuevo Cine Latinoamericano - Por Musia Rosa

Entre los días 5 y 15 de diciembre del 2013, en La Habana Cuba, se realizó  el 35 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, el que exhibió más de 400 filmes entre largo, medio y cortometrajes, de ficción y documentales, procedentes de 47 países del mundo, lo que posibilitó una variada e interesante muestra cinematográfica, que unida a conferencias, entrevistas y talleres congregó a un amplio y entusiasmado público, que llenó las salas de cine y los lugares donde se desarrollaron los distintos eventos del Festival. 

Los premios CORALES que otorga el Jurado Oficial a los tres mejores largometrajes de ficción latinoamericanos, entre los 21  en competencia, fueron para la película HELI, del director Amat Escalante, de México; para EL LUGAR DEL HIJO, del director Manuel Nieto, de Ecuador, y para GLORIA, de Sebastián Lelio, de Chile, película que, entre otros premios, también  había recibido el premio SIGNIS en el Festival de Berlín. 

El Jurado SIGNIS, decidió otorgar su premio a la película argentina LA RECONSTRUCCIÓN, del director Juan Esteban Taratuto, por ser capaz de expresar, con excelentes imágenes, escasos diálogos y grandes actuaciones, el frío e inhóspito ambiente de la Patagonia, contrastándolo con la calidez humana de un hombre parco, rudo y solitario, que viaja a Ushuaia en respuesta al llamado de un amigo enfermo terminal, y que con una actitud solidaria y generosa pone de pie  a la dolida familia y logra su propia redención.

En La Habana el Jurado SIGNIS estuvo integrado por Jorge Villa, educador cinematográfico, miembro del Consejo Directivo de SIGNIS para América Latina y el Caribe; Antonio Mazón Robau, Licenciado en Historia del Arte, crítico y periodista de Cuba; Carlos E. León, documentalista, guionista e investigador del cine cubano; Ricardo Yáñez, educomunicador y periodista argentino, asistente del Secretariado General de SIGNIS en Bruselas, y Musia Rosa, educadora y crítico de cine, miembro del Círculo de Críticos de Arte de Chile. 




19/12/13

La sospecha - Por Juan Pablo Donoso

Si consideramos que dura más de dos horas y media, el director Denis Villeneuve y su equipo sin duda manejaron bien el suspenso, el misterio, las actuaciones y el pulso narrativo.

Gran mérito también del guionista Aaron Guzikowski al tejer tantas peripecias argumentales y personajes sin confundir al espectador.
Alguien secuestra a dos niñas muy pequeñas en un pueblito del Norte de Estados Unidos. Ambas familias viven su angustia al máximo. Hay un detective solitario, sin familia, cuyo orgullo es jamás haber dejado un caso sin resolver.

Pero esta vez la investigación se va complicando cada vez más y confundiendo las pistas. El padre de una de las niñas decide hacer justicia con su mano contra el principal sospechoso, dejado en libertad por falta de pruebas. Este padre secuestrará por su cuenta al sospechoso – un débil mental –, lo torturará sin misericordia con la esperanza de que confiese dónde están las pequeñas y quiénes fueron sus cómplices.

El relato sigue en secuencias paralelas el dolor de las familias, los intentos del detective, y las erráticas pistas que surgen sin definirse.

Sobresale la actuación de Hugh Jackman (Jean Valjean en Los Miserables), al proyectar sus diversas emociones con fuerza y, a la vez, mesura. El ya conocido Jake Gyllenhaal (El Secreto de la Montaña), como el persistente detective vuelve a demostrar su talento y carisma. Los roles femeninos irradian dolor con verosimilitud.

Se trata de un filme de suspenso policial que ni cansa ni aburre, gracias a su atmósfera, al oficio de sus intérpretes y realizadores, y a los misterios que van aflorando gradualmente.

Si bien las secuencias finales recurren a consabidos desenlaces felices de filmes estadounidenses para dejar al público contento, sus méritos logran un resultado por encima de la media habitual.

MISTERIO Y SUSPENSO POLICIAL EN UNA TRAMA COMPLEJA, BIEN ACTUADA, QUE CONSIGUE RETENER EL INTERES A PESAR DE SU LONGITUD.

Ficha técnica

Título: La sospecha (Prisoners, Estados Unidos/2013)
Dirección: Denis Villeneuve
Guión: Aaron Guzikowski
Fotografía: Roger Deakins
Música: Jóhann Jóhannsson
Edición: Joel Cox y Gary Roach
Diseño de producción: Patrice Vermette
Elenco: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Melissa Leo y Paul Dano
Distribuidora: Alfa Films
Duración: 153 minutos
Calificación: apta para mayores de 16 años con reservas

18/12/13

La sospecha - Por Carlos Correa

El secuestro de niños es un tema tremendo y además complejo de enfrentar. El director canadiense Denis Villeneuve aborda el relato desde diferentes perspectivas con el fin de situarnos y de estar permanentemente enfrentados al discernimiento que propone la acción de todos los involucrados. Durante la celebración del Día de Acción de Gracias de dos familias amigas, las hijas menores de ambos matrimonios -Hugh Jackman y Maria Bello, por un lado; y Terrence Howard y Viola Davis, por el otro- desaparecen de manera totalmente inesperada. Keller Dover -Jackman- encabeza una desesperada búsqueda que parece no conducir a nada. Solo la pista de una casa rodante y la aparición de un sospechoso abre una venta de luz a un relato que conmueve por lo cruel y real que resulta ser.

Prisioners -su título original- presenta varias dualidades. Una de ellas es la forma de reaccionar ante una situación crítica y dramática por parte de las familias. La desesperación lleva a tomar decisiones no siempre afortunadas y de las que posteriormente pueden arrepentirse. Por otra parte está la justicia, esta vez encarnada por el detective Loki -Jake Gyllenhaal, en un papel que cobra protagonismo con el correr de los minutos- que en ocasiones parece atada de manos para investigar a fondo un hecho extremo. Estamos en una permanente disputa entre los sentimientos y la razón, entre lo correcto y lo incorrecto, entre lo que se debe hacer y lo que dicta el corazón. ¿Esperar la acción de la justicia o tomar justicia por las propias manos? Este es tal vez el dilema más importante de la película y es justamente Jackman, con su gran actuación, quien nos hace dudar permanentemente durante el relato. ¿Qué opción tomaríamos nosotros ante un hecho de esta naturaleza? ¿Acaso no haríamos todo lo que en nuestras manos estuviera para resolverlo? Los valores principales, ¿son transables cuando un ser amado está en peligro y estamos seguros que sabemos quién es el responsable?

“La sospecha” sostiene una tensión permanente durante sus 153 minutos. Y logra que no decaiga la atención del espectador gracias a un guión firme, una edición fluida y un relato visual que es capaz de transmitir la emoción de sus protagonistas. Denis Villeneuve encabeza un equipo de lujo y sabe sacarle partido con diálogos profundos, primeros planos que conmueven y una fotografía realista y cruda. Si a esto agregamos un tratamiento apropiado de temas moralmente complejos -sentimientos paternos, acción policial, justicia y cruda violencia-, tenemos un filme que nos mantiene en suspenso, que provoca, cuestiona y de alguna forma nos obliga a tomar posiciones durante el relato. Una historia que perfectamente podría ser real y que puede estar más cerca de lo que siquiera imaginamos.

Ficha técnica

Título: La sospecha (Prisoners, Estados Unidos/2013)
Dirección: Denis Villeneuve
Guión: Aaron Guzikowski
Fotografía: Roger Deakins
Música: Jóhann Jóhannsson
Edición: Joel Cox y Gary Roach
Diseño de producción: Patrice Vermette
Elenco: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Melissa Leo y Paul Dano
Distribuidora: Alfa Films
Duración: 153 minutos

Calificación: apta para mayores de 16 años con reservas

17/12/13

Los juegos del hambre: en llamas - Por Carlos Correa

Esta segunda parte de la exitosa trilogía de Suzanne Collins, muy esperada por todos sus fieles seguidores, comienza a introducirnos en la vida de Katniss Everdeen -Jennifer Lawrence- y Peeta Mellark -Josh Hutcherson- luego de ganar la edición número 74 de los “Juegos del hambre” para el distrito 12. El Capitolio -poder central a cargo del Presidente Snow -Donald Sutherland-, no está tranquilo. Ve signos de rebelión en los distritos y quiere a toda costa aplacarlos. El “Tour de la victoria”, un recorrido de los ganadores por todos los distritos, podría ser una buena herramienta, sobre todo si se logra consolidar el romance entre Katniss y Peeta, que sin convencer a la mayoría, entrega una dosis de sentimiento al sufrido pueblo de Panem. No obstante, las dudas persisten y al aproximarse la versión número 75, “el Vasallaje”, Snow junto a Plutarch Heavensbee -Philip Seymour Hoffman-, el nuevo vigilante de los juegos, deciden que los “tributos” serán elegidos de anteriores vencedores, por lo que Katniss deberá nuevamente representar a su distrito.

Esta secuela tiene cambios sustantivos respecto a la primera en varios aspectos. El primero y que surge a simple vista es el cambio de director. Luego que Gary Ross no aceptara continuar, la responsabilidad quedó en manos de Francis Lawrence quien imprime a la saga un ritmo menor y un relato mucho más pausado que el de la primera versión. Con una fotografía mucho más oscura y un metraje más denso, esta segunda parte se inclina más por la historia y los diálogos que por la acción. El guión da por supuestos muchos elementos que, si no estamos atentos o carecemos de ayuda, podrían complicar el cabal entendimiento de la trama que soporta la película. No basta conocer a los principales personajes, pues la cinta agrega elementos que no necesariamente estaban descritos en la primera sino que otros simplemente se dan por sabidos y carecen totalmente de un desarrollo apropiado. Pasa por ejemplo con el personaje de Gale -Liam Hemsworth-, cuya importancia en el relato solo se vislumbra al comienzo para luego pasar directamente al congelador.

“En llamas” profundiza la temática del Imperio sobrepoderoso contra un pueblo totalmente oprimido. La fuerza y acción militar no tiene contrapeso. El Capitolio puede detener, decidir, apresar y matar a cualquiera sin dar ninguna explicación. Y esta forma bárbara de actuar, similar a cualquier dictadura, no puede tener sino una sola forma de oposición: la rebelión de las masas, con sus símbolos y sus líderes. La cinta vuelve a poner en relieve este “Circo Romano” que son los “Juegos del hambre”. No solo es una competencia despiadada y sin sentido. Es el mayor show televisivo de Panem, donde se concentran las miradas de todo el mundo y donde cobra vida la manida frase de los gobiernos autoritarios: “circo para el pueblo”.

Tal vez podríamos escribir mucho más sobre esta cinta y su temática, sin embargo gran parte de ello está en el análisis de la primera entrega. Sorprende encontrarnos con un guión más débil, menos desarrollado, con un tratamiento del relato fraccionado y que se cae en varios momentos. En general no logra sostener un ritmo creciente y ello hace que los 146 minutos de duración se hagan extensos, perdiendo la oportunidad de seguir un hilo conductor más concreto y preciso, basado en los valores y antivalores presentes por doquier. Desde el punto de vista de la producción, mantiene un notable nivel, no obstante hubiéramos esperado una mejor escenografía y una fotografía mucho más cuidada. La cinta seguramente dejará contentos a sus seguidores, sin embargo queda al debe desde el punto de las expectativas generadas dado el éxito de su primera entrega. Y esto es algo no menor, tomando en cuenta que la tercera parte -Sinsajo- ya se anuncia dividida en dos películas, porque si quiere mantener el éxito de la saga será muy necesario dotarla de más relato, de más historia, es decir, en síntesis, de más cine.

Ficha técnica

Titulo Original: Hunger Games: Cathing Fire
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 146 minutos
Género: Acción, Aventura y Ciencia Ficción
Año: 2013
País: EEUU
Elenco: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Elizabeth banks y Sam Claflin.

Director: Francis Lawrence

12/12/13

Los Elegidos - Por Juan Pablo Donoso

La historia se inspira en la frase del gran escritor de ciencia ficción Arthur C. Clarke: “Hay dos posibilidades… o estamos solos en el universo, o no lo estamos; y ambas son igualmente aterradoras”.

Una familia como tantas, con dos hijos, comienza a percibir extraños sucesos en su hogar. Han sido “elegidos” por alienígenas para fines ignorados; vivirán experiencias  desquiciantes frente a la incredulidad de quienes los rodean.

Predomina el suspenso psicológico por sobre el terror y los efectismos audiovisuales. Se agradece la carencia de golpes musicales y de imágenes monstruosas que nos asaltan sin lógica. Los alienígenas afortunadamente sólo se vislumbran; así sortean la vulgaridad del cliché. Se apoyaron más en la historia y las actuaciones que en efectos especiales. Esto permitió un presupuesto menor en comparación con otras producciones menos logradas. 

Aunque en términos generales es predecible, mantiene al espectador atento a las peripecias de la trama, y se agradece también el guiño final que nos permite suponer que vendría una secuela. Carismática Keri Russell, como la madre, y los niños se manejan con agradable soltura.

ACEPTABLE COMBINACIÓN DE SUSPENSO Y TERROR PSICOLÓGICO QUE EVITA EFECTISMOS DE MAL GUSTO.

Ficha técnica

DIRECTOR: Scott Stewart
ACTORES: Keri Russell, Jake Brennan, Josh Hamilton
EE.UU. – 97 minutos
Terror Ciencia Ficción

Info BF Distribution

La Mujer de Iván - Por Juan Pablo Donoso

La factura fotográfica (Daniel Vivanco) y musical (Ángelo Solari) fueron más eficientes que el guión. 

Hermoso talento expresivo  de María de los Ángeles García (nos evocó a Giulietta Massina en La Calle de Fellini). Interpreta a una adolescente secuestrada por un adulto enigmático, introvertido y atormentado. 

Pero por falta de antecedentes motivacionales de sus personajes, la obra se hace distante, lenta y reiterativa.

El tema se ha tratado muchas veces con resultados más conmovedores: El Coleccionista, La Calle, Baby Doll, La Niña en la Palomera, y otras. 

Por mucho que el discurso cinematográfico se concentre casi todo en las expresiones faciales y momentos íntimos del hogar de la pareja, el conflicto de fondo sigue insustancial.

Después de todo son dos “personas”, por lo tanto, ¿quiénes son, cómo son y por qué están así?
¿El secuestrador es sólo un tipo “raro”, que se enamora de ella, y nada más?
 
El posible suspenso que genera la progresión de cómo el secuestrador va dando holgura a su prisionera – aunque también la viola - debería revelarnos más de la naturaleza psicopática de sus personajes. Resultan obvios los anhelos de la muchachita por ir al supermercado o por conocer el mar. 

La autora se inspiró en la relación de amor/odio que brota entre una mujer secuestrada y su victimario; se mezcla la necesidad femenina de dependencia y el deseo de liberación que, por lo demás, se manifiesta en muchas relaciones de pareja consideradas “normales”. 

En este filme, la falta de antecedentes históricos, psicológicos y motivacionales de sus personajes hacen que el relato se perciba dramatúrgicamente cojo. Son insuficientes las pataletas y fantasías de la muchacha, y el autoerotismo insatisfecho de su celador para empatizar con el fondo trágico de la historia. ¿Cuál es el conflicto? Pareciera que las cosas son así, y punto. Después de todo sería sólo una extraña “historia de amor”; entonces ¿para qué darle más vueltas? (¡!).

Incluso el final abierto – en este caso – nos deja aún más desconcertados sobre la postura ideológica de la autora frente al impulso reivindicador del género femenino en nuestra época y sociedad occidental.

¿Es un filme machista o antimachista? ¿Feminista o antifeminista?

UN TEMA DE ENORME POTENCIALIDAD DRAMÁTICA Y PSICOLÓGICA SE  QUEDÓ  EN  LA  SUPERFICIE  DE  LAS  PEQUEÑAS  EMOCIONES COTIDIANAS. LE FALTÓ MADURACIÓN. 

Ficha técnica

Director: Francisca Silva
Actores: María de los Angeles García – Marcelo Alonso
Director de Fotográfía : Daniel Vivanco
Música: Angelo Solari
Chile – 90 minutos
Info BF Distribution

Lista de Premios

- Mejor Director 17th International Film Festival of Kerala, India, 2012.
- FIPRESCI International Critics Prize. 15th Flying Broom International Women's Film Festival. Turkey, 2012.
- Círculo Precolombino de Oro Mejor Película 28 Festival de Cine de Bogotá. Colombia, 2011.
- Jury Special Mention New England Festival of Ibero American Cinema, NEFIAC. USA, 2011.

10/12/13

El Ciudadano Kramer - Por Carlos Correa

Stefan Kramer posee un talento increíble no cabe duda. A sus naturales dotes de imitador, suma una creatividad y eficacia que hacen admirable su trabajo. Y cuánto trabajo hay al realizar una película prácticamente actuada sólo por él mismo, interpretando a un sinnúmero de figuras públicas, políticas y de la farándula, y sosteniendo 100 minutos de metraje. ¡Mucho, sin duda! Kramer es un observador agudo de la realidad. Acentúa y en muchos casos exagera cada gesto, cada palabra y tono de voz de sus personajes, al punto de recrearlos con una singularidad que ya le es propia. Y esta vez, en su segunda cinta, Kramer sigue absolutamente fiel a su estilo.

Stefan Kramer -él mismo, la persona real, el ya famoso imitador- ha cumplido un ciclo con su espectáculo y siente que deber renovarse, encontrar un nuevo show para reencantarse y reencantar a su público. Busca ideas sin dar con un camino claro, hasta que una conmovedora visita de Iván Fuentes -una de las caracterizaciones de las más logradas- le hace ver que la política podría ser la fórmula a explorar. Junto a sus fieles colaboradores -Arturo y el "negro"- Kramer emprende el desarrollo de un nuevo montaje ("Gobernar es un show), donde aprovecha la campaña presidencial para promoverlo, llegando a confundir a tal grado los papeles que termina convirtiéndose en un candidato ciudadano, aclamado por las multitudes y odiado por toda la clase política del país.

La cinta transcurre lentamente entre la suma de imitaciones y las apariciones de personajes reales que participan como ellos mismos en la historia. Kramer se apoya en su familia y en su esposa -Paloma Soto en la cinta y en la vida real- para dar vida a un guión, que aunque más elaborado que el de su predecesora, naufraga dada su evidente debilidad, una fragilidad que, al no tener un hilo conductor claro, carece de los elementos básicos que permiten contar una buena historia. Nuevamente nos vemos en presencia de una suma de muy buenos momentos de humor -algunos realmente jocosos-, cuadros y escenas que se juntan para armar un show televisivo más que una película propiamente tal.

No obstante lo descrito, "El Ciudadano Kramer”, a diferencia de “Kramer vs Kramer”, intenta entregar un mensaje un poco más elaborado. O varios mensajes, tal vez, que podríamos clasificar de varias maneras según las propias lecturas. No estoy seguro si se trata de farandulizar la política, politizar la farándula o solo reírse de la contingencia, pero se acerca de alguna manera a esos conceptos y nos muestra algunos caminos carentes de sentido, donde la imagen y el éxito es lo importante y las verdaderas causas quedan abandonadas en el camino a la espera de tener una real oportunidad de expresión. Es sabido que gracias al humor podemos tomar el pulso de la realidad, y si hacemos esa lectura, me arriesgo a pensar que tenemos que tomar urgente conciencia de lo que estamos enfrentando como sociedad chilena en estos momentos, ad portas de un nuevo ciclo político, cultural y social.

Ficha técnica

Titulo Original: El Ciudadano Kramer
Distribuidor: FOX
Calificación: TE
Duración: 100
Género: Comedia - Humor
Año: 2013
País: CHILE
Elenco: Stefan Kramer, Paloma Soto, Carolina Paulsen
Director: Stefan Kramer/Javier Estévez

6/12/13

Jobs - Por Juan Pablo Donoso

Biografía del empresario Steven Jobs. Fue el creador del sistema Apple y Macintosh en computadores. Sus comienzos idílicos como un joven que busca en el budismo la iluminación espiritual van derivando en una pasión por innovar en la tecnología, ir donde otros aún no llegan, por su audacia comercial, hasta transformarse en uno de los máximos billonarios del mundo.
Como biografía queda externa y superficial ya que sólo muestra hitos de triunfo y decepción en su carrera.

Desfilan decenas de personas con las cuales trabajó, explotó y pisoteó. Siendo él mismo víctima de los ejecutivos de sus empresas quienes, lo enviaron a un exilio laboral para después rogarle que reasumiera cuando las finanzas empezaron a decaer. El filme es un canto a la codicia y al talento empresarial despiadado.

El personaje central, Steve Jobs, resulta poco interesante como ser humano por su falta de profundidad psicológica, afectiva y emocional. Por muy ambivalente que se lo muestre, ni siquiera despierta compasión ni rechazo. Da lo mismo.
  

POR ABARCAR DEMASIADO QUEDÓ SUPERFICIAL, SIN CONFLICTO Y PUERILMENTE MENSAJOSA

Ficha técnica

Titulo Original: JOBS
Distribuidor: BFD
Calificación: TE
Duración: 129 minutos
Género: Acción - Drama
Año: 2013
País: EEUU
Elenco: Ashton Kutcher, Josh Gad, James Woods, Dermot Mulroney y J.K. Simmons
Director: Joshua Michael Stern

5/12/13

Jobs - Por Carlos Correa

Esta cinta dirigida por Joshua Michael Stern, cuenta una parte de la vida de Steve Jobs, fundador de Apple Computers, un visionario emprendedor que redefinió y cambió el mundo de la tecnología y de la computación personal, junto con modificar nuestra forma de relacionarnos con los dispositivos digitales. Es difícil separar la película de la historia, sobre todo para quien escribe estas líneas, pues soy usuario Apple desde 1987, es decir desde hace 26 años. Aprendí computación gracias a un Macintosh Classic y los "Mac" me han acompañado fielmente desde entonces, razón por la cual pudiera no ser muy objetivo en ciertos aspectos. Expuesto lo anterior, intentaré comentar esta cinta tanto desde la perspectiva cinematográfica como también desde el personaje al que esta historia le da vida.

Jobs -Ashton Kutcher en una personificación bien lograda y que por momentos parece revivir- fue un hombre controvertido desde el comienzo. Rebelde de las formas y a la vez amante de ritos, descubrió muy temprano que su futuro no eran los estudios sino los negocios. Su inigualable pasión por la perfección y la funcionalidad, junto a su búsqueda permanente de la belleza, configuraron una personalidad obsesiva y egocéntrica que en más de una ocasión le generó incontables problemas. En ese sentido, esta película retrata mucho más al Jobs del día a día, aquel capaz de despedir a alguien espontáneamente o gritonear a medio mundo, que el genio al que muchos tal vez idealizaron y vieron en él sin conocer la historia más a fondo. El guión permite aquello, justamente al elegir un periodo de tiempo que va desde sus abandonados estudios universitarios hasta el lanzamiento de una de las mayores revoluciones nacidas en Apple y que cambió la industria musical: el primer iPod presentado en el año 2001.

Sin duda estos años no fueron sencillos para Steve Jobs. Funda Apple, crece con la compañía y crece su fortuna, es relegado primero y luego despedido por su propio directorio debiendo emprender nuevos rumbos y vuelve finalmente para recomponer su empresa con una visión y una pasión pocas veces vista. El metraje por momentos se oscurece y los diálogos no son del todo fluidos. Es que hay mucho que contar, mucho contenido importante y la decisión de qué se debe mostrar se hace ciertamente difícil. Hay temas técnicos, económicos, ideas, desarrollos, relaciones, etc. A la vez, hay otras escenas que son realmente luminosas y épicas, como los lanzamientos de productos innovadores y cautivantes, reuniones de equipos creativos y todo ese ambiente que de alguna manera rodea de misterio y admiración el trabajo de Apple.

Los momentos emotivos también son importantes y destacados en la cinta y están referidos al "otro" Steve -Wozniak, “Woz”, co-fundador de Apple-, en una entrañable caracterización de Josh Gad, a los primeros colaboradores de la compañía y por cierto a Lisa, hija de su primera relación amorosa, a quien Jobs también abandona, siguiendo inconscientemente a sus propios padres que le habían dejado en adopción recién nacido.

Podría escribir mucho más de esta cinta y sería más bien escribir sobre la historia de Steve Jobs. La biografía de Walter Issacson es por lejos la mejor referencia al respecto y les animo a leerla. Por ello, y haciendo un esfuerzo para centrarme en la realización cinematográfica, veo que estamos ante un buen trabajo tomando en cuenta el poco tiempo invertido, bien filmado, con actuaciones capaces de convencer -en especial la caracterización de Kutcher- y que logra, al menos en mi opinión, retratar al quien logró conectarnos con la tecnología, haciéndonos "pensar diferente".

Ficha técnica

Titulo Original: JOBS
Distribuidor: BFD
Calificación: TE
Duración: 129 minutos
Género: Acción - Drama
Año: 2013
País: EEUU
Elenco: Ashton Kutcher, Josh Gad, James Woods, Dermot Mulroney y J.K. Simmons

Director: Joshua Michael Stern

4/12/13

Séptimo - Por Carlos Correa

Esta cinta del director Patxi Amezcua desarrolla un thriller de suspenso ambientado en la ciudad de Buenos Aires. Sebastián -un requerido abogado interpretado por el siempre sólido Ricardo Darín- recoge a sus hijos, Luna y Luca, en el departamento de su ex mujer Delia -Belén Rueda- para llevarlos a la escuela. Y como es habitual, repite el juego de todos los días donde ellos bajan por las escaleras y él por el ascensor. Sin embargo, esta vez Sebastian llega primero y los niños no aparecen. Algo sucede, han desaparecido sin rastro, a pesar de buscar intensamente en el edificio. Puede ser un secuestro, la policía se pone en marcha y la agenda en tribunales del abogado sencillamente queda postergada.

Darín le da a la cinta un importante peso dramático. Su interpretación entrega múltiples gestos y transmite emociones con cada plano y en cada escena. De alguna forma la cinta se sostiene en él, y todo lo demás gira en torno a ello. Belén Rueda, en mi opinión, entrega un papel más débil, con poca conexión con Darín y tal vez con un compromiso emocional menor al esperado por sus trabajos anteriores como por ejemplo en "Los ojos de Julia". El modo de filmar sin duda ayuda a generar un contexto de inseguridad y vulnerabilidad que la cinta aprovecha en su desarrollo. Cámaras cercanas, primeros planos bien logrados, giros y quiebres inesperados, dan movilidad a la acción. No obstante, el metraje avanza por diferentes caminos y por momentos da la impresión que se inmoviliza. La duda se siembra y cala profundo. El conserje, el policía que habita en el edificio, los litigantes del juicio, etc. Todos pueden ser culpables y la desesperación de los padres aumenta en la medida que las incógnitas son mayores que sus respuestas.

"Séptimo" es una buena película, cumple con lo que propone, poniendo sobre la mesa un tema no menor que es el secuestro y las acciones que un padre es capaz de hacer por sus hijos, su tesoro más preciado, tal vez transando para ello sus valores fundamentales. Las sospechas y la falta de confianza dan al relato una tensión permanente, un suspenso que tal vez aún atrapando al espectador, alarga demasiado su punto de clímax y se desdibuja hacia el desenlace.

Ficha técnica

Titulo Original: Séptimo
Distribuidor: FOX
Calificación: TE+7
Duración: 90 min.
Género: Thriller
Año: 2013
País: Argentina y España
Elenco: Ricardo Darín, Belén Rueda, Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro y Manuel Callau.

Director: Patxi Amezcua